Qu'est-ce que la musique indie

La musique indépendante est souvent perçue comme un genre, mais en réalité c'est bien plus que cela - c'est une approche pour créer de la musique et poursuivre une carrière dans la musique. Le terme «indie» vient du mot «indépendant» et a fait référence à l'origine à des artistes et des groupes non associés aux principales maisons de disques. De tels musiciens ont produit et distribué leur musique de manière indépendante, en s'appuyant sur les principes de la liberté créative, de l'indépendance et de l'expérimentation. Ce sont ces principes qui ont constitué la base de ce qui est finalement devenu un phénomène culturel entier.

Depuis la fin des années 1970, lorsque des étiquettes indépendantes ont commencé à apparaître au Royaume-Uni en libérant du rock post-punk et alternatif, la scène indépendante a commencé à se développer activement. L'une des bandes emblématiques de cette période a été les Smith - leur contribution à la composante musicale et culturelle du mouvement indépendant est toujours considérée comme exemplaire. Au fil du temps, «Indie» est devenu non seulement une désignation d'une méthode de production, mais également associée à un certain style et à un certain atmosphère. Cependant, il est important de comprendre: la musique indépendante ne concerne pas une limitation stricte de genre, mais plutôt une façon de penser et de présenter.

La musique indépendante moderne couvre un grand nombre de genres: des folk indies au synth-pop, de Dream Pop à Indie R&B. Une caractéristique importante de ces morceaux est l'individualité clairement exprimée de l'artiste. De nombreux artistes indépendants ne se concentrent pas sur la création d'une histoire holistique, comme c'est coutume dans la musique pop, mais sur la transmission d'une émotion ou d'un état spécifique. C'est ce qui crée l'effet de la proximité et rend la musique vraiment personnelle.

Indie, une attention particulière est accordée au son. Même si l'artiste expérimente la musique électronique ou le hip-hop, ses morceaux ont presque toujours une base instrumentale en direct - des guitares acoustiques ou électriques, des tambours, parfois même des instruments inhabituels pour la scène grand public. Cette «lourdeur instrumentale» constitue souvent un son indie reconnaissable, même si l'artiste n'adhère pas aux canons de la musique rock.

De nombreux artistes indépendants préfèrent rester en dehors des grands labels afin de maintenir une autonomie créative. Il est important pour eux que la production, la conception visuelle et les compositions elles-mêmes reflètent leurs idées intérieures et non les objectifs marketing de l'entreprise. Cependant, certains artistes, tels que Chance the Rapper ou Bon Iver, malgré le succès et la coopération avec les principaux labels, conservent toujours des éléments de l'approche indépendante - en son, un sujet et un esprit indépendant.

Dans ce contexte, l'Indie est devenue perçue non seulement comme un style, mais aussi comme une alternative au courant dominant. C'est une sorte de plate-forme créative sur laquelle vous pouvez expérimenter sans crainte de perdre votre public. La musique indépendante gagne précisément en raison de son originalité, du rejet des modèles et du désir de parler honnêtement - que ce soit à travers le son, les paroles ou l'esthétique visuelle.

Aujourd'hui, la frontière entre l'Indie et le courant dominant est floue. Les artistes peuvent être publiés sur des étiquettes majeures, mais conserver toujours un son indépendant, ou vice versa - restent complètement indépendants mais non moins professionnels. Cependant, une chose reste inchangée: la musique indépendante est un territoire de liberté personnelle, d'expression de soi et de décisions audacieuses.

Vous voulez apprendre à connaître cette direction plus profonde? Commencez avec de petites étiquettes indépendantes, des plates-formes comme BandCamp, SoundCloud ou même des listes de lecture sur les services de streaming. Là, vous trouverez de la musique qui a encore cet esprit indépendant - libre, vivant et différent de quoi que ce soit d'autre.

«Indie» et «Musique indépendante»: pas la même chose

Dans l'industrie de la musique, les mots «indie» et «indépendants» ressemblent souvent à la même chose, mais en fait il y a une différence subtile mais importante entre eux. Pour comprendre le marché de la musique moderne et naviguer dans les termes, il vaut la peine de séparer ces concepts et de les regarder séparément.

La musique indépendante est, tout d'abord, une façon d'organiser et de produire. Nous parlons de musique publiée sans la participation de grands labels et de sociétés. Cette approche signifie une autonomie complète ou partielle de l'artiste en matière de création, d'enregistrement, de promotion et de distribution des pistes. Le musicien lui-même décide comment son travail sonnera, avec qui collaborer, comment construire une image visuelle et une stratégie pour atteindre le public. Souvent, l'approche DIY est au cœur: tout est fait par vous-même ou avec la participation d'une petite équipe. Dans le même temps, la musique indépendante n'a aucune restriction de genre - il peut s'agir de la musique électronique, du rap, du chanson ou de la composition académique.

