Zene előállítása kezdőknek

Mindenki elindul valahol - és az első lépés az, hogy kitaláljuk, mit akarsz tenni. Lehet, hogy ütéseket készít, talán teljes számokat szeretne építeni a semmiből, vagy talán a koncentrálás a keverés és elsajátítás. Ez a választás beállítja az útmutatást minden, ami a következő.

Ha ez egyértelmű, itt az ideje, hogy megtanuljuk az alapokat. Tudja meg, hogyan jön össze a sáv, hogyan működik a ritmus és a dallam, és miért számít az elemek közötti egyensúly. Nem fogsz messzire jutni nélküle. A tanulás egyik legjobb módja az, ha valóban zenét hallgat - nem véletlenül, hanem céllal. Bontja le a dolgokat, és kitalálja, mi készteti őket.

Felejtsd el azt az elképzelést, hogy szüksége van egy divatos stúdióra a jó zene készítéséhez. Csak egy mikrofonnal, egy audio felületgel, szilárd fejhallgatóval és néhány alapvető gyártási szoftverrel is eljuthat. Minden más az idővel és a gyakorlással jár.

Mit jelent valójában a zenei produkció

A zenei produkció a dal elkészítésének teljes útja - az első ötlettől a végső hangig. Ez magában foglalja a zene írását, az elrendezést, a felvételt, a keverést és a zeneszám felkészítését a kiadásra. A folyamat minden része összpontosít és egy kis technikai know-how-t vesz igénybe. De több, mint a felszerelés, az igazán számít, hogy ragaszkodjon hozzá, tanuljon, ahogy megy, és befejezi azt, amit kezd.

A zenei produkció alapjai

Mit csinál egy zenei producer valójában

A zenei produkció nem csak a műszaki oldalról szól, hanem arról, hogy felügyelje a szám létrehozásának teljes folyamatát az elejétől a végéig. A producer az a személy, aki a nagy képet a fókuszban tartja, és egy projekt első szikrájától a kiadásra kész végleges verzióig irányítja a projektet. A beállítástól függően maguk írhatják a zenét, segíthetnek a művész durva anyagának kialakításában, vagy összehangolhatják a zenészek és mérnökök csoportját, hogy mindent összehozhassanak.

A producer egyik fő felelőssége annak biztosítása, hogy a pálya koherens legyen. Ez azt jelenti, hogy odafigyelünk arra, hogy a különböző elemek hogyan működnek együtt, az épületszerkezet és annak biztosítása, hogy a zenei ötlet teljes mértékben megvalósuljon. A felvétel során a producer javasolhatja az elrendezés megváltoztatását, segíthet a művésznek több érzelmét előadni egy előadáshoz, vagy eldöntheti, hogy mit kell egyszerűsíteni vagy kiemelni, hogy a pálya erősebbé váljon.

A független termelők, különösen az otthonról dolgozó termelők számára a szerep gyakran mindent magában foglal - írás, rendezés, felvétel, keverés és akár elsajátítás. És manapság nincs szüksége nagy stúdióra vagy drága felszerelésre az induláshoz. Egy laptop, audio interfész, mikrofon és néhány beépülő modul hosszú utat eredményezhet. Fontos azonban, hogy ne feledje: a termelőnek lenni nem csak a gombok megnyomásáról szól. Arról szól, hogy megértsük az energiát, az áramlást, az egyensúlyt és azt, hogyan alakíthatjuk a hangot az emberekhez kapcsolódó módon. Egy jó producer segít a hangok gyűjteményének olyanvá alakításában, amely életben érzi magát.

A fülének fejlesztése zenei producerként

A hanggal való magabiztos munka nem lehetséges jól képzett fül nélkül. A producernek többre van szüksége, mint a hangmagasság felismerésének képességére - finom részletekhez kell felvenniük: hogyan működnek együtt a műszerek, mely frekvenciák összecsapnak, ahol a keveréknek nincs mélysége, vagy ahol a sztereó kép ki van kapcsolva. Ez a fajta tudatosság a következetes gyakorlatból és a szándékos hallgatásból származik.

A fülképzés tapasztalaton keresztül történik. Ne ragaszkodjon csak a kedvenc műfajaihoz - fedezze fel a zene széles skáláját. Vigyázzon az elrendezések felépítésére, az egyes alkatrészek tiszta hangzására, és hogy az ének miként ül a keverékben. A számok összehasonlítása szintén hasznos. Lehet, hogy az egyik tiszta és nyitott, míg a másik sáros vagy túlságosan tömörített. A cél az, hogy kitaláljuk, mi hozza létre ezeket a különbségeket.

Minél többet gyakorolsz, annál jobban kapsz, ha észreveszed, mi nem működik. Elkezdi hallani, amikor egy gitárnak több helyre van szüksége, amikor a basszus elárasztja a keveréket, vagy amikor egy ének egyenetlennek érzi magát. Ezek a betekintések segítenek a hang pontosabb kialakításában, és olyan keverékeket készítenek, amelyek kiegyensúlyozottnak és szándékosnak érzik magukat. A jó fül nem olyan, amellyel született - ez valami, amit koncentrált, következetes erőfeszítések révén fejlesztesz ki.

A dalszerzés alapjainak megtanulása

A tiszta produkció fontos, de maga a dal állítja be a hangulatot és felhívja a hallgatókat. Ezért kell egy producernek többet megértenie, mint a keverést - tudnia kell, hogyan kell dolgozni a Melody -val, a Harmony -val és a dalszövegekkel, hogy valami emlékezetes dolgot hozzon létre.

A kezdés jó helye a szerkezet. A legtöbb dal ismerős formátumot követ: vers, kórus, vers, kórus, híd, végső kórus. Ez a fajta elrendezés természetesnek érzi magát a hallgató számára, és elősegíti az energia és az áramlás felépítését. A szerkezet megadja a sín irányát, és az elejétől a végéig tartja.

A Harmony a következő darab. Még az egyszerű akkord előrehaladása is beállíthatja a megfelelő hangot, ha szándékosan választják meg őket. Nem a bonyolultságról szól, hanem a dallam megfelelő érzelmi hátterének megteremtéséről. Néhány jól elhelyezett akkord többet mondhat, mint valami technikailag fejlett, de nem koncentrált.
A dalszövegek ugyanolyan számítanak. Nem kell, hogy túlságosan költői legyenek, de életben kell érezniük őket. A jó dalszövegek érzelmeket hoznak, mesélj el egy történetet, vagy tiszta képet hozzanak létre. Támogatniuk kell a zenét, és mozogniuk kell vele, nem pedig ellene. Amikor a szavak és a dallam együtt működnek, az eredmény mindig erősebb.

Mindenki másképp közeledik a dalszerzéshez - néhányuk egy dalszöveggel kezdődik, mások dallammal. A legfontosabb a kísérlet. Írj sokat, menj vissza és hallgass, tanulj meg minden kísérletből. Minél többet gyakorolsz, annál jobban megérti, mi teszi a dalt - és hogyan alakíthatja ezt a kapcsolatot a saját munkájában.

A termelő műszaki képességeinek fejlesztése

Tanulási akkordok, zeneelmélet és ritmus

A zeneelmélet szilárd megragadása segít a termelőknek hatékonyabban és magabiztosabban dolgozni. Az alapokkal kezdődik - akkordok, ritmikus minták és az időzítő rácsok megértése. Ez az alapítvány lehetővé teszi, hogy harmonikus és ritmikus ötleteket készítsen anélkül, hogy teljes mértékben támaszkodna a próbára és a hibára. A közös akkord -előrehaladás gyakorlása, a különböző ritmusok kipróbálása és az alakok közötti átmenet megtanulása az izommemóriát és a kreatív folyékonyságot épít. A MIDI vezérlőkkel vagy a dobpárnákkal való együttműködés javítja az időzítést és a pontosságot - különösen, ha valós időben rögzíti. A következetes gyakorlat és némi önreflexióval ezek a készségek természetesen megjelennek a saját pályáin.

Tiszta, kiváló minőségű hang felvétele

A nagyszerű hang tiszta jelzéssel kezdődik. Ez érvényes, hogy éneket vagy élő hangszereket készít. A felvétel minősége a használt mikrofontól, a forráshoz viszonyítva, és a munkamenetben beállított jelúttól függ. A szoba akusztikája ugyanolyan fontosak - még a tisztességes felszereléssel is, például a reflexiók és a háttérzajok tönkreteszik a felvételt. Ellenőrizze a zajszintet a térben, kezelje a problémás frekvenciákat, és szükség esetén használjon néhány alapvető hangkezelést. A mikrofon elhelyezéssel és a különböző beállítások kipróbálásával járni segít kitalálni, hogyan lehet megszerezni az utána hangot.

