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初心者向けの音楽をプロデュースします

初心者向けの音楽をプロデュースします

誰もがどこかから始まります - そして、最初のステップは、あなたが実際にやりたいことを理解することです。たぶん、あなたはビートを作ることに興味があります。たぶん、あなたはゼロから完全なトラックを構築したいのでしょうか、あるいはあなたの焦点がミキシングとマスタリングです。その選択は、続くすべての方向を設定します。

それが明確になったら、基本を学ぶ時です。トラックがどのように結合するか、リズムとメロディーがどのように相互作用するか、そして要素間のバランスが重要な理由を理解してください。あなたはそれなしでは遠くに行くことはありません。学ぶための最良の方法の1つは、本当に音楽を聴くことです。さりげなくではなく、目的を持って。物事を分解し、何がそれらを機能させるのかを理解します。

良い音楽を作るために派手なスタジオが必要であるという考えを忘れてください。マイク、オーディオインターフェイス、ソリッドペアのヘッドフォン、いくつかの基本的な制作ソフトウェアだけを使用できます。他のすべてには、時間と練習が伴います。

音楽制作が本当に意味するもの

音楽の制作は、最初のアイデアから最終的なサウンドまで、トラックを作るという完全な旅です。音楽の執筆、アレンジメントの形成、録音、ミキシング、およびトラックのリリースの準備をカバーしています。プロセスの各部分には、焦点と少しの技術的なノウハウが必要です。しかし、ギア以上に、本当に重要なのはそれに固執し、あなたが行くように学び、あなたが始めたものを終えることです。

音楽制作の基礎

音楽プロデューサーは本当に何をしていますか

音楽の制作は、技術的な面だけではなく、最初から最後までトラックを作成するプロセス全体を監督することです。プロデューサーとは、全体像を焦点を合わせている人であり、プロジェクトをアイデアの最初の火花からリリースの準備ができた最終バージョンに導きます。セットアップに応じて、彼らは自分で音楽を書いたり、アーティストのラフな素材を形作ったり、ミュージシャンとエンジニアのチームを調整してすべてをまとめることができます。

プロデューサーの主な責任の1つは、トラックがまとまりがあることを確認することです。それは、異なる要素がどのように連携するかに注意を払い、構造を構築し、音楽のアイデアが完全に実現されるようにすることを意味します。録音中、プロデューサーはアレンジメントの変更を提案したり、アーティストがパフォーマンスにより多くの感情をもたらしたり、トラックを強くするために単純化または強調表示する必要があるものを決定するのを助けます。

独立した生産者、特に自宅で働く生産者にとって、その役割には、執筆、アレンジ、録音、ミキシング、さらにはマスターなど、すべてが含まれます。そして最近では、始めるために大きなスタジオや高価なギアは必要ありません。ラップトップ、オーディオインターフェイス、マイク、およびいくつかのプラグインは、大いに役立つことがあります。しかし、覚えておくことは重要です。プロデューサーであることは、DAWでボタンを押すだけではありません。それは、エネルギー、流れ、バランス、そして人々とつながる方法で音を形作る方法を理解することです。優れたプロデューサーは、音のコレクションを生きていると感じるものに変えるのに役立ちます。

音楽プロデューサーとしての耳を開発します

よく訓練された耳がなければ、音で自信を持って作業することはできません。プロデューサーは、ピッチを認識する能力以上のものを必要としています。微妙な詳細を取り上げなければなりません。インスツルメントがどのように対話するか、どの周波数が衝突しているか、ミックスに深さがない、またはステレオ画像がオフに感じる場所です。この種の認識は、一貫した実践と意図的なリスニングから来ています。

耳のトレーニングは経験を通じて行われます。お気に入りのジャンルだけに固執しないでください。幅広い音楽を探索してください。アレンジメントがどのように構築されているか、個々のパーツがどのように鳴り響き、ボーカルがミックスに座位置にあるかに注意してください。トラックの比較も役立ちます。 1つは透明で開いているように聞こえるかもしれませんが、もう1つは泥だらけまたは過度に圧縮されていると感じます。目標は、それらの違いを生み出すものを把握することです。

練習すればするほど、機能していないものを見つけるのが良くなります。ギターがより多くのスペースを必要とするとき、ベースがミックスを圧倒するとき、またはボーカルがボリュームが不均一に感じるとき、あなたは聞き始めます。これらの洞察は、あなたの音をより正確に形作り、バランスが取れていて意図的に感じるミックスを構築するのに役立ちます。良い耳はあなたが生まれたものではありません - それはあなたが集中的で一貫した努力を通して開発するものです。

作詞作曲の基本を学ぶ

クリーンプロダクションは重要ですが、ムードを設定し、リスナーを引き付ける曲そのものです。だから、プロデューサーは単にミキシング以上のことを理解する必要があります。

開始するのに適した場所は構造です。ほとんどの曲は、詩、コーラス、詩、コーラス、ブリッジ、ファイナルコーラスなど、おなじみの形式に従います。そのようなレイアウトは、リスナーにとって自然に感じられ、エネルギーと流れを構築するのに役立ちます。構造はトラックの方向を与え、最初から最後まで魅力的に保ちます。

ハーモニーは次の作品です。単純なコード進行でさえ、意図的に選択されている場合、正しいトーンを設定できます。それは複雑さについてではなく、メロディーに適した感情的な背景を作成することです。いくつかの適切に配置されたコードは、技術的に高度ではあるが焦点が合っていないこと以上のものを言うことができます。
歌詞は同じくらい重要です。彼らは過度に詩的である必要はありませんが、生きていると感じるべきです。良い歌詞は、感情をもたらしたり、物語を伝えたり、明確な画像を作成したりします。彼らはそれと戦うのではなく、音楽をサポートし、それと一緒に動くべきです。単語とメロディーが一緒に機能すると、結果は常に強くなります。

誰もがソングライティングに異なってアプローチします。叙情的なアイデアから始まる人もいれば、メロディーのある人もいます。重要なのは、実験することです。たくさん書いて、戻って聞いて、各試みから学びます。練習すればするほど、曲が接続する理由と、自分の作品でそのつながりを形作る方法をよりよく理解できます。

プロデューサーの技術的スキルの開発

学習コード、音楽理論、リズム

音楽理論のしっかりした把握は、プロデューサーがより効率的かつ自信を持って作業するのに役立ちます。コード、リズミカルなパターン、タイミンググリッドの理解など、基本から始まります。この基盤により、試行錯誤に完全に依存することなく、高調波とリズミカルなアイデアを構築できます。一般的なコードの進行を実践し、さまざまなリズムを試し、形状間を移行する方法を学ぶことで、筋肉の記憶と創造的な流encyさが構築されます。 MIDIコントローラーまたはドラムパッドを使用すると、特にリアルタイムで録音している場合は、タイミングと精度を磨きます。一貫した実践と自己反省により、これらのスキルはあなた自身のトラックに自然に現れ始めます。

清潔で高品質の音を録音します

素晴らしい音はきれいな信号から始まります。ボーカルを録音しているかライブ楽器を録音しているかどうかは適用されます。録音の品質は、使用するマイク、ソースに対するどのように配置するか、セッションで設定した信号パスに依存します。部屋の音響も同様に重要です。まともなギアであっても、反射や背景ノイズなどのものはテイクを台無しにする可能性があります。スペースのノイズレベルを確認し、問題の頻度に対処し、必要に応じて基本的なサウンドトリートメントを使用します。マイクの配置とさまざまなセットアップを試してみると、あなたが望んでいるサウンドを手に入れる方法を把握するのに役立ちます。

