Qu'est-ce que l'harmonie dans la musique

Ces éléments d’harmonie sont en étroite interaction. Une mélodie est perçue comme harmonieuse lorsqu'elle est créée selon certaines règles de combinaison de sons. Pour maîtriser ces règles, il est nécessaire de se familiariser avec les concepts de base de l'harmonie, c'est-à-dire avec les catégories qui sont à un degré ou à un autre liées au concept d'« harmonie ».

Intervalles

L'unité fondamentale de l'harmonie est l'intervalle, défini comme la différence en demi-tons entre deux notes de musique. Nous avons déjà rencontré la notion de demi-teintes dans des leçons précédentes, donc aucune difficulté particulière de compréhension n'est à prévoir.

Variétés d'intervalles simples :

• Prima – 0 demi-ton ou unisson ;
• Seconde mineure – 1 demi-ton ;
• Seconde majeure – 2 demi-tons ;
• Tierce mineure – 3 demi-tons ;
• Tierce majeure – 4 demi-tons ;
• Une quarte parfaite – 5 demi-tons ;
• Quarte augmentée – 6 demi-tons ou triton (3 tons) ;
• Quinte diminuée – 6 demi-tons ou triton (3 tons) ;
• Quinte parfaite – 7 demi-tons ;
• Sixte mineure – 8 demi-tons ;
• Sixte majeure – 9 demi-tons ;
• Septième mineure – 10 demi-tons ;
• Septième majeure
• Septième majeure – 11 demi-tons ;
• Octave – 12 demi-tons.

Ainsi, de simples intervalles signifient des différences dans le son des notes situées dans la même octave. Les intervalles supérieurs à une octave sont appelés intervalles composés.

Types d'intervalles composés :

• Mineur aucun – seconde mineure + octave = 13 demi-tons ;
• Majeur aucun – seconde majeure + octave = 14 demi-tons ;
• Décima mineure – tierce mineure + octave = 15 demi-tons ;
• Décima majeure – tierce majeure + octave = 16 demi-tons ;
• Undecima pure – quarte pure + octave = 17 demi-tons ;
• Undecima augmentée – quarte augmentée + octave = 18 demi-tons ;
• Duodécima diminuée – quinte diminuée + octave = 18 demi-tons ;
• Duodécima pure – quinte pure + octave = 19 demi-tons ;
• Troisième décimale mineure – sixième mineure + octave = 20 demi-tons ;
• Tercidecima majeure – sixième majeure + octave = 21 demi-tons ;
• Quartdécima mineur – septième mineure + octave = 22 demi-tons ;
• Quartdécima majeur – septième majeure + octave = 23 demi-tons ;
• Quintdécima – 2 octaves = 24 demi-tons.

La première et principale question : comment s'en souvenir ? Ce n'est en fait pas si difficile.

Comment et pourquoi mémoriser les intervalles

Apprendre et reproduire différents intervalles, ainsi que leurs noms, est important pour l'éducation musicale. Vous pouvez partir de n'importe quelle tonalité, puisque dans ce contexte le choix de la note de départ n'est pas critique. L'essentiel est de déterminer avec précision le nombre de demi-tons entre les notes. Par exemple, répéter la même touche crée un intervalle de 0 demi-ton, tandis que jouer sur deux touches adjacentes crée un intervalle de 1 demi-ton, et ainsi de suite. Dans l'application d'apprentissage, vous pouvez personnaliser le nombre de touches à l'écran pour plus de commodité.

Connaître les intervalles est important non seulement pour les connaissances théoriques, mais aussi pour les applications pratiques. La maîtrise de cette compétence vous permettra de sélectionner facilement des mélodies à l'oreille pour l'interprétation vocale et instrumentale. C’est la principale raison pour laquelle de nombreuses personnes commencent à apprendre à jouer d’instruments de musique comme la guitare, le violon, le piano ou la batterie.