A keverés művészetének elsajátítása

A keverés az, ahol minden összejön. Itt alakíthatja a pályát egy koherens, kész darabká. A jó keverék azt jelenti, hogy mindennek megvan a helye - a hangszerek nem ütköznek, az ének jól ül, és semmi sem érzi túl nehéz vagy túl vékony. A keverés magja magában foglalja a szintek kiegyensúlyozását, az EQ -t, a tömörítést és a hatásokat. Meg kell értenie, hogy mely frekvenciák valószínűleg versenyeznek, hogyan lehet ellenőrizni a dinamikát, és hol lehet használni a reverb -t vagy a késleltetést a mélység növeléséhez. A gyakori problémák ebben a szakaszban a sáros alacsony kategóriájú, gyenge sztereó elterjedés vagy a túlságosan tömörített elemek. A kút keverése gyakorlatot igényel - és egy szokás, hogy kritikusan meghallgassa és más zeneszámokra hivatkozzon.

Végső szakasz: A pálya felszabadítása a Mastering segítségével

Az elsajátítás az utolsó lépés a kiadás előtt. Itt történik a végső lengyel - a hangosság, a dinamika beállítása és annak biztosítása, hogy a szám jól lefordítson a különböző eszközökön és platformon. Az olyan eszközöket, mint a limiterek, az EQ -k és a sztereó fokozókat, pontossággal használják, hogy a legjobban kiemeljék a keveréket. A cél az, hogy következetes, kiegyensúlyozott és készen álljon a nyilvános kiadásra. Elsajátíthatja saját pályáit, de gyakran a legjobb, ha valaki másnak adja át. A friss fülkészlet és néhány külső perspektíva olyan dolgokat foghat el, amelyeket esetleg elmulasztott, és adja meg a pályáját.

Alapvető felszerelés az otthoni zene felvételének megkezdéséhez

Számítógép

A számítógéped a házi stúdió központi csomópontja. Legyen szó laptopról vagy asztalról, nem számít annyira, hogy képes több audio számot, plugint és virtuális eszközöket kezelni, lassulás nélkül. Az erős CPU és az elég RAM kulcsfontosságú. A tabletták és az okostelefonok hasznosak lehetnek a gyors ötletek leírására vagy útközbeni elrendezések felvázolására, de nem vágják le a komoly termelési munkákra.

CSÓKA

A digitális audio munkaállomás (DAW) az a szoftver, ahol az egész műsorszám összegyűlik - a felvétel és a keverés és az elsajátítás között. Rengeteg lehetőség van odakint: A Logic Pro nagyszerű választás a Mac felhasználók számára, az Ableton Live népszerű az elektronikus gyártók körében, az FL Studio ismert felhasználóbarát elrendezéséről, a Cubase-ben az élő műszermunkában megbízható, és a Reaper egy erőteljes, könnyű lehetőség, rengeteg rugalmassággal. Próbáljon ki néhány bemutató verziót, mielőtt az egyikre telepítené - az egész arról szól, hogy mi érzi magát a munkafolyamathoz.

Monitorok és fejhallgató

Ahhoz, hogy valóban megértse, hogyan hangzik a zenéje, pontos megfigyelésre van szüksége. Ez nem a hangosságról vagy a „jó” hangról szól - arról szól, hogy pontosan úgy hallja a számodat, ahogy van. A stúdiómonitorokat (a hangszórók, nem a számítógépes képernyők) úgy tervezték, hogy lapos, nem ág nélküli frekvenciaválaszot adjanak, így a bizalommal keverhetők. Nem hisznek a basszusgitárban, és nem világítják meg a magasságot, mint a fogyasztói hangszórók - és ez jó dolog.

De ha a helyed nem teszi lehetővé a hangszórókat - talán a rossz akusztika vagy a vékony falak miatt - a jó fejhallgató szilárd alternatíva. A zárt hátsó fejhallgató kiválóan alkalmas a felvételre (nem szivárognak be a hang a mikrofonba), míg a nyitott vagy félig nyitott modellek jobban megfelelnek a keveréshez. A legfontosabb az, hogy stúdióhasználathoz készült fejhallgatót válasszon, nem pedig alkalmi hallgatást.

A beállítás frissítése: Extra Gear minden zenei producernek végül szüksége van

Csak egy számítógéppel, a fejhallgatóval és a DAW -vel kezdve teljesen rendben van - ez több mint elegendő ahhoz, hogy az első számokat rögzítse, és elkezdje a kötelek megtanulását. De ha elkezdi dolgozni énekkel, élő hangszerekkel vagy összetettebb ülésekkel, gyorsan rájössz, hogy kibővítenie kell az eszközkészletet. Általában ez az, amikor egy audio felület elengedhetetlenné válik.

Audio interfész

Az audio interfész hídként működik a külső felszerelés és a DAW között. Az analóg jelet egy mikrofonból, műszerből vagy szintetizátorból veszi, konvertálja azt digitális audio -ba, amelyet a számítógép feldolgozhat, és a kész sávot visszaadja a fejhallgatóhoz vagy a monitorokhoz. A laptopokon lévő beépített hangkártyák nem ezt a fajta munkához tervezték-gyakran nem kívánt zajt vezetnek be, nem tudnak elegendő részletet rögzíteni, és csak nem készítik el a magas színvonalú felvételeket.

A jó interfész tiszta, megbízható audiót szállít, minimális késéssel - ami kritikus, ha élőben rögzít. Ha észrevehető késleltetés van a lejátszás vagy az éneklés és a fejhallgatóban hallás között, akkor ez leveszi az időzítést, és megnehezíti a végrehajtást.

Ha egy felületet választ, akkor figyelni kell arra, hogy hány bemenete van. Ha csak az éneket és a gitárt követi, akkor két csatorna megteszi. De ha dobokat, teljes sávot vagy több hardverszintet rögzít, akkor négy, nyolc vagy még több bemenetre lesz szüksége.

A megfelelő mikrofon kiválasztása az otthoni stúdióhoz

Ha éneket, akusztikus hangszereket vagy bármilyen élő hangot tervez rögzíteni, akkor a mikrofon kötelező. Ez nem csak egy darab felszerelés - ez a teljes felvételi lánc kiindulópontja. És a megfelelő kiválasztása a beállításhoz óriási különbséget okozhat a hangminőségben.

A zene előállításában használt két leggyakoribb típus a dinamikus és kondenzátor mikrofonok. A dinamikus mikrofonok kevésbé érzékenyek a háttérzajra, és kiválóan alkalmasak olyan hangos forrásokra, mint a gitárerősítők vagy a dobok. Tartós és a magas hangnyomásszintet torzítás nélkül kezelik. A kondenzátor mikrofonjai viszont érzékenyebbek, és részletesebben és árnyalatokkal foglalkoznak. Ez ideálissá teszi őket ének, akusztikus gitárok, húrok vagy bármilyen előadás rögzítéséhez, ahol a tisztaság és a hang. Ne feledje, hogy a kondenzátorok fantomteljesítményt igényelnek (általában +48 V címkével), amelyet az audio felület vagy a keverő általában biztosít.

Studio MICS CSATLAKOZÁS XLR kábeleken keresztül. Míg az USB mikrofonok léteznek - és közvetlenül csatlakoznak a számítógépéhez -, ezek általában korlátozottabbak a rugalmasság és az általános hangminőség szempontjából. Ha megbízható eredményekre és növekedésre törekszik, akkor az okosabb választás az XLR mikrofon párosul, a megfelelő felületen.

Nem kell azonnal egy vagyont költenie. Rengeteg költségvetés-barát dinamikus és kondenzátor mikrofon található, amelyek szilárd eredményeket hoznak az otthoni stúdiók számára. A legfontosabb az, hogy tudja, hogyan fogja használni. Elsősorban éneket készít? Ön is meg akarja rögzíteni a hangszereket? Felvesz egy kezelt szobában, vagy csak a szokásos hálószobában?

MIDI vezérlők az otthoni stúdióban: Mit csinálnak és hogyan választhatnak egyet

A számítógépek hihetetlenül erőteljes eszközök a zene készítéséhez - hozzáférést biztosítanak hangszerekhez, effektusokhoz és végtelen szerkesztési lehetőségekhez. De amikor valóban valamit valós időben játszik, az egér és a billentyűzet használata nehézkesnek érzi magát. Itt jönnek be a MIDI vezérlők, és a digitális zenei produkciót gyakorlati, zenei élményré alakítják.

A leggyakoribb típus a billentyűzet -vezérlő. Ez lehetővé teszi a dallamok, akkordok és basszusgitárok lejátszását, akárcsak egy hagyományos zongorán vagy szintetizátoron. Dobok és minták esetében a PAD-vezérlők go-to-lehetőség-sebességérzékenyek és nagyszerűek a találatok, hurkok vagy kifejezések kiváltására. Számos vezérlő fadereket, gombokat és gombokat is tartalmaz, amelyeket a DAW -hez lehet leképezni, így beállíthatja a szinteket, a hatást vagy a szintetizációs paraméterek vezérlését anélkül, hogy megérintené az egeret.