ミキシングの技術をマスターする

ミキシングはすべてが一緒になるところです。ここで、トラックをまとまりのある完成したピースに形作ります。良いミックスは、すべてがそのスペースを持っていることを意味します。楽器は衝突せず、ボーカルは正しく座り、重すぎたり薄すぎたりするものはありません。ミキシングのコアには、レベル、EQ、圧縮、および効果のバランスが含まれます。どの周波数が競合する可能性が高いか、ダイナミクスを制御する方法、リバーブまたは遅延を使用して深さを追加する場所を理解する必要があります。この段階での一般的な問題には、泥だらけのローエンド、弱いステレオスプレッド、または過度に圧縮された要素が含まれます。よく混ぜると練習が必要です。そして、批判的に聞いて他のトラックを参照する習慣が必要です。

最終段階:マスタリングでトラックリリースの準備ができています

マスタリングは、リリース前の最後のステップです。最終的なポリッシュが発生する場所です。ラウドネス、ダイナミクスを調整し、トラックがさまざまなデバイスやプラットフォームにわたってよく翻訳されることを確認します。リミッター、EQ、ステレオエンハンサーなどのツールは、ミックスで最高のものを引き出すために精密に使用されます。目標は、一貫性があり、バランスが取れていて、公開の準備が整っているようにすることです。自分のトラックをマスターすることはできますが、多くの場合、他の誰かに引き渡すのが最善です。新鮮な耳のセットといくつかの外部の視点は、あなたが見逃したかもしれないものをキャッチし、あなたのトラックにその余分なプッシュを与えることができます。

自宅で音楽の録音を開始するための不可欠なギア

コンピューター

お使いのコンピューターは、ホームスタジオの中央ハブです。ラップトップであろうとデスクトップであろうと、減速せずに複数のオーディオトラック、プラグイン、仮想機器を処理する機能ほど重要ではありません。強力なCPUと十分なRAMが重要です。タブレットやスマートフォンは、簡単なアイデアを書き留めたり、外出先でアレンジをスケッチするのに便利ですが、真剣な生産作業のためにそれをカットすることはありません。

DAW

デジタルオーディオワークステーション(DAW)は、録音やアレンジからミキシング、マスタリングまで、トラック全体がまとめられるソフトウェアです。ロジックプロはMacユーザーにとって素晴らしい選択であり、Ableton Liveは電子プロデューサーの間で人気があり、FL Studioはユーザーフレンドリーなレイアウトで知られています。Cubaseはライブインストルメントワークで信頼されており、Reaperは柔軟性を備えた強力で軽量のオプションです。 1つに解決する前に、いくつかのデモバージョンを試してみてください。ワークフローに合ったものがすべてです。

モニターとヘッドフォン

初心者向けの音楽を制作するスピーカー

あなたの音楽がどのように聞こえるかを本当に理解するには、正確な監視が必要です。これは、ラウドネスや「良い」音に関するものではありません。それは、正確にそのままあなたのトラックを聞くことです。スタジオモニター(コンピューター画面ではなくスピーカー)は、フラットで非照射されていない周波数応答を提供するように設計されているため、自信を持って混合できます。彼らは低音を誇大宣伝したり、消費者スピーカーのように高値を明るくしたりしません。それは良いことです。

しかし、スペースがスピーカーを許可しない場合 - たぶん、音響が悪いか薄い壁のために、グッドヘッドフォンはしっかりした代替品です。クローズドバックヘッドフォンは録音に最適です(マイクにサウンドが漏れません)。一方、オープンバックまたはセミオープンモデルはミキシングに適しています。重要なのは、カジュアルなリスニングではなく、スタジオで使用されているヘッドフォンを選ぶことです。

セットアップのアップグレード:エキストラギアすべての音楽プロデューサーが最終的に必要です

コンピューター、ヘッドフォン、DAWだけで始めるのはまったく問題ありません。最初のトラックを録音してロープを学習し始めるのに十分です。しかし、ボーカル、ライブ楽器、またはより複雑なセッションの作業を開始すると、ツールキットを拡張する必要があることにすぐに気付くでしょう。それは通常、オーディオインターフェイスが不可欠になるときです。

オーディオインターフェース

初心者向けの音楽を制作するオーディオインターフェイス

オーディオインターフェイスは、外部ギアとDAWの間のブリッジとして機能します。マイク、インストゥルメント、またはシンセからアナログ信号を取得し、コンピューターが処理できるデジタルオーディオに変換し、完成したトラックをヘッドフォンまたはモニターに送り返します。ラップトップの内蔵サウンドカードは、この種の作業用に設計されていません。多くの場合、不要なノイズを導入し、十分な詳細をキャプチャすることができず、高品質の録音用に作られていません。

優れたインターフェイスは、最小限のレイテンシでクリーンで信頼性の高いオーディオを提供します。これは、ライブで録音する場合に重要です。プレイしたり歌ったり、ヘッドフォンで聞いていることとの間に顕著な遅延がある場合、タイミングを捨てて実行するのが難しくなります。

インターフェイスを選択するときは、入力の数に注意を払う必要があります。ボーカルとギターを追跡するだけの場合、2つのチャンネルが行われます。しかし、ドラム、フルバンド、または複数のハードウェアシンセを録音している場合、4、8、またはさらに多くの入力が必要です。

ホームスタジオに適したマイクを選択します

初心者向けの音楽をプロデュースします

ボーカル、アコースティック楽器、またはあらゆる種類のライブサウンドを録音する予定がある場合、マイクは必須の必要です。それは単なるギアではなく、録音チェーン全体の出発点です。セットアップに適したものを選択すると、音質に大きな違いが生じる可能性があります。

音楽制作で使用される2つの最も一般的なタイプは、ダイナミックとコンデンサーのマイクです。ダイナミックマイクは、バックグラウンドノイズに敏感ではなく、ギターアンプやドラムなどの大きなソースに最適です。それらは耐久性があり、歪むことなく高い音圧レベルを処理します。一方、コンデンサーのマイクはより敏感で、より詳細とニュアンスを拾います。これにより、ボーカル、アコースティックギター、文字列、または明確さとトーンが重要なパフォーマンスを録音するのに理想的です。コンデンサーには、オーディオインターフェイスまたはミキサーが通常提供するファントムパワー(通常は +48Vというラベル +48V)が必要であることに注意してください。

XLRケーブルを介してスタジオマイクが接続します。 USBマイクは存在し、コンピューターに直接接続しますが、柔軟性と全体的なオーディオ品質がより制限される傾向があります。信頼できる結果と成長の余地を目指している場合、適切なインターフェイスとペアになったXLRマイクがより賢い選択です。

すぐに大金を費やす必要はありません。ホームスタジオに確固たる結果をもたらす予算に優しいダイナミックとコンデンサーのマイクがたくさんあります。最も重要なのは、どのように使用するかを知ることです。主にボーカルを録音していますか?楽器もキャプチャしたいですか?あなたは治療を受けた部屋で録音しますか、それともあなたの通常の寝室だけですか?