De plus, connaître les noms des intervalles vous permettra de comprendre plus facilement les morceaux de musique basés sur certains accords, comme on le trouve souvent dans la musique rock. Par exemple, sachant qu'une quinte parfaite est composée de 7 demi-tons, vous pouvez facilement identifier et jouer des accords de quinte lorsque vous écoutez des lignes de basse, car ils sonnent généralement plus clairement, ce qui est particulièrement important pour les débutants.

Pour développer l’oreille musicale, il est important d’essayer de déterminer la tonalité fondamentale (tonique) d’un morceau de musique. Vous pouvez le faire à l’aide d’une application d’apprentissage ou d’un instrument réel, en jouant les notes à la recherche d’un accord avec la racine de la composition. Appuyer constamment sur les touches d'une octave ou jouer des notes sur une guitare aidera à déterminer la tonique à l'unisson.

Des méthodes supplémentaires pour développer l’oreille musicale seront abordées dans les leçons suivantes. Pour le moment, notre tâche principale est de visualiser pour vous le concept d'intervalle en musique. Les intervalles peuvent également être indiqués par degrés, où seuls les degrés principaux de la gamme sont pris en compte, sans compter les dièses et les bémols, ce qui est particulièrement utile pour les pianistes en raison de la clarté de l'emplacement des touches blanches. Cependant, pour la plupart des autres musiciens, il est plus pratique de compter les intervalles en demi-tons, car il n'y a pas de séparation visuelle des échelons sur les instruments.

À propos, le mot « harmonie » a de nombreuses significations et est directement lié au thème de l’harmonie.

Modes

Le deuxième élément clé de l’harmonie est le mode, dont le concept a évolué tout au long de l’histoire du solfège. Différentes époques ont proposé leurs propres interprétations du mode : comme un système de combinaison de notes, d'organisation de leurs interactions ou de hiérarchie de hauteurs sonores. La compréhension moderne tend à définir un mode comme une structure de relations musicales centrée autour d'une note ou d'une harmonie spécifique.

Pour simplifier, on peut, à l'instar des relations dans la vie, imaginer que l'harmonie en musique signifie une combinaison harmonieuse de sons, tout comme certaines familles disent vivre en harmonie.

Dans le contexte d'utilisation, le terme « mode » est souvent appliqué à des concepts tels que mineur et majeur. « Mineur », dérivé du latin mollis (« doux », « doux »), est associé à des œuvres musicales lyriques ou tristes. Tandis que « majeur », venant du latin majeur (« grand », « important »), est souvent associé à des compositions plus énergiques et optimistes.

Ainsi, les modes mineurs et majeurs sont les principaux types de modes, et les caractéristiques de chacun peuvent être visualisées en mettant en évidence les étapes (notes) qui distinguent le mineur du majeur :

Dans la perception quotidienne, on rencontre souvent une simple division du mineur en « triste » et du majeur en « joyeux ». Cependant, cela est assez arbitraire et ne correspond pas toujours à la réalité. Une composition mineure ne sonnera pas nécessairement triste, tout comme une composition majeure n’est pas toujours synonyme de joie. Cette observation est vraie depuis au moins le XVIIIe siècle. Par exemple, la « Sonate n° 16 en do majeur » de Mozart comporte des moments d'anxiété, tandis que la célèbre chanson pour enfants sur la sauterelle est écrite en ton mineur.

Le mineur et le majeur commencent par la tonique, qui sert de base à la gamme. S'ensuit une alternance de sons stables et instables, caractéristiques de chaque mode. Cela peut être comparé au processus de construction d’un mur, où des briques et du mortier sont nécessaires pour obtenir la résistance et la structure souhaitées.

Plus tard, vous rencontrerez le terme « accord ». Pour éviter toute confusion, il convient de noter que les degrés de gamme stable et les degrés d’accords fondamentaux sont des concepts différents. Pour les musiciens débutants, il est recommandé d'utiliser des doigtés d'accords prêts à l'emploi, dont les principes deviendront plus clairs au fur et à mesure que vous apprendrez les techniques de jeu et maîtriserez des mélodies simples.