Fontos megérteni, hogy a vezérlő önmagában nem ad hangot. Ehelyett MIDI -adatokat küld a számítógépére - információk arról, hogy mely jegyzeteket játszottál, milyen keményen nyomta meg őket, és mennyi ideig tartotta őket. A DAW ezután ezeket az adatokat használja a virtuális eszközökből származó hangok kiváltására.

Ha csak most kezdődik, egy egyszerű vezérlő elvégzi a munkát - mindaddig, amíg az a DAW -vel működik, és megfelel a munkafolyamatnak. A cél az, hogy megkönnyítse és gyorsabb legyen az ötletek pályákká történő átalakításában. Egy jó vezérlő segít abban, hogy úgy érzi, mintha valójában zenélsz, nem csak a programozást.

Virtuális eszközök: A valódi felszerelés gyakorlati alternatívája

Még egy mikrofon, audio interfész és a MIDI vezérlővel is szükséged van valamire a tényleges hang előállításához. És ha nincs hozzáférése élő eszközökhöz vagy a rögzítéséhez, a virtuális műszerek egyszerű és hatékony megoldás.

Ezek a valós műszerek szoftver alapú verziói-mindent a zongoráktól és a doboktól kezdve a komplex szintetizátorokig és a zenekari könyvtárakig. Közvetlenül a DAW belsejében futnak, és MIDI vezérlővel játszhatók le, vagy közvetlenül a szekvencerbe programozhatók. A legtöbb DAW -t a virtuális hangszerek alapvető gyűjteményével csomagolják, amely több mint elég ahhoz, hogy megkezdje az építési sávokat.

A háztermelők számára ez a beállítás különösen kényelmes. Nincs kábel, nincs mikrofon, nincs szobakezelés - csak válasszon egy hangot, módosítsa a beállításokat, és kezdje el a felvételt. Ezek közül a pluginok közül néhány olyan felszerelést követ, amely több ezer dollárba kerülne a valós életben, és lenyűgöző realizmussal csinálják.

Minták és hurkok: Kreatív parancsikon, amely működik

Rengeteg ikonikus termelő - a DJ Shadow, a Lavina, a DJ Premier, a Kanye West - teljes pályákat épített minták felhasználásával. Megközelítésük a meglévő audio átdolgozásán és újraképzésén alapul, hogy valami teljesen újat hozzon létre.

A mintavétel egy gyors módja annak, hogy felépítse a számot, különösen, ha nincs saját élő felvétele. A hurkok lehetővé teszik, hogy lerakja a ritmust, beállítsa a hangot, és meghatározza a dal általános felépítését. Ez egy hatékony módja annak, hogy ötleteit leépítse, és a zene készítésének kreatív részére összpontosítson, ahelyett, hogy beleakadna a műszaki beállításokba.

Hogyan jön össze a szám: a zene létrehozásának kulcsfontosságú szakaszai

Minden produkció középpontjában maga a dal van. Meghatározza a hangulatot, vezérli a dinamikát, és beállítja az irányt az egész sávhoz. Egyes termelők a semmiből indulnak, írva, ahogy mennek, míg mások egy meglévő dallamból, akkord -progresszióból vagy vokális ötletből dolgoznak. Akárhogy is, az alapvető dalszerzési struktúra megértése segít a kreatív és műszaki döntések irányításában a folyamat során.

Új munkamenet elindítása: A munkaterület kiépítése

Mielőtt bármi mást csinálna, nyisson meg egy új projektet a DAW -ban. Ez lesz a munkaterületed - ahol ötleteket rögzít, elrendezéseket készít, effektusokat alkalmaz, és végül összekeveri a sávot. A kezdetektől fogva szervezés segít koncentrált maradni és később elkerülni a műszaki fejfájást.

Tempo és kulcs: Az alap beállítása

Az egyik első dolog, amelyet be kell zárni, a Tempo. Meghatározza a pálya sebességét, és elengedhetetlen a MIDI, a hurok és az élő hangszerek szinkronizálásához. A folyamatos tempó mindenkit időben tart, és sokkal könnyebbé teszi a szerkesztést a vonalon.

Ezután jön a kulcs. A korai szakaszban nem kell azonnal elköteleznie magát - különösen, ha ötleteket vázol. De amint a dallamok és az akkordok alakulnak, a kulcs természetesen a helyére kerül. És ha meg kell változtatnia, akkor a legjobb, ha ezt megteszi, mielőtt mélyen a termelésbe kerül.

Audio beállítás: A hang helyes irányítása

Annak biztosítása érdekében, hogy minden rekord és lejátszás zökkenőmentesen lejátsszon, be kell állítania az audio beállításokat a DAW -ban. Ha külső audio felület nélkül dolgozik, akkor a számítógép beépített hangkártyáját általában alapértelmezés szerint választják ki-és a legtöbb esetben ez az alapvető feladatokhoz.

Ha audio felületet használ, lépjen be a DAW audio beállításaiba, és állítsa be a fő bemeneti és kimeneti eszközként. Ezután hozzárendelje a helyes bemeneteket és kimeneteket. Például, ha a mikrofonja csatlakozik az 1. bemenethez, hozzon létre egy audio zeneszámot, és állítsa be a bemenetet forrásként. Amikor eléri a rekordot, a jelet arra a sávra vezetik.

A kimenetek - általában 1 és 2 - küldj a hangot a DAW -ból a fejhallgatóra vagy a monitorra. Ha minden rendben van, akkor egyértelműen hallja a munkamenet lejátszását, amikor megnyomja a lejátszást.

A haladás közben az útválasztási beállítása összetettebbé válhat - buszokkal, alcsoportokkal és párhuzamos feldolgozással. De eleinte elegendő megérteni ezt az egyszerű utat: a mikrofonról a pályára és a DAW -tól a füléhez.

Az indulás a virtuális eszközökkel: Hogyan működnek és mit tudnak

A virtuális hangszerek lehetővé teszik, hogy a zenét teljesen a számítógépen belül készítse - nincs mikrofon, nincs külső felszerelés, nincs szükség bonyolult beállításra. Csak egy DAW -ra és egy MIDI vezérlőre van szüksége. Valójában csak egy egérrel és billentyűzettel is elindulhat. Rugalmasságuknak és kiváló minőségű hangjuknak köszönhetően a virtuális hangszerek a modern termelők számára lehetőséget kaptak.
A virtuális eszközöknek két fő típusa van. A szintetizátorok hangot generálnak a semmiből, algoritmusok és hangmotorok segítségével. Nagyszerűek az eredeti hangok és textúrák létrehozására, amelyek nem léteznek a fizikai világban. A másik típus a minta alapú eszközök. Ezek valódi audio felvételekre épülnek - mintavételi jegyzetek vagy hangok, amelyek a kulcsokon vagy a párnákon keresztül leképeznek. Amikor egy jegyzetet indít, egy előre rögzített mintát játszik le, így könnyű a dobok, gitárok, énekek vagy nagyjából bármi más újjáépítését.
A legtöbb virtuális hangszer előre beállított hangokkal van ellátva. Ha nem biztos benne, hol kezdje, csak válasszon egy előre beállított és kísérletezzen - játsszon néhány jegyzetet, módosítsa a beállításokat, és érezze magát, hogy mit tehet a műszer. Ez egy gyors módja annak, hogy megértse a karakterét, és kitalálja, hogyan illeszkedik a pályájához.

Plugin formátumok: Mi működik a beállítással

A virtuális műszerek általában két fő plugin formátumban kaphatók: VSTI és AU. A VSTI-t széles körben támogatják mind a Windows, mind a MacOS-on, míg az AU-t kifejezetten a MACOS-ra tervezték, és elsősorban más Apple-alapú platformon használják.

Mielőtt bármit telepítne, érdemes ellenőrizni, hogy a formátum kompatibilis -e a DAW -vel és az operációs rendszerrel. Például az Ableton Live működik a VSTI -vel mind a Mac, mind a PC -n, de a Logic Pro csak AU pluginokat használ. Annak biztosítása, hogy minden idő előtti vonuljon, később megmenti a bosszantó kompatibilitási problémákat.

Pufferméret és késés: Hogyan befolyásolják a beállítások a munkafolyamatot

Amikor virtuális műszerekkel és beépülő modulokkal dolgozik, akkor a számítógép processzora gyorsan túlterhelhet - különösen, ha egyszerre több sávot és effektusot futtat. Amikor a rendszer küzdeni kezd, kattintásokat, lemorzsolódásokat vagy hibákat hall a hangban. A terhelés megkönnyítésének egyik legegyszerűbb módja az audio puffer méretének beállítása a DAW beállításaiban.