Home StudioのMIDIコントローラー:彼らが何をし、どのように選択するか

初心者向けの音楽を制作するコントローラー

コンピューターは、音楽を作るための非常に強力なツールです。楽器、効果、無限の編集オプションにアクセスできます。しかし、実際にリアルタイムで何かを再生することになると、マウスとキーボードを使用すると不格好に感じることがあります。そこでMIDIコントローラーがやって来て、デジタル音楽の制作をより実践的な音楽体験に変えます。

最も一般的なタイプは、キーボードコントローラーです。伝統的なピアノやシンセと同じように、メロディー、コード、ベースラインを演奏できます。ドラムとサンプルの場合、パッドコントローラーは頼りになるオプションです。これらは速度に敏感で、ヒット、ループ、またはフレーズをトリガーするのに最適です。多くのコントローラーには、DAWにマッピングできるフェーダー、ノブ、ボタンも備えているため、マウスに触れることなくレベルを調整したり、効果を調整したり、シンセパラメーターを制御したりできます。

コントローラーがそれ自体で音を生成しないことを理解することが重要です。代わりに、MIDIデータをコンピューターに送信します。これは、どのメモをプレイしたか、どれだけ強く押したか、どのくらいの期間保持しているかについての情報です。次に、DAWはそのデータを使用して仮想楽器からサウンドをトリガーします。

始めたばかりの場合は、シンプルなコントローラーが仕事をします - それがあなたのDAWで動作し、あなたのワークフローに合っている限り。目標は、アイデアをトラックに変えることをより簡単かつ高速にすることです。優れたコントローラーは、音楽をプログラミングするだけでなく、実際に演奏しているように感じるのに役立ちます。

仮想楽器:実際のギアの実用的な代替品

初心者向けのVSTプロデュース音楽

マイク、オーディオインターフェイス、MIDIコントローラーを使用しても、実際のサウンドを生成するために何かが必要です。また、ライブ楽器やそれらを記録するスペースにアクセスできない場合、仮想楽器は簡単で強力なソリューションです。

これらは、ピアノやドラムから複雑なシンセやオーケストラライブラリまで、すべてが現実世界の楽器のソフトウェアベースのバージョンです。それらはあなたのDAW内で直接走り、MIDIコントローラーを使用してプレイするか、シーケンサーにプログラムされています。ほとんどのDAWには、仮想楽器の基本的なコレクションが束ねられています。これは、トラックの構築を開始するのに十分です。

住宅生産者にとって、このセットアップは特に便利です。ケーブルも、マイクも、部屋の治療もありません。サウンドを選んだり、設定を微調整したり、録音を開始したりします。これらのプラグインの一部は、実際の生活で数千ドルかかるギアをエミュレートし、印象的なリアリズムでそれを行います。

サンプルとループ:機能する創造的なショートカット

DJ Shadow、The Avalanches、DJ Premier、Kanye Westの多くの象徴的なプロデューサーは、サンプルを使用してトラック全体を構築しています。彼らのアプローチは、既存のオーディオの再加工と再考に基づいており、まったく新しいものを作成します。

サンプリングは、特に自分のライブレコーディングがない場合は、トラックを構築するための迅速な方法です。ループでは、リズムを置き、トーンを設定し、曲の全体的な構造を定義できます。これは、技術的なセットアップに巻き込まれるのではなく、アイデアを落とし、音楽を作る創造的な部分に集中する効率的な方法です。

トラックがどのように合流するか:音楽作成の重要な段階

初心者向けの音楽作成の段階

すべてのプロダクションの中心にあるのは歌そのものです。気分を形作り、ダイナミクスを制御し、トラック全体の方向を設定します。一部のプロデューサーは、ゼロから始めて、執筆中に書いていますが、他のプロデューサーは既存のメロディー、コードの進行、またはボーカルのアイデアから働いています。いずれにせよ、基本的な作詞構造を理解することで、プロセス全体の創造的および技術的な決定を導くことができます。

新しいセッションの開始:ワークスペースの構築

他に何かをする前に、DAWで新しいプロジェクトを開きます。これはワークスペースになります。アイデアを録音し、アレンジメントを構築し、効果を適用し、最終的にトラックをミックスします。最初から整理することは、後で集中し続け、技術的な頭痛を避けることができます。

テンポとキー:基礎の設定

ロックインする最初のことの1つはテンポです。トラックの速度を定義し、MIDI、ループ、ライブ楽器を同期するために不可欠です。安定したテンポにより、全員が間に合うようになり、編集がより簡単になります。

次にキーが登場します。初期の段階では、特にアイデアをスケッチしている場合は、すぐにコミットする必要はありません。しかし、メロディーとコードが形になると、キーは自然に所定の位置に落ちます。そして、あなたがそれを変更する必要がある場合、あなたが生産に深く入り込む前にそれをすることが最善です。

オーディオセットアップ:サウンドを正しくルーティングします

すべてが記録され、スムーズに再生されるようにするには、DAWでオーディオ設定を構成する必要があります。外部オーディオインターフェイスなしで作業している場合、コンピューターの内蔵サウンドカードは通常デフォルトで選択されます。ほとんどの場合、基本的なタスクには問題ありません。

オーディオインターフェイスを使用している場合は、DAWのオーディオ設定に移動し、メインの入力および出力デバイスとして設定します。次に、正しい入力と出力を割り当てます。たとえば、マイクが入力1に接続されている場合、オーディオトラックを作成し、その入力をソースとして設定します。レコードをヒットすると、信号はそのトラックにルーティングされます。

出力(通常1および2)は、DAWからヘッドフォンまたはモニターにオーディオを送信します。すべてが正しくセットアップされている場合は、プレイを押す瞬間にセッションの再生がはっきりと聞く必要があります。

進行するにつれて、バス、サブグループ、並列処理により、ルーティングセットアップがより複雑になる場合があります。しかし、最初は、マイクからトラック、ドーから耳まで、この単純なパスを理解するのに十分です。

仮想楽器の始めましょう:彼らがどのように機能し、何を知るか

仮想楽器を使用すると、コンピューター内で完全に音楽を生産できます。マイクも外部ギアも、複雑なセットアップも必要ありません。必要なのは、DAWとMIDIコントローラーだけです。実際、マウスとキーボードだけで始めることもできます。柔軟性と高品質のサウンドのおかげで、仮想楽器は現代のプロデューサーにとって頼りになるソリューションになりました。
仮想機器には2つの主要なタイプがあります。シンセは、アルゴリズムとサウンドエンジンを使用して、ゼロからサウンドを生成します。物理的な世界には存在しないオリジナルのトーンとテクスチャを作成するのに最適です。もう1つのタイプは、サンプルベースの機器です。これらは、実際のオーディオ録音の上に構築されています。サンプリングされたメモまたはキーまたはパッドにマッピングされたサウンド。メモをトリガーすると、事前に録音されたサンプルを再生し、ドラム、ギター、ボーカルなどの音を簡単に再現できます。
ほとんどの仮想楽器には、プリセットサウンドが搭載されています。どこから始めればよいかわからない場合は、プリセットを選択して実験してください。いくつかのメモを再生し、設定を微調整し、楽器ができることを感じてください。それは、そのキャラクターを理解し、それがあなたのトラックにどのように適合するかを理解するための簡単な方法です。

プラグインフォーマット:セットアップで機能するもの

仮想機器には、通常、VSTIとAUの2つのメインプラグイン形式があります。 VSTIはWindowsとMacOの両方で広くサポートされていますが、AuはMacOS専用に設計されており、主に他のAppleベースのプラットフォームで使用されています。

何かをインストールする前に、フォーマットがDAWとオペレーティングシステムと互換性があることを確認する価値があります。たとえば、Ableton LiveはMacとPCの両方でVSTIを使用して動作しますが、Logic ProはAUプラグインのみを使用しています。すべてが事前に並んでいることを確認することで、後で迷惑な互換性の問題からあなたを救います。

バッファサイズとレイテンシ:設定がワークフローにどのように影響するか

仮想機器とプラグインを使用している場合、特に複数のトラックとエフェクトを一度に実行している場合は、コンピューターのプロセッサがすぐに過負荷になります。システムが苦労し始めると、音声でクリック、ドロップアウト、または不具合が聞こえます。負荷を緩和する最も簡単な方法の1つは、DAW設定のオーディオバッファサイズを調整することです。