Également dans la littérature musicale spéciale, vous pouvez trouver des références à des modes tels que ionien, dorien, phrygien, lydien, mixolydien, éolien et locrien. Ces modes sont formés à partir de la gamme majeure, où la tonique est choisie parmi l'un de ses degrés. On les appelle aussi modes naturels, diatoniques ou grecs.

Passons maintenant à l'examen des concepts de majeur et de mineur, qui sont le plus souvent utilisés dans la pratique musicale. Les termes « mode majeur » et « mode mineur » indiquent généralement des modes spécifiques au sein d’une tonalité harmonique. Regardons les définitions de la tonalité en général et de la tonalité harmonique en particulier.

Tonalité

Alors, quel est le concept de tonalité ? Comme pour de nombreux termes musicaux, il existe de nombreuses définitions de la tonalité. Le mot « tonalité » vient du latin « tonus » qui, dans le contexte de l'anatomie et de la physiologie, signifie tension et activité à long terme du système nerveux, sans entraîner de fatigue.

L’expression « restez sur vos gardes » est bien connue en dehors du contexte musical, et en musique, le sens de cette expression peut être interprété de la même manière. La mélodie et l'harmonie sont dans une certaine « tonalité musicale » tout au long de l'œuvre.

Comme mentionné, chaque mode, qu'il soit mineur ou majeur, provient de la tonique. Les modes mineur et majeur peuvent être construits à partir de n'importe quelle note choisie qui sert de base, ou de tonique, à la composition. La hauteur relative d'une frette par rapport à sa tonique détermine la tonalité. Par conséquent, le concept de tonalité peut être décrit à travers une formule simple.

Formule de tonalité :

Clé = tonique + mode

C'est pourquoi la définition de la tonalité est souvent donnée comme le principe du mode dont la catégorie principale est la tonique. Maintenant, résumons.

Principaux types de tons :

• Mineure;
• Majeur.

Comment interpréter cette formule tonale et ses variations dans la réalité ? Imaginons que nous écoutions un morceau de musique en tonalité mineure, basé sur la note « A ». Cela signifie que la pièce est interprétée dans la tonalité de la mineur (Am). Il est important de noter que les tonalités mineures sont indiquées en ajoutant un « m » à la tonique. Ainsi, le symbole Cm indique « do mineur », Dm indique « ré mineur », Em indique « mi mineur », et ainsi de suite.

Lorsqu'une notation clé utilise des lettres majuscules pour représenter des notes individuelles (C, D, E, F et autres), elle indique une tonalité majeure.
Ainsi, un morceau en do, ré, mi, fa sera respectivement dans les tonalités de do majeur, ré majeur, mi majeur, fa majeur. Les tonalités modifiées par rapport au degré de base de la gamme sont indiquées par des signes pointus et plats. Ainsi, F♯m ou G♯m indique « fa dièse mineur » ou « sol dièse mineur ». En revanche, les notations avec un bémol, comme A♭m (la bémol mineur) ou B♭m (si bémol mineur), indiquent des tonalités abaissées.

Dans les tonalités majeures, des signes dièse ou bémol sont placés à côté de la tonique sans symboles supplémentaires. Les exemples incluent C♯ (do dièse majeur), D♯ (ré dièse majeur), A♭ (la bémol majeur), B♭ (si bémol majeur). Il existe également des désignations de touches plus détaillées, où l'indication majeure ou mineure est utilisée, et les mots dièse ou bémol remplacent les signes dièse et bémol.

D'autres méthodes d'enregistrement des tonalités, moins couramment utilisées dans la pratique quotidienne, ne seront pas discutées en détail ici, mais peuvent être présentées sous forme de matériel illustratif pour votre référence.

Ce sont des options pour représenter les tonalités mineures et majeures :

Tous les types de tonalités mentionnés constituent la base de l'harmonie musicale, c'est-à-dire qu'ils déterminent le fond harmonique de l'œuvre.