Egy nagyobb puffer több időt ad a rendszernek a hang feldolgozásához, ami stabilabb lejátszást eredményez. De növeli a késleltetést is - a késést, amikor egy jegyzetet játszik, és amikor valójában hallja. Egy kisebb puffer csökkenti ezt a késleltetést, így a műszerek érzékenyebben érzik magukat, de nagyobb nyomást gyakorolnak a CPU -ra. A legfontosabb az, hogy megtaláljuk a megfelelő egyensúlyt: zökkenőmentes lejátszás anélkül, hogy a valós idejű teljesítmény elmaradt.

A külső audio interfész használata itt sokat segíthet. A beépített hangkártyákkal ellentétben az interfészek olyan dedikált illesztőprogramokat használnak, amelyek sokkal hatékonyabban kezelik az audiót. Ez lehetővé teszi, hogy alacsonyabb pufferbeállításokkal dolgozzon, és a késleltetést ellenőrzés alatt tartsa. Ha a virtuális hangszereket komolyan tervezi használni-különösen az élő lejátszáshoz vagy a valós idejű felvételhez-az audio felület okos befektetés.

Virtuális hangszerek lejátszása egy MIDI vezérlővel

A virtuális hangszerek gazdagnak és kifejezőnek tűnhetnek, de teljes potenciáljuk kiaknázásához megfelelő irányításra van szükség. A legtöbb DAW lehetővé teszi a számítógépes billentyűzet használatát az alapvető jegyzetek lejátszásához - és ez rendben van az ötletek vázlatának vagy útközben történő munkájának. De ezek a kulcsok nem sebességérzékenyek, és nem tudják megragadni a valós teljesítmény dinamikáját.

Itt jön be egy MIDI vezérlő. Függetlenül attól, hogy kulcskészlet, párnák vagy csúszkák, a vezérlő úgy van kialakítva, hogy sokkal természetesebb módon kölcsönhatásba lépjen a virtuális műszerekkel. Megragadja, hogy milyen keményen üt egy jegyzetet, mennyi ideig tartja, és hogyan játssza le - ezek mindegyike hatalmas különbséget tesz a hang reagálásában.

Ha a cél az, hogy valóban zenét játsszon, nem csak az egérrel rendelkező programjegyeket, akkor megéri a vezérlőbe történő befektetés. Ez több irányítást biztosít, felgyorsítja a munkafolyamatot, és segít a hanghoz fizikai szinten.

Mi a MIDI és miért számít a zenei produkcióban

A MIDI egy univerzális protokoll, amely lehetővé teszi, hogy a felszerelés és a szoftver kommunikáljon a zenei ötletekről. Az audio fájlokkal ellentétben a MIDI nem hordozza a hangot - csak utasításokat küld: melyik jegyzetet játszották le, milyen nehéz, mennyi ideig tartották, és mikor állt le. Ez hihetetlenül rugalmasvá teszi a zene felvételét, szerkesztését és megszervezését.

Amikor megnyomja a kulcs gombot a MIDI vezérlőn, a DAW olyan üzenetet kap, mint a „Note A2, a 90 -es sebesség, az időtartam 0,8 másodperc”. Ha eltalál egy párnát, a DAW mintát kiválthat, vagy elindíthat egy klipet. A MIDI lehetővé teszi egy előadás rögzítését, majd kicserélheti a műszert, módosíthatja az időzítést, vagy beállítja a kifejezést-mindezt anélkül, hogy bármit újra felveszne.

A legtöbb virtuális műszer a MIDI működésére támaszkodik. Ez a gerinc annak, hogy miként lépsz kölcsönhatásba a szintetizátorokkal, a mintavevőkkel és a dobgépekkel a DAW -n belül. Megváltoztathatja a teljes rész kulcsait, szerkesztheti az egyes jegyzeteket, beállíthatja a sebességet és automatizálhatja a paramétereket - mindezt a hangminőség nulla veszteségével.

Kvantálás: mikor kell használni - és mikor nem

A MIDI -vel való együttműködés egyik legnagyobb előnye, hogy a felvétel után megtisztíthatja teljesítményét. A kvantálás egy olyan eszköz, amely a jegyzeteket a legközelebbi ütemre vagy a rácsvonalra csapja be, segítve az időzítés meghúzását, ha a dolgok nem érzik magukat.

Különösen hasznos a dobok, basszusvonalak vagy bármi ritmus-alapú esetben, ahol az időzítés kritikus. A kvantálás elősegítheti a dolgok rögzítését, vagy akár kissé elmozdíthatja a horonyt, hogy laza vagy toló érzetet kapjon-attól függően, hogy milyen hangulatot szeretne.

De könnyű túllépni a fedélzeten. Ha túl sokat kvantál, akkor kockáztatja, hogy eltávolítja azokat a finom időzítési variációkat, amelyek az alkatrészt embernek érezik. Azok az apró hiányosságok adják a teljesítményt természetes mozgását és energiáját. Tehát mielőtt mindent automatikusan javítana, szánjon egy percet a hallgatáshoz, és eldöntse, hogy mit kell rögzíteni-és mi adja meg a szám karaktert.

Élő audio forrásokkal való munka: ének, hangszerek és hardver

A Live Sound egyedülálló karaktert hoz a számra. Még egyetlen vokális take vagy akusztikus gitárfelvétel is teljesen átalakíthatja a dalt. És a jó hír az, hogy az induláshoz nincs szüksége Pro Stúdióra. Csak egy alapvető audio interfész és egy mikrofon segítségével elkezdheti a valódi audio felvételét a projektekbe. Ez egy egyszerű módja annak, hogy hozzáadja a mélységet, és elmozduljon a túlságosan programozott, statikus elrendezésektől.

Az élő hangszerek vagy a hardver szintetizátorok beépítése kibővíti a Sonic palettáját, és elősegíti a digitális termelés keverését az organikus textúrával. Lehet, hogy nyomon követheti az egyik részt egy mikrofonnal, a másikot egy közvetlen bemeneten keresztül, majd rétegezheti azt virtuális műszerekkel a DAW -ban. Ez a hibrid megközelítés gyakran teljesebb, dinamikusabb produkciókhoz vezet.

Az audio bemenetek és a jelszintek megértése

A tiszta rögzítés és a műszaki problémák elkerülése érdekében fontos tudni, hogy az interfész hogyan kezeli a különböző jeltípusokat. A legtöbb audio interfésznek háromféle bemenete van: mikrofon, műszer és vonal - és mindegyik egy adott célt szolgál.

A MIC bemeneteket mikrofonokhoz tervezték, amelyek nagyon alacsony szintű jeleket adnak ki. Ez az oka annak, hogy a MIC bemenetei előerősítik, hogy a jelet felhasználható szintre növeljék. A legtöbb interfész beépített előerősítővel rendelkezik, de nem feltétlenül minden csatornán-olyasmi, amit a felvétel előtt duplán ellenőrizhet.

A műszer bemenetei olyan dolgokra vonatkoznak, mint az elektromos gitárok vagy basszusok. Ezek a jelek erősebbek, mint a mikrofonszintek, de még mindig szükség van némi nyereségre. A műszerbemenetek ezt a megfelelő impedanciával és a szerelési struktúrával kezelik a tiszta követéshez.

A vonalbemeneteket olyan eszközökre szánják, amelyek már erős jelet produkálnak - például szintetizátorok, dobgépek vagy külső felszerelések. Ezeknek nincs szükség további nyereségre. Valójában egy vonalszintű jel elküldése a mikrofon bemenetbe csúnya torzulást okozhat, vagy akár a túlterhelés miatt károsíthatja a fogaskeréket.

A zökkenőmentes felvételi munkafolyamathoz kritikus jelentőségű annak ismerete, hogy az egyes bemenetek hogyan működik, és hogyan illeszkedik a megfelelő forráshoz. Ez nem csak egy műszaki részlet-ez az alapja annak, hogy nagyszerű hangot kapjunk, ha a valós hanggal dolgoznak.

Hogyan állítsa be a megfelelő bemeneti szintet a felvételhez

Mielőtt elérné a rekordot, elengedhetetlen a bemeneti szint megfelelő beállítása - nem túl forró, nem túl csendes. Itt jön be az audio interfészen lévő nyereséggomb. Általában a mikrofon vagy a műszer bemenete mellett találja meg.

A felvétel megkezdése előtt módosítsa a szintet. Ha a jele túl erős, akkor torzulni fog. Ha ez túl gyenge, akkor később fellendíti, és vele együtt nem kívánt zajt hoz. Az ellenőrzés legegyszerűbb módja az, ha megnézi a DAW szintmérőt. A csúcsoknak kényelmesen kell ülniük a biztonságos tartományban -ideális esetben -12 dB és -6 dB között. Ez egy kis lépés, amely óriási különbséget tesz az általános hangminőségben.

A megfelelő hely kiválasztása a rögzítéshez

A mikrofonok mindent felvesznek - beleértve a hangokat is, amelyeket eleinte még nem is észrevesz. Az utcai zaj, a zümmögő elektronika vagy a szoba visszhangja komolyan zavarhatja a felvételét. Ez az oka annak, hogy a felvételi hely ugyanolyan számít, mint a mikrofon.