バッファを大きくすると、システムがサウンドを処理する時間を増やすため、より安定した再生が得られます。しかし、それはまた、レイテンシを増加させます - メモを再生するときと実際にそれを聞くときの間の遅延。バッファが小さくなると遅延が減少し、楽器がより反応が良くなりますが、CPUにより多くの圧力がかかります。重要なのは、適切なバランスを見つけることです。リアルタイムのパフォーマンスを遅らせることなくスムーズな再生が遅れていると感じます。

外部オーディオインターフェイスを使用すると、ここでは大いに役立ちます。組み込みのサウンドカードとは異なり、インターフェイスはオーディオをより効率的に処理する専用ドライバーを使用します。これにより、低いバッファー設定で作業し、レイテンシを制御できます。仮想楽器を真剣に使用することを計画している場合、特にライブプレイやリアルタイムの録音のために、オーディオインターフェイスは賢明な投資です。

MIDIコントローラーで仮想楽器を再生します

仮想楽器は豊かで表現力豊かに聞こえることがありますが、彼らの潜在能力を最大限に引き出すには、適切な制御が必要です。ほとんどのDAWでは、コンピューターキーボードを使用して基本的なメモを再生することができます。これは、アイデアをスケッチしたり、外出先で作業したりするのに問題ありません。しかし、これらのキーは速度に敏感ではなく、実際のパフォーマンスのダイナミクスをキャプチャすることはできません。

MIDIコントローラーが登場する場所です。キー、パッド、またはスライダーのセットであろうと、コントローラーは、はるかに自然な方法で仮想機器と対話するように設計されています。メモをどれだけ激しく打ったか、それを保持する時間、どのようにプレイするかをキャプチャします。これらはすべて、音がどのように反応するかに大きな違いをもたらします。

あなたの目標が実際に音楽を再生することであり、マウスでプログラムノートだけでなく、コントローラーに投資することは価値があります。それはあなたにより多くの制御を与え、あなたのワークフローをスピードアップし、あなたが物理レベルであなたのサウンドにつながるのを助けます。

MIDIとは何ですか、そしてそれが音楽制作で重要な理由

初心者向けの音楽を制作するためのMIDIは何ですか

MIDIは、ギアとソフトウェアが音楽のアイデアを伝えることができる普遍的なプロトコルです。オーディオファイルとは異なり、MIDIは音を持ちません。指示を送信するだけです。どのメモが再生されたか、どれだけ難しいか、保持された時間、停止したときです。これにより、音楽の録音、編集、アレンジに非常に柔軟になります。

MIDIコントローラーにキーを押すと、DAWは「Note A2、Velocity 90、0.8秒」などのメッセージを受け取ります。パッドを打つと、DAWがサンプルをトリガーするか、クリップを起動する可能性があります。 MIDIでは、パフォーマンスをキャプチャしてから、機器を交換したり、タイミングを微調整したり、表現を調整したりできます。

ほとんどの仮想楽器は、機能するためにMIDIに依存しています。これは、DAW内のシンセ、サンプラー、ドラムマシンとの対話方法のバックボーンです。パーツ全体のキーを変更し、個々のメモを編集し、速度を調整し、パラメーターを自動化できます。これらはすべて、音質の損失がゼロです。

量子化:いつ使用するか - そして

MIDIと協力することの大きな利点の1つは、録音後にパフォーマンスをクリーンアップできることです。 Quantizationは、メモを最も近いビートまたはグリッドラインにスナップするツールであり、物事が気分が悪くなった場合にタイミングを締めるのに役立ちます。

ドラム、ベースライン、またはタイミングが重要なリズムベースのものに特に便利です。量子化は、物事を所定の位置にロックしたり、溝をわずかにシフトして、よりゆったりとしたり押したりした感触を得るのに役立ちます。

しかし、船外に出るのは簡単です。量が多すぎると、一部が人間を感じさせる微妙なタイミングのバリエーションを削除する危険があります。これらの小さな欠陥は、パフォーマンスに自然な動きとエネルギーを与えるものです。したがって、すべてを自動修正する前に、少し時間をかけて、実際に修正する必要があるものと、トラックキャラクターに何が得られるのかを決定してください。

ライブオーディオソースの操作:ボーカル、楽器、ハードウェア

ライブサウンドは、ユニークなキャラクターをトラックにもたらします。単一のボーカルテイクやアコースティックギターの録音でさえ、曲の感じ方を完全に変えることができます。良いニュースは、始めるためにプロスタジオを必要としないことです。基本的なオーディオインターフェイスとマイクだけで、プロジェクトに実際のオーディオを記録することができます。深さを追加し、過度にプログラムされた静的な配置から離れる簡単な方法です。

ライブ楽器またはハードウェアシンセを組み込むと、ソニックパレットが拡大し、デジタルプロダクションとオーガニックテクスチャーのブレンドに役立ちます。 1つの部品をマイクで、別の部分を直接入力して追跡し、DAW内の仮想楽器でレイヤーする場合があります。このハイブリッドアプローチは、多くの場合、より完全で、よりダイナミックなプロダクションにつながります。

オーディオ入力と信号レベルの理解

きれいに記録し、技術的な問題を回避するには、インターフェイスがさまざまな信号タイプを処理する方法を知ることが重要です。ほとんどのオーディオインターフェイスには、マイク、機器、ラインの3種類の入力があり、それぞれが特定の目的を果たします。

マイク入力は、非常に低レベルの信号を出力するマイク用に設計されています。そのため、マイク入力にはプリアンプが付属して、信号を使用可能なレベルに向上させます。ほとんどのインターフェイスには組み込みのプリアンプがありますが、必ずしもすべてのチャネル上ではありません。記録する前にダブルチェックするものです。

機器の入力は、エレクトリックギターやベースなどのものです。これらの信号はMICレベルよりも強いですが、それでもいくらかのゲインが必要です。機器の入力は、適切なインピーダンスでこれを処理し、クリーントラッキングのために構造を獲得します。

ライン入力は、シンセ、ドラムマシン、船外ギアなど、すでに強力な信号を生成するデバイス用です。これらは追加の利益を必要としません。実際、ラインレベルの信号をマイク入力に送信すると、厄介な歪みを引き起こしたり、過負荷のためにギアを損傷することさえあります。

各入力がどのように機能するかを知り、正しいソースと一致させることは、スムーズな録音ワークフローにとって重要です。それは単なる技術的な詳細ではありません。実際のオーディオを操作するときに素晴らしいサウンドを得るための基盤です。

録音に適した入力レベルを設定する方法

レコードをヒットする前に、入力レベルを適切に設定することが重要です。熱すぎず、静かすぎません。そこで、オーディオインターフェイスのゲインノブが入ります。通常、マイクまたは機器の入力のすぐ隣にあります。

録音が開始される前に、レベルを調整する必要があります。信号が強すぎると、歪みが得られます。弱すぎると、後でブーストして、それと一緒に望ましくないノイズをもたらすことになります。チェックする最も簡単な方法は、DAWのレベルメーターを見ることです。あなたのピークは、理想的には-12 dBから-6 dBの間、安全な範囲に快適に座る必要があります。これは、全体的な音質に大きな違いをもたらす小さなステップです。

記録する適切なスペースを選択します

マイクはすべてを拾い上げます - 最初は気付かないかもしれない音も含まれます。ストリートノイズ、バズエレクトロニクス、または部屋のエコーは、録音をひどく台無しにする可能性があります。そのため、録音スペースはマイクと同じくらい重要です。