Ainsi, la tonalité harmonique est un système basé sur les principes majeurs et mineurs de l'harmonie tonale.

De plus, il existe d'autres formes de tonalité. Regardons-les de plus près :

• Les tonalités du même nom sont basées sur la même tonique, mais appartiennent à des modes différents, par exemple « fa mineur » et « fa majeur » ;
• Les tonalités parallèles diffèrent par l'intervalle d'une tierce mineure (3 demi-tons) entre les toniques du mineur et du majeur, par exemple « la mineur » et « do majeur », « sol dièse mineur » et « si bémol majeur » ;
• Les touches d'un tiers ont une tierce commune et diffèrent d'une seconde mineure (1 demi-ton), par exemple, « do majeur » et « do dièse mineur » avec une tierce commune « mi ».

Balance

Afin de maîtriser facilement le concept d'échelle, vous devez avoir une compréhension claire de ce que sont le mode et la tonalité. Vous pouvez en apprendre davantage sur une analyse plus détaillée de ces sujets à partir d'articles précédents, qu'il est recommandé de lire pour une meilleure compréhension :))

Cinq articles courts et clairs vous y aideront.

En bref sur les modes et les touches :

• L'échelle est une méthode de classement des notes. Il existe de nombreuses méthodes (modes) de ce type, mais au cours des 400 dernières années, les plus populaires ont été les méthodes majeures et mineures, organisées autour de la note fondamentale. Les deux modes ont 7 pas (notes de hauteurs différentes) ;
• Gamma se forme lorsque les notes d'une gamme majeure ou mineure sont disposées par ordre croissant ou décroissant de tonique en tonique dans une ou plusieurs octaves. Ainsi, une gamme est une séquence de toutes les notes d'une gamme. En d’autres termes, ce sont les notes d’une gamme jouées séquentiellement de haut en bas sur un nombre quelconque d’octaves ;
• La tonalité détermine si une tonalité majeure ou mineure est tonique. Cela signifie choisir une note spécifique pour le premier degré, à partir de laquelle sont ensuite construits les autres degrés majeurs ou mineurs. Par exemple, le nom « Sol majeur » indique une tonalité dont le majeur commence par la tonique sur la note G. Des informations plus détaillées sur ce sujet sont contenues dans un article séparé, nous n'entrerons donc pas plus en profondeur ici.

En quoi une échelle diffère-t-elle d'une échelle ?

Une gamme est une série de sons classés par hauteur, ascendante ou descendante. Gamma est un type spécifique de gamme, construit selon un certain mode, par opposition à une simple liste de sons disposés en hauteur. Par conséquent, même si ces termes semblent similaires, ils présentent des différences. La gamme peut être interprétée dans n’importe quel ordre et contenir n’importe quel nombre de notes – de trois ou plus. Tandis que l'exécution d'une gamme implique la présence uniquement des sons appartenant à un certain mode, elle s'effectue de la tonique initiale à la finale, comprenant un minimum de 8 pas.

Entraînez-vous à jouer différents exemples de gammes et de gammes pour découvrir par vous-même les similitudes et les différences entre les gammes et les gammes.

Pourquoi jouer des gammes ?

• Premièrement, la pratique régulière des gammes contribue au développement de la technique de jeu, améliore la souplesse et la rapidité de mouvement des doigts. Les gammes et les passages similaires se retrouvent souvent dans les morceaux de musique, en particulier lorsque vous devez exécuter des passages rapides qui parcourent une séquence de notes dans la gamme. La maîtrise des gammes facilite grandement l'étude de tels fragments musicaux, réduisant le temps nécessaire à leur maîtrise ;
• Deuxièmement, la pratique des gammes améliore la capacité du musicien à naviguer dans une variété de touches et à trouver rapidement les notes appropriées. Peu de morceaux de musique se limitent à l’utilisation de touches blanches, comme c’est le cas du do majeur. En fait, la plupart des compositions incluent de nombreuses autres tonalités qui nécessitent une forte maîtrise des touches blanches et noires.