A bútorokkal, függönyökkel vagy szőnyegekkel rendelkező szoba természetesen felszívja a reflexiókat, és jobb felvételi környezetet teremt. Ha nem fér hozzá a kezelt helyhez, légy kreatív - még egy ruhával teli szekrény is meglepően jól működhet. A cél az ECHO csökkentése és a nem kívánt háttérzaj blokkolása.

Mielőtt elkezdené a felvételt, nyomja meg a rekordot, és rögzítsen néhány másodperc csendet. Hallgassa vissza a fejhallgatón keresztül. Ha egy ventilátort, forgalmat vagy hűtőszekrény zümmögését hallja, akkor tegyen meg mindent, hogy kiküszöbölje a forrást, vagy mozogjon egy csendesebb helyre. Csak egy percet vesz igénybe, és órákig megtakaríthatja a későbbi szerkesztést.

Miért van szüksége popszűrőre az énekhez

Ha éneket rögzít, van egy darab felszerelés, amelyet feltétlenül nem szabad kihagyni: egy popszűrőt.

Amikor énekelünk vagy beszélünk, a levegő robbantása természetesen kijön a szájunkból - különösen olyan mássalhangzókon, mint a „P” és a „B”. Az érzékeny vokális mikrofon ezeket mély, kellemetlen csapdákként veszi fel. Egy popszűrő ül az énekes és a mikrofon között, és feloszlatja ezeket a sorozatokat, mielőtt eltalálnák a kapszulát, és a vokál tiszta és használható.

Néhány mikrofonhoz tartozik az egyik, de ha nincs ilyen, akkor könnyű elkészíteni. Ragadjon meg egy huzalfogat, hajlítsa meg egy körbe, és húzza rá egy réteg harisnyanadrágot. Boom - Azonnali DIY POP szűrő.

Bemeneti szintek beállítása: Hogyan lehet elkerülni a torzulást és a tiszta hangot

Mielőtt elkezdené a felvétel elkezdését, ellenőrizze, hogy a bemeneti szintet tárcsázza az audio interfészen lévő erősítő gomb használatával. Ha a jel túl meleg, akkor vágni fog. Túl alacsony, és később a nemkívánatos zajt fokozza. Nézze meg a DAW mérőjét - a csúcsoknak ki kell maradniuk a vörösből, de ne legyen túl csendes. Ennek a jognak a megszerzése óriási különbséget jelent a hangminőségben.

Hol lehet rögzíteni: Keresse meg a lehető legcsendesebb helyet

A mikrofonok sokkal többet vesznek fel, mint gondolnád - ventilátorok, forgalom, szoba visszhang. A legjobb hely egy szoba szőnyegekkel, függönyökkel vagy bútorokkal, amelyek felszívják a reflexiókat. Ha nincs ilyen, még egy ruhával teli szekrény is meglepően jól működik. Rögzítsen néhány másodperc csendet, és hallgassa meg a fejhallgatóval - gyorsan meghallja, hogy van -e nem kívánt háttérzaj.

Pop szűrő: Egyszerű javítás a durva mássalhangzókhoz

Az ének felvételekor a popszűrő segít csökkenteni a durva plosive -ket - azok a „P” és a „B” hangokból származó levegő, amely túlterhelheti a mikrofont. Az énekes és a mikrofon között fekszik, hogy lágyítsa a légáramot. Nincs ilyen? Semmi probléma - készíthet egy barkács szűrőt huzalgyűrűvel és néhány feszített harisnyanadrággal. Ugyanúgy működik, és semmit sem fizet.

Keverés és audio szerkesztési alapok: Mit kell tudnod a professzionális hang felépítéséről

Az audio szerkesztés nem csupán a klipek vágásáról és mozgatásáról szól, hanem a műsorszám kialakításáról szól, így koherensnek és csiszoltnak érzi magát. A gyakorlatban két fő megközelítés létezik. Az első a klasszikus „osztott és csúszás” módszer: szeletelje a hangot szegmensekbe, és manuálisan mozgatja őket a helyére. Ez pontos ellenőrzést biztosít az időzítés felett anélkül, hogy befolyásolná az eredeti hangminőséget.

A második módszer magában foglalja az időtartamot, ahol a pálya egyes részeit felgyorsítják vagy lelassítják, hogy megfeleljenek a tempónak. Gyors és kényelmes, de ronthatja a hangot - különösen az éneken vagy az akusztikus hangszereken -, amelyek nem kívánt tárgyakat vagy természetellenes hangokat vezetnek be.

A legtöbb szakember inkább az első módszert részesíti előnyben, annak ellenére, hogy hosszabb ideig tart. A keverés és az elsajátítás az előadás természetes hangulatának megőrzéséről szól. Lehet, hogy egy csiszolt pályán több száz mikroszerkesztés van, amelyeket önmagában soha nem hallott, de együttesen tiszta, kiegyensúlyozott hangot teremtenek. Az audio szerkesztés részletes munka - minden darabnak be kell illeszkednie anélkül, hogy hallható varratok maradnának.

Miért számít a keverés, és mit tesz az Ön pályájához

A keverés az a szakasz, ahol a szám minden eleme egységes hangba kerül. A cél az, hogy az egész dal egyetlen előadásként érezze magát - nem csak a különálló alkatrészek gyűjteményét.

Ez a szakasz magában foglalja a térfogatszintek, a pásztázó műszerek kiigazítását a sztereó mezőn, az EQ alkalmazását és az olyan hatások hozzáadását, mint a reverb vagy a késleltetés. A cél az, hogy megbizonyosodjon arról, hogy minden hangnak megvan a helye, és összhangban működik a keverék többi részével.

Míg a keverés technikailag elkülönül a felvételtől és az elrendezéstől, a valóságban ezek a szakaszok gyakran átfedésben vannak. A jó keverék nemcsak a műszaki készségre, hanem a kreatív megítélésre is támaszkodik - ott is a pálya személyisége valóban átjut.

Keverési alapok: Hogyan lehet felépíteni egy tiszta, kiegyensúlyozott pályát

Kötetkezelés: A digitális vágás megakadályozása a keverékben

A keverés első lépése a megfelelő hangerő -szint beállítása. Az éneket nem szabad eltemetni, a basszusnak nem szabad túllépnie, és a doboknak nem szabad mindent megfulladni. Ha egy hang túl hangos lesz, akkor rögzítheti - és a digitális audióban ez nem egy meleg analóg ropogás, az a durva torzítás, amely tönkreteszi a zeneszámot.

Ezért minden DAW tartalmazza a szintmérőket. A zöld azt jelenti, hogy jó vagy, a sárga közeledik, a piros azt jelenti, hogy meghaladja a határot. Amint vörösre ér, itt az ideje, hogy visszautasítsa. A szintek megfelelő kezelése nemcsak a keverék tisztán tartja, hanem elegendő helyet biztosít a későbbi elsajátításhoz.

Sztereó elhelyezés: Minden hangzás megadva a helyét

A pásztázás az, hogy miként terjeszti a műszereket a sztereó mezőn - balról jobbra -, hogy elkerülje a lapos, zsúfolt keveréket. Az ólom ének és a basszus általában középpontjában marad a dal rögzítéséhez. Más elemek, például a szintetizátorok, a gitárok vagy az ütőhangszerek, kissé az egyik vagy a másik oldalra tolhatók a szélesség és a tér hozzáadásához.

A sztereó elhelyezés segít minden hangot lélegezni. Az egyszerű serpenyővezérlőkkel olyan térérzetet alakít ki, amely a pályáját nagyobbnak és élesebbnek érzi magát. Rendben, ez egyértelműséget és mozgást eredményez anélkül, hogy bármi is elválasztódott volna.

Alakító hang: Hogyan adhatja meg a hangodnak a megfelelő karaktert

A keverés nem csupán a hangerő kiegyensúlyozásáról szól - arról is, hogy kialakítsuk az egyes eszközöket. Az egyetlen hang meleg, durva, unalmas vagy fényes lehet, attól függően, hogy hogyan működik. A hang alakításához a termelők olyan eszközöket használnak, mint az EQ, a kompresszió és a telítettség. Az EQ megtisztíthatja a sáros frekvenciákat vagy fellendítheti azokat a területeket, amelyek segítenek az alkatrészek kiemelkedésében. A tömörítés kiegyenlíti a hangerő -tüskéket és meghúzza a teljesítményt, míg a telítettség finom színt és mélységet ad. Még a legtöbb DAW -ban lévő tőzsdei bővítmények is elegendő rugalmasságot kínálnak ahhoz, hogy észrevehetően megváltoztassák a pálya észlelését.