家具、カーテン、またはカーペットを備えた部屋は、自然に反射を吸収し、より良い録音環境を作ります。治療済みのスペースにアクセスできない場合は、創造的になりましょう。衣服でいっぱいのクローゼットでさえ、驚くほどうまく機能する可能性があります。目標は、エコーを減らし、不要な背景ノイズをブロックすることです。

録音を開始する前に、記録をヒットして数秒の沈黙をキャプチャします。ヘッドフォンから聞いてください。ファン、トラフィック、または冷蔵庫のハムが聞こえた場合は、ソースを排除するか、静かな場所に移動するためにできることをしてください。 1分しかかかりませんが、後で編集の時間を節約できます。

ボーカルにポップフィルターが必要な理由

ボーカルを録音している場合、スキップしてはならないギアが1つあります:ポップフィルター。

私たちが歌ったり話したりするとき、特に「P」や「b」などの子音で、空気の爆発が自然に口から出てきます。敏感なボーカルマイクは、それらを深く、不快な強打として拾います。ポップフィルターが歌手とマイクの間に位置し、カプセルにぶつかる前にそれらのバーストを分割し、ボーカルをクリーンで使いやすくします。

一部のマイクには含まれていますが、持っていないマイクが含まれていない場合は、簡単に作成できます。ワイヤーハンガーをつかみ、それを円に曲げ、その上にパンストの層を伸ばします。ブーム - インスタントDIYポップフィルター。

入力レベルの設定:歪みを避け、きれいな音を取得する方法

録画を開始する前に、オーディオインターフェイスのゲインノブを使用して、入力レベルが適切にダイヤルされていることを確認してください。信号が熱すぎる場合、クリッピングが表示されます。低すぎると、後で不要なノイズを後押しすることになります。 Dawのメーターを見てください - ピークは赤から離れている必要がありますが、それほど静かではありません。これを正しくすることは、音質に大きな違いをもたらします。

記録する場所:できる最も静かな場所を見つけてください

ファン、トラフィック、ルームエコーなど、マイクがあなたが思っているよりもはるかに多くを拾います。最高の場所は、反射を吸収するためのカーペット、カーテン、または家具がある部屋です。あなたがそれを持っていないなら、服でいっぱいのクローゼットでさえ驚くほどうまく機能します。数秒の沈黙を記録し、ヘッドフォンで聞いてください。対処すべき不要なバックグラウンドノイズがあるかどうかはすぐに聞こえます。

ポップフィルター:過酷な子音の簡単な修正

ボーカルを録音するとき、ポップフィルターは過酷なプラシブを削減するのに役立ちます。これは、マイクに過負荷できる「P」と「B」の音からの空気のバーストです。歌手とマイクの間に位置し、気流を和らげます。持っていない?問題ありません - ワイヤーリングといくつかの伸びたパンストでDIYフィルターを作ることができます。同様に機能し、費用はかかりません。

ミキシングとオーディオ編集の基本:プロのサウンドの構築について知っておくべきこと

ミキシングとマスタリングについて知っておくべきこと - 基本的なオーディオ編集技術

オーディオの編集は、クリップを切断して移動するだけではありません。それは、まとまりがあり、洗練された感じでトラックを形作ることです。実際には、2つの主なアプローチがあります。 1つ目は、古典的な「スプリットアンドスリップ」方法です。オーディオをセグメントにスライスし、手動で配置します。これにより、元の音質に影響を与えることなく、タイミングを正確に制御できます。

2番目の方法では、タイムストレッチングが含まれます。ここでは、トラックの一部がスピードアップまたはスローダウンしてテンポに合わせます。迅速かつ便利ですが、特にボーカルやアコースティック楽器では、不要なアーティファクトや不自然なトーンを導入する音を分解できます。

ほとんどの専門家は、より時間がかかりますが、最初の方法を好みます。ミキシングとマスタリングは、パフォーマンスの自然な雰囲気を維持することです。洗練されたトラックには、自分で聞くことのないマイクロエディットが何百もありますが、一緒に清潔でバランスの取れた音が作成されます。オーディオ編集は詳細な作業です。すべてのピースは、可聴シームを離れることなくフィットする必要があります。

ミキシングが重要であり、それがあなたのトラックのために何をするのか

ミキシングは、トラックのすべての要素が1つの統一されたサウンドにまとめられる段階です。目標は、曲全体を単一のパフォーマンスのように感じさせることです。単なるパーツのコレクションではありません。

この段階には、ボリュームレベルの調整、ステレオフィールド全体の機器のパン、EQの適用、リバーブや遅延などの効果の追加が含まれます。目標は、すべてのサウンドにスペースがあり、ミックスの残りの部分と調和して機能することを確認することです。

ミキシングは技術的には記録と配置とは別に分離されていますが、実際には、これらの段階はしばしば重複しています。優れたミックスは、技術的なスキルだけでなく、創造的な判断にも依存しています。それは、トラックの個性が実際に登場する場所です。

ミキシングの基本:清潔でバランスの取れたトラックを構築する方法

ボリューム管理:ミックスのデジタルクリッピングを防ぎます

混合の最初のステップは、適切なボリュームレベルを設定することです。ボーカルは埋もれてはいけません。低音は圧倒されるべきではなく、ドラムはすべてをownれさせてはいけません。音が大きくなりすぎるとクリップできます。デジタルオーディオでは、温かいアナログクランチではありません。トラックを台無しにするのは厳しい歪みです。

そのため、すべてのDAWにレベルメーターが含まれています。緑はあなたが良いことを意味し、黄色は近づき、赤はあなたが限界を超えています。赤くなったらすぐに、それを断る時が来ました。レベルを適切に管理すると、ミックスをきれいに保つだけでなく、後でマスターするのに十分なヘッドルームが得られます。

ステレオ配置:各音にスペースを与えます

パンニングとは、フラットで混雑したミックスを避けるために、ステレオフィールドに楽器を広げる方法(左から右)です。リードボーカルとベースは通常、トラックを固定するために中心となっています。シンセ、ギター、パーカッションなどの他の要素は、幅とスペースを追加するために、一方またはもう一方の側にわずかに押し込むことができます。

ステレオ配置は、各音が呼吸するのに役立ちます。シンプルなパンコントロールを使用すると、トラックがより大きくて生き生きと感じられる空間感覚を形作っています。正しく行われ、それは何も切断されることなく、明確さと動きをもたらします。

シェーピングトーン:あなたの音を正しいキャラクターに与える方法

ミキシングは、ボリュームのバランスをとることだけではありません。また、各楽器の感じ方を形作ることでもあります。単一の音は、どのように処理されるかに応じて、暖かく、厳しい、鈍い、または明るくすることができます。トーンを形作るために、プロデューサーはEQ、圧縮、飽和などのツールを使用します。 EQは、泥だらけの周波数をクリーンアップしたり、部品を際立たせるのに役立つ領域をブーストできます。圧縮により、ボリュームのスパイクが滑らかになり、パフォーマンスが強化されますが、飽和は微妙な色と深さを追加します。ほとんどのDAWのストックプラグインでさえ、トラックの知覚方法を顕著に変更するのに十分な柔軟性を提供します。

最終エクスポート:ミックスに適切な形式を選択します

ミックスが終了すると、最後のステップがプロジェクトのエクスポートです。マスタリングまたはさらなる生産のために、WAVやAIFFなどの非圧縮形式が理想的です。オーディオの完全な解像度を維持します。デモや携帯電話でクイックリッスンが必要な場合は、MP3が機能しますが、ファイルを圧縮して詳細を失うことに留意してください。輸出は単なる技術的な形式ではありません。ミックスがDAWを離れて完成品になる瞬間であるため、設定を正しくすることは本当に重要です。

最後のタッチ:マスタリングが何をするのか、なぜそれが重要なのか

マスタリングは何をし、なぜそれが必要なのか

マスタリングは、音楽制作の最終段階です。これは、焦点が個々のトラックからミックス全体に移行するポイントです。ボーカルやドラムを微調整することはもうありません。これで、ステレオファイル全体で作業して、トラックをプロの基準に導きます。目標は、色調のバランスを改良し、ラウドネスを最適化し、混合段階から残りの欠陥を滑らかにすることです。

マスタリングツールには、EQ、圧縮、制限、飽和度が含まれます。混合に似ていますが、個々の要素ではなく完全な混合に適用されます。これにより、エンジニアは周波数を微妙に強化し、ダイナミクスを制御し、スタジオモニター、ヘッドフォン、カースピーカー、または安価なBluetoothスピーカーなど、すべての再生システムでトラックがしっかりと聞こえるようにします。

EPやアルバムなどの完全なリリースをマスターすると、一貫性が重要になります。各トラックは、ボリュームレベルと色調のキャラクターが一致するまとまりのある全体の一部のように感じる必要があります。よくマスターされたトラックは、ただ大声ではなく、完全に感じます。マスタリングは、技術的にサウンドミックスをリリース対応製品に変えるものです。

意欲的な音楽プロデューサーのための10の実用的なヒント

始めたばかりのとき、急いでトラックを作ってすぐにリリースするのは魅力的です。しかし、速すぎると、最終結果に本当に影響する小さな詳細を見落とすことができます。時間をかけて、強固な基盤の構築に集中してください。使用しやすいと感じるDAWを選択することから始めます。最も高価なものである必要はありません。ワークフローに合って創造的な状態を維持するのに役立ちます。

改善する最良の方法の1つは、作業を商業トラックと比較することです。レベル、楽器間の間隔、ボーカルの明確さなど、それらがどのように混合されているかをよく聞いてください。あなたはしばしば、よりシンプルな配置が散らかったものよりもよく聞こえることに気付くでしょう。ミックスにスペースを残すことを恐れないでください。いくつかの基本的な音楽理論、特にリズムと調和 - を学ぶことも、あなたがより自信を持って書くのを助けるのに大いに役立ちます。

EQと圧縮は不可欠なツールです。周波数を形作り、ダイナミクスを制御する方法を知ることで、ミックスがよりしっかりと洗練され、より洗練されます。たとえ彼らが荒いと感じても、常にあなたのアイデアを記録します - 彼らは後で素晴らしい何かを刺激するかもしれません。

機会があれば、他の人のプロジェクトを掘り下げてください。他の人がどのように機能するかを勉強することは、非常に目を見張るものになる可能性があります。あなた自身の音楽に彼らのテクニックのいくつかを適用してみてください。一貫性を保つ - 毎日の短いセッションでさえ、インスピレーションの完璧な瞬間を待つよりも良いです。そして最も重要なことは、あなたの音楽を共有することです。フィードバックは、少数の聴衆からであっても、あなたがすべてを自分自身に維持するよりもずっと速く成長するのに役立ちます。

1.ホームスタジオを開始するための必須ギア

音楽制作に巻き込まれたときは、派手なプラグイン、コントローラー、マイク、無限のアクセサリーなど、ギアに簡単に巻き込まれます。しかし、真実は、始めるために専門的なセットアップを必要としないということです。本当に重要なのは、あなたが何を作りたいかを知ることです - ビート、ボーカル、フルトラック - そしてその周りにあなたのギアリストを構築することです。

スタジオの中心はコンピューターです。最高である必要はありませんが、固体プロセッサ、少なくとも8 GBのRAM、高速SSDが必要です。これらの仕様は、特に複数のトラックや仮想楽器を使用している場合は、DAWをスムーズに走らせるのに役立ちます。 2番目のモニターは必須ではありませんが、間違いなく役立ちます。ミキサーとアレンジメントを並べてワークフローの速度を上げることができます。

次に、オーディオインターフェイスがあります。基本的な2インチのツーアウトモデルでは、開始するのに十分です。マイク、ヘッドフォン、または楽器を接続して、遅延が低い録音を取得できます。コンパクトな25キーMIDIキーボードと組み合わせます。小さなものでさえ、マウスでメモをクリックするよりも、メロディーを書いたり、構築の手配をはるかに速くしたりします。

監視も同様に重要です。まともなヘッドフォンといくつかのエントリーレベルのスタジオモニターは、ミックスをより正確に聞いて、さまざまな設定で音楽がどのように聞こえるかを理解するのに役立ちます。また、ボーカルの録音を計画する場合、大型ダイアフラムコンデンサーマイクは素晴らしい出発点です。銀行を破る必要はありません。特に静かな部屋で録音している場合は、手頃な価格のモデルがたくさんあります。

2.なぜ部屋の音響が高価なギアよりも重要なのか

初心者が犯す最も一般的な間違いの1つは、部屋の音響を見下ろすことです。優れたモニターとしっかりしたオーディオインターフェイスがあっても、部屋が制御されていない反射でいっぱいの場合、ミックスを正確に聞くことはできません。基本的な音響治療がなければ、あなたは本当にあなたの音楽を聞いているわけではありません - あなたはあなたの壁から跳ね返る音を聞いています。

良いニュースは、違いを生むために何千もの費用を費やす必要はないということです。シンプルで手頃な価格の修正は大いに役立ちます。主な目標は、特にミッドレンジでの反射を減らし、通常はコーナーに収集するローエンドの蓄積を制御することです。

部屋の音響が高価な機器よりも重要である理由

ミネラルウールまたはグラスファイバーから作られた基本的な壁と天井のパネルから始めてください。これらの材料は、安価な音響フォームよりもはるかに効果的です。可能であれば、ディフューザーをリスニング位置の後ろに配置します。吸収体とは異なり、ディフューザーは音波を均等に散らし、あなたの部屋がよりオープンで自然に感じるのを助けます。

無理をしないでください。部屋が「死んでいる」ようになった場合、リバーブやステレオ幅などの効果を混合するために重要な空間感覚を失います。目標はバランスです。ミックスをはっきりと聞くのに十分なコントロールですが、部屋が活気がないと感じるほどではありません。よく治療されたスペースでは、控えめなギアでさえ、ミックスで実際に何が起こっているのかをより明確に把握できます。

3.ワークフローに適した音楽ソフトウェアを選択する方法

最近では、音楽を作り始めるために完全なスタジオのセットアップは必要ありません。追跡から最終的なミックスまで、すべてのソフトウェアで実行できます。それはお金を節約し、物事をスピードアップし、いつでもプロジェクトを再訪することができます。

重要なのは、直感的だと感じるプラットフォームを見つけることです。一部のツールは、電子音楽とサンプルベースの生産に向けられていますが、他のツールは、楽器の録音や詳細なミキシングに適しています。 1つに解決する前に、いくつかのオプションを試してみてください。多くの場合、デモバージョンを提供しているため、ワークフローを感じることができます。

「完璧な」プログラムを追いかける時間を無駄にしないでください。まともなソフトウェアは、それを使用する方法を知っていれば、ジョブを完了します。より良いものを求めて常にツールを切り替えるのではなく、それをよく学習し、それが提供するものを最大限に活用することに焦点を当てます。

4。耳を信頼する:なぜ視覚よりも聞くことが重要なのか

セットアップが整っていてソフトウェアの準備ができたら、実際のサウンドに集中する時が来ました。この時点で、多くの初心者は同じtrapに陥ります。彼らが聞くものではなく、画面に表示されるものに大きく依存しています。