Végső export: A keverék megfelelő formátumának kiválasztása

Miután a keverék befejeződött, az utolsó lépés a projekt exportálása. Az elsajátításhoz vagy a további előállításhoz a tömörítetlen formátumok, például a WAV vagy az AIFF ideálisak - megőrzik a hang teljes felbontását. Ha csak demonstrációra vagy gyors meghallgatásra van szüksége a telefonján, akkor az MP3 működni fog, de ne feledje, hogy tömöríti a fájlt, és elveszíti a részleteket. Az exportálás nem csupán technikai formalitás - ez az a pillanat, amikor a keverék elhagyja a DAW -t, és késztermékké válik, tehát a beállítások megfelelő megszerzése valóban számít.

Az utolsó érintés: Mit csinál a mester és miért számít

Az elsajátítás a zene produkciójának utolsó szakasza - az a pont, ahol a fókusz az egyes számokról a keverék egészére vált. Már nem csípős ének vagy dob; Most a teljes sztereó fájllal dolgozik, hogy a zeneszámot professzionális szabványhoz hozza. A cél az, hogy finomítsa a tonális egyensúlyt, optimalizálja a hangosságot és simítsa meg a maradék hiányosságokat a keverési szakaszból.

Az elsajátító szerszámok közé tartozik az EQ, a tömörítés, a korlátozás és a telítettség - hasonlóan a keveréshez, de a teljes keverékre alkalmazzák, nem pedig az egyes elemekre. Ez lehetővé teszi a mérnök számára, hogy finoman javítsa a frekvenciákat, vezérli a dinamikát, és biztosítsa, hogy a szám minden lejátszási rendszerben szilárdan hangzik - akár stúdiómonitorok, fejhallgató, autó hangszórók vagy olcsó Bluetooth hangszóró.

A teljes kiadás, mint egy EP vagy album elsajátításakor a konzisztencia kulcsfontosságúvá válik. Mindegyik sávnak úgy kell éreznie magát, mint egy koherens egész részének, megfelelő hangerőszintekkel és tonális karakterrel. A jól elsajátított pálya nem csak hangosabb-teljesnek érzi magát. Az elsajátítás az, ami technikailag hangos keveréket készít egy kiadásra kész termékré.

10 gyakorlati tipp a törekvő zenei gyártók számára

Amikor csak elindulsz, kísértés, hogy rohanjon a pályák készítéséhez és azonnal elengedni. De a túl gyors mozgás miatt figyelmen kívül hagyhatja a kis részleteket, amelyek valóban befolyásolják a végeredményt. Szánjon rá időt, és összpontosítson egy szilárd alap felépítésére. Kezdje azzal, hogy egy olyan DAW -t választ, amely kényelmesen érzi magát - nem kell a legdrágábbnak lennie, csak olyasmi, ami megfelel a munkafolyamatnak, és segít kreatív maradni.

A fejlesztés egyik legjobb módja az, ha összehasonlítja munkáját a kereskedelmi pályákkal. Figyeljen arra, hogy miként keverednek - a szintek, a hangszerek közötti távolság, az ének tisztaságának. Gyakran rájössz, hogy az egyszerűbb elrendezések jobban hangzik, mint a zsúfoltak. Ne félj hagyni helyet a keverékben. Néhány alapvető zeneelmélet megtanulása - különösen a ritmus és a harmónia - szintén hosszú utat eredményez abban, hogy magabiztosabban segítsen.

Az EQ és a tömörítés alapvető eszközök. A frekvenciák és a vezérlődinamika kialakításának ismerete miatt a keverékek szigorúbbá és csiszoltabbá teszik a keverékeket. Mindig rögzítse ötleteit, még akkor is, ha durván érzik magukat - lehet, hogy később valami nagyszerűt szikráznak.

Ha megkapja a lehetőséget, belemerüljön más emberek projektjeibe. Hihetetlenül szemet nyitó lehet, hogy mások hogyan működnek. Próbálja meg alkalmazni néhány technikájukat a saját zenéjére. Maradjon következetes - még a napi rövid ülések is jobbak, mint a tökéletes inspirációs pillanatra várni. És ami a legfontosabb, ossza meg a zenéjét. A visszajelzés - még egy kis közönségtől is - segít gyorsabban növekedni, mint mindent magának tartani.

1. Nélkülözhetetlen felszerelés az otthoni stúdió elindításához

Amikor éppen a zenei produkcióba kerül, könnyű bekerülni a felszerelésbe - feltűnő pluginok, vezérlők, mikrofonok és végtelen kiegészítők. De az igazság az, hogy a megkezdéséhez nincs szüksége professzionális beállításra. Ami igazán számít, az, hogy tudod, mit szeretne készíteni - ütemeket, éneket, teljes számokat -, és építeni a fogaskerekek listáját.

A stúdió szíve a számítógép. Nem kell, hogy a legmagasabb szintű legyen, de szilárd processzorral, legalább 8 GB RAM-mal és gyors SSD-vel kell rendelkeznie. Ezek a specifikációk segítenek a DAW zökkenőmentes működésének megőrzésében, különösen akkor, ha több zeneszámmal és virtuális hangszerekkel dolgozik. A második monitor nem nélkülözhetetlen, de határozottan segít - a keverő és az elrendezés nézete oldalán felgyorsítja a munkafolyamatot.

Ezután jön az audio felület. Egy alapvető két hüvelykes, két-out modell elegendő a kezdéshez-lehetővé teszi, hogy csatlakozzon egy mikrofonhoz, fejhallgatóhoz vagy egy műszerhez, és tiszta felvételeket kapjon alacsony késéssel. Párosítsa egy kompakt 25-kulcsú MIDI billentyűzettel. Még egy kicsi is sokkal gyorsabbá teszi a dallamok és az építési elrendezések írásának, mint az egérrel kattintva.

A megfigyelés ugyanolyan fontos. Egy pár tisztességes fejhallgató és néhány belépő szintű stúdió-monitor segít a keverék pontosabb meghallgatásában, és megérti, hogy a zenéje hogyan hangzik különböző beállításokban. És ha éneket tervez, akkor egy nagy diaphragm kondenzátor mikrofon nagyszerű kiindulópont. Nem kell megszakítania a bankot - rengeteg megfizethető modell rögzítheti a tiszta, részletes vokálvételt, különösen, ha egy csendes szobában vesz fel.

2. Miért számít a szoba akusztikája több, mint drága felszerelés

A kezdők egyik leggyakoribb hibája a szoba akusztikájának kilátása. Még nagyszerű monitorokkal és szilárd audio felületgel is nem fogja pontosan hallani a keverékét, ha a szoba tele van ellenőrizetlen reflexiókkal. Néhány alapvető akusztikus kezelés nélkül nem igazán hallja a zenéjét - hallja, hogy a hang a falakról visszapattan.

A jó hír az, hogy nem kell ezreket költenie a változtatás érdekében. Az egyszerű, megfizethető javítások hosszú utat eredményezhetnek. A fő célok a reflexiók csökkentése, különösen a középső részben, és az alacsony végű felhalmozódás ellenőrzése, amely általában a sarkokban gyűjt.

Kezdje az ásványi gyapjúból vagy üvegszálból készült alapfal- és mennyezeti panelekkel - ezek az anyagok sokkal hatékonyabbak, mint az olcsó akusztikus hab. Ha lehetséges, helyezze a diffúzókat a hallgatási helyzet mögé. Az abszorbensekkel ellentétben a diffúzorok egyenletesen szétszórják a hanghullámokat, segítve a szobáját nyitottabbnak és természetesebbnek.

Csak ne tedd túl. Ha a szoba túlságosan „halott” lesz, elveszíti a térérzetét, amely fontos a hatások, például a reverb és a sztereó szélesség keverésének szempontjából. A cél az egyensúly - elegendő ellenőrzés ahhoz, hogy egyértelműen meghallgassa a keveréket, de nem annyira, hogy a szoba élettelennek érzi magát. Egy jól kezelt térben még a szerény felszerelés is világosabb képet ad arról, hogy mi történik valójában a keverékben.

3. Hogyan válasszuk ki a megfelelő zenei szoftvert a munkafolyamathoz

Manapság nem kell teljes stúdió -beállításra, hogy elkezdhesse a zenét. Minden - a nyomon követéstől a végső keverékig - egyetlen szoftverben is megtehető. Pénzt takarít meg, felgyorsítja a dolgokat, és lehetővé teszi, hogy bármikor újra megvizsgálja a projektjeit.

A kulcs egy olyan platform megtalálása, amely intuitívnak érzi magát. Egyes eszközök az elektronikus zene és a minta-alapú produkció felé irányulnak, mások jobban megfelelnek a hangszerek rögzítéséhez és a részletes keveréshez. Mielőtt egyre telepítené, próbáljon ki néhány lehetőséget - sokan demonstrációs verziókat kínálnak, hogy érezzék a munkafolyamatot.