モダンミュージックソフトウェアには、スペクトルアナライザー、レベルメーター、オシロスコープなどの視覚ツールが詰まっています。これらは、周波数の衝突を発見したり、ダイナミクスを管理したり、ラウドネスをチェックしたりするのに非常に役立ちます。しかし、それらは単なるツールです。彼らはあなたの意思決定の基盤であってはなりません。

初心者向けの音楽の制作に注意する前に聞いてください

あなたの耳はあなたの最も重要な資産です。彼らは、トラックが実際にどのように感じているかを教えてくれます。バランス、スペース、または感情の認識を置き換えるグラフはありません。時々、最善の動きは、目を閉じて聞くことです。ビジュアルの気晴らしがなければ、微妙なことに気付くでしょう。混雑しすぎると感じる領域、ミックスが明確に欠ける場所、またはボーカルが失われた瞬間です。これらは本当に重要な詳細です - そして、あなたが音そのものに焦点を合わせているときにのみ明白です。

5。青写真ではなく、参照ポイントとしてプロトラックを使用する

ほとんどのプロデューサーは、特定のジャンルの影響を受けています。それはあなたの好みを形作り、あなたの初期のアイデアを刺激します。しかし、スタイルを愛し、それがどのように機能するかを理解することは2つの異なることです。そのスペースで音楽を持ち上げたい場合は、トラックが実際にどのように構築されるかを調べる必要があります。

開発できる最も貴重な習慣の1つは、賞賛するトラックを積極的に分析することです。ただ楽しんではいけません - 壊してください。リファレンスソングを選んで、なぜそれがとても良い音がするのかを理解してください。機器のバランス、周波数スペクトル、使用される効果の種類、および全体的なダイナミクスに注意してください。 BPM、構造、およびミキシングテクニックに注意してください。そのスタイルの音を定義するものはすべてです。これらの観察を書き留めると、それらをより速く吸収して適用するのに役立ちます。

時間が経つにつれて、このアプローチはあなたの耳を研ぎ澄まし、あなた自身のトラックがジャンル内に「フィット」するときを認識するのに役立ちます。さらに重要なことは、コピーせずに他の人からアイデアを適応させることを学ぶことです。ジャンルの期待に忠実でありながら、自分の音を維持します。

6。模倣のスタイル:ジャンル主導の世界であなた自身の音を見つける

音楽制作に深く潜り込み、賞賛するトラックの参照を開始すると、特に何かが洗練されたパワフルに聞こえるとき、あなたが聞くものをコピーするというtrapに陥りやすくなります。しかし、他の誰かのために働くものを模倣することは、あなたが長期的に際立っているのを助けません。

初心者向けの音楽を制作するための個性を維持します

リファレンストラックは、構造、テンポ、トーンバランスなど、ジャンルのフレームワークを理解するのに最適です。それらは、重複するテンプレートではなく、方向のためのツールです。すべての動きに近づきすぎると、リスナーは独創性よりも繰り返しを聞く可能性が高くなります。あなたの仕事は、ジャンルを定義するものを取り、その言語を独自の方法で話すことです。それが予想外の音、ユニークなアレンジ、または効果の使用方法を介しています。あなたの個人的なアイデアを反映するものはすべて、あなたのトラックのエネルギーとアイデンティティを与えます。

シグネチャースタイルは一晩で表示されません。これは、試行、エラー、および実験する意欲の結果です。自分のアプローチの形成を早期に開始すればするほど、音は人々が認識するものになります。そして、これはアーティストだけではありません。ミックスエンジニアでさえ、時間の経過とともにソニックの指紋を開発します。

7.トラックを過負荷にしないでください:実際にはより良い音は良くなります

「Less Is More」は決まり文句に聞こえるかもしれませんが、それは音楽制作における最も信頼できる真実の1つです。新しいプロデューサーは、多くの場合、すべてのギャップをアレンジメントのギャップを埋めようとし、トラックが混雑してその明快さを失うまでレイヤーを追加します。

執筆プロセス中に、別のパッド、より多くの打楽器、または曲を「記入」するための余分なメロディーを投入するのは魅力的です。しかし、追加する要素が多いほど、それぞれが呼吸するのが難しくなります。ミックスはいっぱいに聞こえる代わりに、泥だらけで焦点が合っていません。これは、ドラムレイヤーに特に当てはまります。明確な理由がない限り、複数のキックやスネアを異なる効果で積み重ねることはめったに役立ちません。よく選択されたサウンドは、多くの場合、3つ以上の不要なレイヤーを行います。

同じことが録音にも当てはまります。最終的なミックスで2つまたは3つのテイクを使用する予定がある場合、20のほぼ同一のバージョンを記録すると、乱雑なものが作成されます。並べ替えにもっと多くの時間を費やし、実際にトラックの構築に時間を減らします。

混合段階とマスター段階であっても、過剰加工が問題になる可能性があります。単一のトラックに6つまたは7つのプラグインを積み重ねて動作させるだけで、ソースに問題がある可能性があります。多くの場合、サウンドデザインまたは録音段階に戻り、それを修正する方が、無限の圧縮と式でパッチを当てるよりもです。

ミックスの空きスペースは弱点ではありません。それが、路面に呼吸できるようにするものです。清潔で焦点を絞った配置は、常に過負荷のあるものよりもよくつながります。それは単なる理論ではありません - それはほとんどのプロデューサーが経験を通して難しい方法を学ぶものです。

8。より速くレベルアップ:経験豊富なプロデューサーを見ることが非常に貴重な理由

経験豊富なプロデューサーやエンジニアとのセッションに参加する機会があれば、それを渡さないでください。セッションのセットアップから最終的なミックスのエクスポートまで、完全なプロセスがリアルタイムで展開されるのを見るのとはまったく異なります。専門的な環境で数時間でさえ、自分で数週間以上の試行錯誤を教えることができます。

とはいえ、誰もがスタジオにアクセスできるわけではありません。それはまったく大丈夫です。最近では、オンラインで利用できる膨大な量の知識があります。 YouTubeチュートリアル、音楽制作コース、ライブストリーム、マスタークラス、ミキシングとマスタリングに関する本など、すべてが実際にどのように機能するかを理解するのに役立ちます。重要なのは、積極的に見ることです。自問してみてください:なぜ彼らはそのプラグインを選んだのですか?その調整後、何が変わったのですか?その1つの動きはどのようにしてミックスをきつくしましたか?

進捗を評価する素晴らしい方法の1つは、トラックをオンラインマスターサービスにアップロードし、結果を独自のバージョンと比較することです。それはあなたにすべてを教えませんが、あなたがうまくやっていることと、あなたのミックスがまだ仕事が必要な場所を強調します。

それでも、誰かがリアルタイムで働くのを見ることに勝るものはありません。地元のプロデューサーがどのようにアレンジメントを構築したり、エフェクトを設定したり、ボーカルがワークフローと意思決定について洞察を与えることができることを観察するだけでも。そして、あなたが途中で質問することができるなら?さらに良い。

9.なぜフィードバックが重要なのか - そしてそれをあなたのために機能させる方法

音楽制作のプロセスのある時点で、あなたが作成したものを他の人に聞かせる必要があります。検証のためだけでなく、あなたのトラックが自分のスタジオの快適さの外にどのように着地するかを理解するために。カジュアルなリスナーからのフィードバック(技術的な知識のない人)でさえ、あなたの音楽が実際につながるかどうかを知ることができます。

非ミュージシャンは、ドラムをどのようにEq'したか、ボーカルがミックスに完全に座っているかどうかを気にしません。彼らはただそれを感じるかどうか。誰かがずっと耳を傾けたり、それに入ったり、再びそれを演奏したりすると、それは良い兆候です。彼らが途中で興味を失った場合、それも注意を払う価値があります。それはあなたに何かが欠けていることを教えてくれます - たぶん、イントロは長すぎる、エネルギーが浸る、またはあまりにも多くのことが起こっています。