Ne pazarolja az időt a „tökéletes” program üldözésében. Bármely tisztességes szoftver elvégzi a munkát, ha tudja, hogyan kell használni. Összpontosítson arra, hogy jól megtanulja, és a lehető legtöbbet hozza ki az általa kínált, ahelyett, hogy az eszközöket folyamatosan váltana valami jobb kereséshez.

4. Bízzon a füledben: Miért számít a hallgatás jobban, mint a látványt?

Amint a beállítás a helyén van, és készen áll a szoftver, ideje összpontosítani a tényleges hangra. Ezen a ponton sok kezdő ugyanabba a csapdába esik - túlságosan támaszkodva arra, amit a képernyőn látnak, ahelyett, amit hallnak.

A modern zenei szoftver olyan vizuális eszközökkel tele van, mint a Spectrum Analizer, a Síkmérő és az Oszcilloszkóp. Ezek hihetetlenül hasznosak lehetnek a frekvencia összecsapásainak észlelésében, a dinamika kezelésében vagy a hangosság ellenőrzésében. De ők csak eszközök-nem lehetnek a döntéshozatal alapja.

A füled a legfontosabb eszköz. Megmondják, hogy egy szám valóban hogyan érzi magát, erre reagálnak a hallgatók. Egyik grafikon sem helyettesítheti az egyensúly, a tér vagy az érzelmek észlelését. Időnként a legjobb lépés az, ha bezárja a szemét, és csak hallgat. A látványtervek elvonása nélkül finom dolgokat fog észrevenni: olyan területeket, amelyek túl zsúfoltnak érzik magukat, olyan helyeken, ahol a keveréknek nincs egyértelműség, vagy olyan pillanatok, amikor egy ének elveszik. Ezek a részletek valóban számítanak - és csak akkor nyilvánvalóak, ha maga a hangra koncentrálsz.

5. Használja a Pro Praces -t referenciapontként, nem pedig tervként

A legtöbb producer egy adott műfaj befolyásolja - ez formálja az ízlését és inspirálja korai ötleteit. De a stílus szeretése és a működésének megértése két különböző dolog. Ha azt akarja, hogy a zenéje tartsa be ezt a térben, akkor meg kell vizsgálnia, hogyan épülnek a számok.

Az egyik legértékesebb szokás, amelyet kidolgozhat, a csodálkozás aktív elemzése. Ne csak élvezze őket - bontja le őket. Válasszon egy referencia dalt, és találja ki, miért hangzik ilyen jól. Figyeljen a műszerek egyensúlyára, a frekvenciaspektrumra, az alkalmazott hatások típusaira és az általános dinamikára. Vegye figyelembe a BPM, a szerkezet és a keverési technikákat - bármi, ami meghatározza ennek a stílusnak a hangját. Ezeknek a megfigyeléseknek a leírása segíthet az elnyelésben és gyorsabban alkalmazni.

Az idő múlásával ez a megközelítés élesebbé teszi a fülét, és segít felismerni, amikor a saját zeneszáma „illeszkedik” a műfajba. Ennél is fontosabb, hogy megtanulja, hogy másolás nélkül adaptálja az ötleteket másoktól - megőrizze a saját hangját, miközben hű marad a műfaj elvárásainak.

6. Stílus az utánzás felett: Megtalálja a saját hangját egy műfaj-vezérelt világban

Ahogy mélyebben belemerül a zenei produkcióba, és elkezdi hivatkozni a csodálkozó számokra, könnyű beleesni a hallott másolásának csapdájába - különösen akkor, ha valami csiszoltnak és erőteljesnek hangzik. De az a utánozás, ami valaki másnak működik, nem segít hosszú távon kiemelkedni.

A referenciapályák nagyszerűek a műfaj - szerkezet, tempó, tonális egyensúly keretének megértéséhez. Ezek az orientációhoz szükséges eszközök, nem pedig a sablonok másolathoz. Ha minden lépést túl szorosan követ, a hallgatók nagyobb valószínűséggel hallják az ismétlést, mint az eredetiséget. Az Ön feladata, hogy vegye be azt, ami meghatározza a műfajt, és ezt a nyelvet önmagában beszélje - legyen az váratlan hangok, egyedi elrendezés vagy a hatások használatának módja. Bármi, ami tükrözi a személyes ötleteit, energiát és identitást ad a pályájának.

Az aláírási stílus nem jelenik meg egyik napról a másikra. Ez a próba, a hiba és a kísérleti hajlandóság eredménye. Minél korábban kezdi kialakítani a saját megközelítését, annál gyorsabb a hangja, amit az emberek felismernek. És ez nem csak a művészekről szól - még a mérnökök is a Sonic ujjlenyomatot fejlesztik ki az idő múlásával.

7. Ne töltse túl a pályáját: A kevesebb tényleg jobban hangzik

Lehet, hogy a „Kevesebb több” klisének hangzik, de ez az egyik legmegbízhatóbb igazság a zenei produkcióban. Az új termelők gyakran megpróbálják kitölteni az összes rést egy elrendezésben, réteget adva, amíg a pálya zsúfoltnak és elveszíti egyértelműségét.

Az írási folyamat során csábító egy másik padba dobni, több ütőhangszert vagy egy extra dallamot, hogy „kitöltse” a dalt. De minél több elemet adsz hozzá, annál nehezebb lesz mindegyiknek lélegezni. Ahelyett, hogy tele lenne, a keverék sáros és nem célzott. Különösen igaz ez a dobrétegre - a több rúgás vagy a különböző hatásokkal ellátott csapások rakása ritkán segít, hacsak nem van egyértelmű oka. Az egyik jól megválasztott hang gyakran több mint három felesleges réteget tesz.

Ugyanez vonatkozik a felvételre. Ha csak két vagy három vétel használatát tervezi a végső keverékben, akkor a húsz majdnem azonos verzió felvétele csak a rendetlenséget hoz létre. Több időt tölt el a válogatáshoz, és kevesebb időt tölt el a pálya építése.

Még a keverési és elsajátító szakaszokban is a túlfeldolgozás problémává válhat. Ha hat vagy hét plugint rakodál össze egyetlen sávra, csak azért, hogy működjön, akkor valószínű, hogy a probléma a forrásban rejlik. Gyakran jobb, ha visszatér a hangtervezéshez vagy a felvételi szakaszhoz, és ott javítani, mint hogy végtelen tömörítéssel és EQ -val javítsa.

Az üres hely a keverékben nem gyengeség - ez adja a pálya lélegzését. A tiszta, fókuszált elrendezések mindig jobban kapcsolódnak, mint a túlterheltek. Ez nem csak az elmélet, hanem a legtöbb producer megtanulja a tapasztalatok nehéz utat.

8. Szintes felgyorsulás: Miért felbecsülhetetlen a tapasztalt termelők nézése?

Ha valaha is lehetősége van egy tapasztalt producerrel vagy mérnökkel ülni egy ülésen, ne adja át. Semmi sem olyan, mintha a teljes folyamat valós időben bontakozik ki - a munkamenet beállításától a végső keverék exportálásáig. Még csak néhány órás szakmai környezetben is taníthat több, mint a hetekig tartó próba-és hibát.

Ennek ellenére nem mindenkinek van hozzáférése egy stúdióhoz - és ez teljesen rendben van. Manapság hatalmas mennyiségű tudás érhető el online. YouTube oktatóanyagok, zenei produkciós tanfolyamok, élő közvetítések, mesterkurzusok, még a keverésről és a mesterképzésről szóló könyvek - mindez segít megérteni, hogy a dolgok hogyan működnek. A legfontosabb az, hogy aktívan nézzük. Kérdezd meg magadtól: Miért választották azt a bővítményt? Mi változott a kiigazítás után? Hogyan tette ez a mozgás a keveréket szigorúbbá?

Az előrehaladás értékelésének egyik nagyszerű módja az, ha feltölti a zeneszámot egy online elsajátító szolgáltatásba, és összehasonlítja az eredményt a saját verziójával. Nem fog mindent megtanítani, de kiemeli, hogy mit csinálsz jól - és ahol a keveréknek még munkára van szüksége.

Ennek ellenére semmi sem veri, hogy valaki valós időben dolgozzon. Még csak annak megfigyelése is, hogy egy helyi producer hogyan épít egy megállapodást, beállítja a hatásokat, vagy a folyamatok éneke betekintést nyújthat a munkafolyamatba és a döntéshozatalba. És ha kérdéseket tehet fel az út mentén? Még jobb.

9. Miért számít a visszajelzés - és hogyan lehet az Ön számára működni?

A zenekészítési folyamat egy pontján hagynia kell, hogy valaki más hallja, amit létrehozott. Nem csak az érvényesítés érdekében, hanem annak megértése érdekében, hogy a pálya miként helyezkedik el a saját stúdiójának kényelmein kívül. Még egy alkalmi hallgató visszajelzése is - valaki, akinek nincs műszaki ismerete - megmondhatja, hogy a zenéje valóban csatlakozik -e.

A nem zenészek nem érdekelnek, hogy a dobokat hogyan fejezted ki, vagy hogy az éneked tökéletesen ül-e a keverékben. Csak érezni fogják - vagy sem. Ha valaki egészen meghallgatja, belekerül, vagy újra lejátssza, akkor ez egy jó jel. Ha félúton veszítik az érdeklődését, akkor érdemes odafigyelni. Azt mondja, hogy hiányzik valami - talán az intro túl hosszú, az energia merül, vagy túl sok folyik.

Más termelőktől származó visszajelzések vagy tapasztalt zenészek eltérő szinten találnak. A műszaki hibákat észlelik: sáros frekvenciák, helytelen rétegek, gyenge átmenetek. De ez a fajta kritika nem személyes - ez a támogatás, amelyet soha nem fogsz egyedül dolgozni. És minél inkább üdvözöli, annál gyorsabban nősz.

Ennek ellenére nem minden tanács hasznos. Néhány visszajelzést a személyes ízlés, nem pedig a pálya tényleges problémái alakítanak ki. Ezért kulcsfontosságú a szűrés megtanulása. Vegye be azokat a megjegyzéseket, amelyek egyértelműen javítják a keveréket vagy az elrendezést - és hagyja hátra, ami összecsap a kreatív szándékoddal. A visszajelzésnek élesítenie kell a hangját, nem pedig elmenekülni attól, ami a tiédé teszi.

10. Szünetek szünete: Hogyan lehet megvédeni a fülét, és őszinte tartani a keverékét

A fáradtság hallgatása az egyik legkisebb probléma a zenei produkcióban. Amikor órákig dolgozik egy pályán, anélkül, hogy elindulna, a füle tompulni kezd, és az egyensúly, a frekvencia és a tér érzése kialszik az ablakon. Lehet, hogy minden jól hangzik a pillanatban, de amikor másnap visszatérsz, gyakran túlkompressziót, durva egyenletet vagy egyensúlyhiányt talál, amelyet egy tiszta fejjel el lehetett volna kerülni.

Még ha a zónában is van, okos, ha óránként rövid szünetet tart - mindössze 10 percre a hangszórók segíthetnek a fülének visszaállításában és a döntéseinek éles tartásában. És ha legalább három órát tölt egy ülésen, akkor töltsön időt egy hosszabb szünetre. Lépjen kifelé, kapjon friss levegőt, hagyja, hogy az elméd és a hallás újratölti.

Kerülje a keverést vagy elsajátítást közvetlenül hangos események vagy partik után. Ha még egy enyhe csengéssel jön haza a fülében, és egyenesen egy ülésbe ugrik, akkor az észlelés már torz, és extra stresszt okoz a hallásod során. Nem csak a keveréked szenved-a hosszú távú károkat is kockáztatja.

Ha mélyen kevered vagy elsajátít, a friss perspektíva fenntartása minden. Időnként a legokosabb lépés az, ha elmegyünk és másnap visszatérünk. Hosszú távon időt takaríthat meg, kevesebb felülvizsgálat és jobb eredményekkel.

A szünetek nem a halasztás - ez a folyamat része. Ez pontosnak tartja a fülét, javítja a részleteket, és segít a keverék minden részén jobb hívások meghozatalában. Ha van egy egyszerű szokás, amelyet minden termelőnek korán kell építenie, akkor ez az.

Hogyan lehet kifejleszteni a saját hangját

Kreatív szabadság és bővülő zenei képzelet

A zenei produkció egyike azon kevés kreatív terek közül, ahol a szabályok megszegése gyakran a legjobb út. Ha olyan hangot szeretne fejleszteni, amely valóban a tiéd, akkor el kell engednie a biztonságos képleteket és szabadon kísérletezni. Ez azt jelentheti, hogy a váratlan textúrák rétegezését, a hagyományos dalszerkezetek hajlítását vagy a pályák építését furcsa, nem zenei hangok körül. Ezen ötletek némelyike ​​nem fog működni - és ez a lényeg. Minden sikertelen kísérlet tanít valamit. Az idő múlásával elkezdi felismerni, hogy mi illeszkedik a hangulatához, és megtanulja, hogyan kell azt szándékosan alakítani.

Minél jobban tolja a határokat, annál világosabbá válik művészi identitása. Ahelyett, hogy másolná, ami másoknak működik, az ötletek átdolgozását a saját perspektíváján keresztül kezdi el - és itt az eredetiség gyökerezik.

Együttműködés és egy zenei közösség hatalma

Más művészekkel való együttműködés az egyik leggyorsabb módja a kreatív növekedésnek. Az együttműködés új perspektívákat hoz, és olyan ötletekhez vezethet, amelyeket önmagában nem talált volna meg. Időnként egy énekes vagy egy másik producerrel való spontán munkamenet egyetlen megjegyzése teljesen át tudja változtatni a számhoz való közeledést.

A közösség ugyanolyan fontos. Függetlenül attól, hogy részt vesz a kihívásokban, az online producer fórumokon való lógáson, akár a helyi találkozókra való belépésen, a másokkal való kapcsolat továbbra is éles. Ha olyan emberek veszik körül, akik megosztják a szenvedélyedet, javítani kell téged - és emlékezteti Önt, hogy a hibák nem kudarcok, előrehaladnak. A növekedés nem elszigetelten történik. Minél többet cserél az ötletek, annál gyorsabban fejlődik a hangja valami valódi és személyes.

Hogyan lehet kinyitni kreatív potenciálját

Személyes hang kialakítása

A saját hangjának megtalálása a megfigyeléssel és a kísérletekkel kezdődik. Minél több zenét hallgat - a stílusok, a kultúrák és a produkciós megközelítések között - annál világosan elkezdi felismerni, mi rezonál veled. A cél nem a másolás, hanem az, hogy ezeket a hatásokat a maga módján újraértelmezze.

Furcsa minták, váratlan átmenetek, nem szokatlan feldolgozás - ezek a dolgok eleinte véletlenszerűnek érzik magukat, de idővel a kreatív ujjlenyomat részévé válnak. A minták természetesen megjelennek. Elkezdi hallani, hogy mely döntések következetesen tükrözik az ízlését, és mi teszi a zenét. Ez egy fokozatos folyamat, de pontosan ez teszi a hangot személyes és emlékezetessé.

A hangod megosztása a zenén keresztül

A pálya elkészítése csak az utazás fele. A másik fele az, hogy odahagyja, és hagyja, hogy az emberek kapcsolatba lépjenek vele. És ez a kapcsolat erősebbé válik, ha nem csak a hangot osztja meg. Beszélj a folyamatról, az inspirációról, a történetről a pálya egy adott pillanatának mögött. Ez a fajta nyitottság vonzza az embereket.

Használjon bármilyen rendelkezésre álló platformot - streaming szolgáltatások, közösségi média, élő show -k. Még egy rövid videoklip vagy demonstráció, amelynek személyes felirattal rendelkezik, vonzóbb lehet, mint a kontextus nélküli csiszolt pálya. A hallgatók nem csak a végterméket akarják, hanem meg akarják tudni a mögötte álló személyt. Minél becsületesebb és közvetlenebb vagy, annál jobban rezonál a zenéje. Mert ha nemcsak a hangot sugároz, hanem valójában valami valós kommunikációt is, az emberek észreveszik - és ragaszkodnak.

Végső gondolatok az új zenei producereknek

A zenei produkció nem csak a műszaki lépésekről szól - arról szól, hogy ezek az eszközök hogyan segítenek egy ötlet kifejezésében. Az elején könnyű elárasztani a pluginok, a felszerelések és a végtelen tanácsok. De a kulcs nem az, hogy mindent egyszerre megtanuljunk. Kezdje az Egyszerűt: Kényelem, hogy a beállítása, edzje a fülét, és ne félj felfedezni, mi ismeretlennek érzi magát.

A jó hír az, hogy a kezdéshez nincs szüksége drága felszerelésre vagy formális oktatásra. Csak egy laptopmal, néhány ingyenes szoftverrel és a tanulás iránti érdeklődéssel már megvan, amire szüksége van. Minden más az idővel és a gyakorlással jár. Nézze meg, hogyan működnek mások, kölcsönöznek ötleteket, módosítsák őket, hogy megfeleljenek a stílusának - és ne félj hibázni. Többet fog megtudni, ami rosszul megy, mint az, ami azonnal működik.

Az egyik kérdés, amelyet továbbra is feltesz magának: mit próbálok mondani ezzel a számmal? Itt él a jelentés. Amikor a zenéd valami valódi, valami személyes - rezonál. Még ha csak egy ember is kapcsolódik vele kezdetben, ez még mindig győzelem. Végül nem a tökéletességről szól. Arról szól, hogy valami olyat készítsen, ami őszinte érzés. És ha ez őszinte, az emberek is ezt fogják érezni.