他のプロデューサーや経験豊富なミュージシャンからのフィードバックは、異なるレベルでヒットします。彼らは技術的な欠陥を見つけます:泥だらけの周波数、誤った層、弱い移行。しかし、この種の批判は個人的なものではありません。それはあなたが一人で働くことは決してないでしょう。そして、あなたがそれを歓迎すればするほど、あなたはより速く成長します。

とはいえ、すべてのアドバイスが役立つわけではありません。一部のフィードバックは、トラックの実際の問題ではなく、個人的な味によって形作られています。そのため、フィルタリングを学ぶことが重要です。あなたのミックスやアレンジメントを明確に改善するコメントを取り入れてください。そして、あなたの創造的な意図と衝突するものを残してください。フィードバックはあなたの音を研ぎ澄まし、それをあなたのものにするものからあなたを遠ざけるのではありません。

10。休憩をとる:耳を保護し、ミックスを正直に保つ方法

リスニング疲労は、音楽制作における卑劣な問題の1つです。離れずに何時間もトラックで作業すると、耳が鈍くなり始め、バランス、頻度、スペースが窓の外に出ます。今のところすべてがうまく聞こえるかもしれませんが、翌日に戻ってきたとき、しばしば過度の圧縮、過酷なEQ、または明確な頭で避けることができた不均衡を見つけることがよくあります。

ゾーンにいるとしても、1時間ごとに短い休憩をとるのは賢明です。スピーカーからわずか10分のところにあるのは、耳がリセットされ、決定を鋭く保つのに役立ちます。また、セッションに3時間以上費やしている場合は、より長い休憩のために時間を作ってください。外に出て、新鮮な空気を手に入れて、あなたの心をさせて、充電を聞いてください。

大音量のイベントやパーティーの直後に混合やマスタリングを避けてください。耳を少し鳴らしてセッションにまっすぐ飛び込んで家に帰ると、あなたの認識はすでに歪んでおり、聴覚に余分なストレスをかけています。ミックスが苦しむだけでなく、長期的な損害も危険にさらされています。

混合やマスタリングに深く入り込むとき、新鮮な視点を維持することがすべてです。時々、最も賢い動きは、立ち去って翌日に戻ってくることです。長期的には時間を節約でき、改訂が少なくなり、結果が向上します。

休憩を取ることは先延ばしではありません。それはプロセスの一部です。耳を正確に保ち、​​細部への注意を磨き、ミックスのあらゆる部分でより良い電話をかけるのに役立ちます。すべてのプロデューサーが早期に構築する単純な習慣が1つある場合、それはこれです。

独自のサウンドを開発する方法

創造的な自由と音楽の想像力の拡大

音楽制作は、ルールを破ることがしばしば最善の方法である数少ない創造的な空間の1つです。本当にあなたのもののサウンドを開発したい場合は、安全なフォーミュラを手放し、自由に実験する必要があります。それは、予期しないテクスチャを重ねたり、伝統的な歌の構造を曲げたり、奇妙で非音楽的な音の周りにトラックを構築することを意味するかもしれません。これらのアイデアのいくつかは機能しません - それがポイントです。失敗したすべての実験はあなたに何かを教えます。時間が経つにつれて、あなたはあなたの雰囲気に合ったものを認識し始め、それを意図的に形作る方法を学び始めます。

境界を押し上げるほど、芸術的アイデンティティがより明確に現れます。他の人のために機能するものをコピーする代わりに、あなたはあなた自身の視点を通してアイデアを作り直し始めます。そして、それは独創性が根付いている場所です。

コラボレーションと音楽コミュニティの力

他のアーティストと協力することは、創造的に成長する最速の方法の1つです。コラボレーションは新鮮な視点をもたらし、あなたがあなた自身で見つけられなかったであろうアイデアにあなたを導くことができます。時々、ボーカリストからの1つのコメントや、別のプロデューサーとの自発的なセッションで、トラックへのアプローチ方法を完全に再構成できます。

コミュニティも同様に重要です。チャレンジに参加しているか、オンラインプロデューサーフォーラムでぶらぶらしているか、地元のミートアップに行くかにかかわらず、他の人とつながると、鋭くなります。あなたの情熱を共有する人々に囲まれていると、あなたが改善するように促します。そして、間違いが失敗ではないことを思い出させます。彼らは前進します。成長は単独では起こりません。アイデアを交換すればするほど、サウンドはリアルで個人的なものに進化します。

あなたの創造的な可能性を解き放つ方法

個人的な音の開発

自分の音を見つけることは、観察と実験から始まります。スタイル、文化、プロダクションのアプローチを越えて聴く音楽が多いほど、あなたに何が共鳴するかをより明確に認識し始めるでしょう。目標はコピーするのではなく、これらの影響を独自の方法で再解釈することです。

奇妙なサンプル、予期しない移行、型破りな処理 - これらのことは最初はランダムに感じるかもしれませんが、時間が経つにつれて、あなたの創造的な指紋の一部になります。パターンは自然に現れます。どちらの決定が一貫して自分の好みを反映しているか、そしてあなたの音楽を異なるものにしていることを聞き始めます。それは段階的なプロセスですが、それがまさにあなたの音を個人的で思い出深いものにしているのです。

音楽を通してあなたの声を共有します

トラックを作ることは旅の半分に過ぎません。残りの半分はそれをそこに置き、人々にそれにつながるようにしています。そして、その接続は、単なるオーディオ以上のものを共有すると強くなります。プロセス、インスピレーション、トラックの特定の瞬間の背後にある物語について話します。そのようなオープン性は人々を引き付けます。

利用可能なあらゆるプラットフォームを使用してください - ストリーミングサービス、ソーシャルメディア、ライブショー。個人的なキャプションを備えた短いビデオクリップやデモでさえ、コンテキストなしでリリースされた洗練されたトラックよりも魅力的です。リスナーは最終製品を望んでいるだけではありません。彼らはその背後にある人を知りたいです。あなたがより正直で直接的であればあるほど、あなたの音楽はより多くの共鳴します。なぜなら、あなたが音を放送するだけでなく、実際に何かを伝えているとき、人々は気づき、彼らは固執しているからです。

新しい音楽プロデューサーの最終的な考え

音楽の制作は、技術的なステップだけではありません。これらのツールがアイデアを表現するのに役立つ方法です。当初は、プラグイン、ギア、無限のアドバイスに圧倒されるのは簡単です。しかし、鍵はすべてを一度に学ぶことではありません。シンプルを開始:セットアップに慣れ、耳を訓練し、なじみのないものを探求することを恐れないでください。

良いニュースは、あなたが始めるために高価なギアや正式な教育を必要としないことです。ラップトップ、いくつかのフリーソフトウェア、学習への真の関心だけで、あなたはすでに必要なものを持っています。他のすべてには、時間と練習が伴います。他の人がどのように機能し、アイデアを借り、あなたのスタイルに合うようにそれらを微調整し、間違いを犯すことを恐れないでください。すぐに機能するものよりも、何がうまくいかないかから多くを学びます。

あなたが自問し続けるべき質問の1つは、このトラックで本当に何を言おうとしているのかということです。それが意味が生きているところです。あなたの音楽が本当の何か、個人的なものを反映しているとき、それは共鳴します。最初に1人だけがそれに接続したとしても、それはまだ勝利です。結局、それは完璧についてではありません。それは正直に感じる何かを作ることです。そして、正直なところ、人々もそれを感じるでしょう。

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