Mais le terme «indie» s'est progressivement éloigné de la signification étroite de «indépendante» et est venue à indiquer non pas tant une méthode de libération qu'un certain style et une certaine approche. La musique indépendante est une direction dans laquelle l'accent est mis sur l'originalité, l'émotivité, les arrangements non standard et le désir d'aller au-delà des limites habituelles des genres. Même si un artiste indépendant signe à un moment donné un contrat avec un label majeur, sa musique peut toujours être perçue comme «indie» - en raison de son son caractéristique, de sa présentation et de sa présentation créative.

Cette différence est clairement visible dans les exemples. Un musicien peut sortir un album acoustique avec l'aide d'un petit label indépendant, sans s'écarter des normes habituelles de la musique folk ou pop - il sera indépendant, mais pas nécessairement indie. Dans le même temps, un autre artiste peut collaborer avec un label majeur, mais continuer à créer une musique expérimentale atypique avec un style d'auteur clairement exprimé - et il continuera d'être appelé un artiste indépendant.

Ainsi, «indépendant» concerne davantage le format et la structure: qui libère la musique et comment. Et «Indie» concerne l'atmosphère et l'approche de la créativité. Ces concepts se chevauchent, mais ils ne sont pas interchangeables. Il est important de comprendre la différence, surtout si vous êtes intéressé par l'industrie de la musique ou prévoyez de publier votre propre musique.

Comment la musique indépendante est née: un regard en arrière

Précurseurs musicaux du mouvement indépendant

Avant que le terme «indie» ne soit inventé, le monde de la musique avait déjà commencé à changer. Dans les années 1960, des artistes comme les Beatles et les Beach Boys ont commencé à rompre avec les modèles de musique pop, introduisant de nouvelles formes, des idées et des techniques d'enregistrement. Bob Dylan a apporté de la poésie et de la protestation au rock, et Nick Drake a développé l'esthétique mélancolique de la chambre qui deviendrait plus tard caractéristique du folk indépendant. Le choc a combiné l'énergie du punk avec un programme social. Ces artistes ont non seulement expérimenté, mais ont également affirmé le droit à un chemin indépendant - exactement ce qui a constitué la base de la future scène indie.

L'émergence de la scène indie comme un phénomène indépendant

À la fin des années 70 et au début des années 80, la musique indépendante a finalement pris forme en tant que mouvement. Cela s'est produit simultanément au Royaume-Uni et aux États-Unis, où les groupes ont commencé à émerger qui ont rejeté la pression des étiquettes majeures. Ils étaient unis par leur focalisation sur la liberté d'expression, l'enregistrement indépendant et la pensée alternative. Indie est devenu non seulement un style, mais un moyen de résister à la formule commerciale de la musique.

Les Smiths ont établi une nouvelle norme pour les guitares indies britanniques: les paroles profondes et un rejet de brillant externe. Les albums «Meat Is Murder» et «The Queen Is Dead» ont non seulement réussi, mais aussi idéologiquement significatif pour une génération entière. Les Buzzcocks, à leur tour, ont montré comment le punk pouvait devenir la base d'une scène indépendante - leur sortie "Spiral Scratch" est devenue un symbole de l'approche de bricolage de la musique.

La scène américaine s'est développée en parallèle, mais avec ses propres accents. REM a offert un son plus doux et plus enveloppant avec «Murmur», qui a formé la base du son indie américain. À Minneapolis, les remplaçants ont publié le «LET IT IT BE» brut et chargé émotionnellement, et Hüsker Dü, avec leur «arcade zen» agressive mais conceptuelle, prouvèrent que même le hardcore pouvait être intelligent. Ces groupes ont formé le cœur de l'Indie américaine et ont jeté les fondements de dizaines de tendances futures.

L'évolution de la musique indépendante: les années 80 et 90

Dans les années 1980, la musique indépendante a commencé à se développer considérablement aux États-Unis et au Royaume-Uni. En commençant par le rock post-punk et de guitare, il a rapidement acquis une gamme de sons plus large. Des groupes comme Rem, The Pixies et Sonic Youth ont commencé à expérimenter la forme et le bruit, ouvrant la voie à de nouveaux sous-genres. Noise Rock, Jangle Pop, Shoegaze - Tous ces styles ont émergé dans la scène indépendante. Des morceaux comme «Bull in the Heather» de Sonic Youth et «Heaven ou Las Vegas» de Cocteau Twins sont devenus des symboles de l'époque et ont mis le bar pour les artistes indépendants à venir.

Les Pixies ont apporté une contribution particulière au développement du son indépendant. Leur composition "Où est mon esprit?" Avec sa dynamique non conventionnelle et son fort contraste émotionnel sont devenus un classique culte et ont ensuite inspiré toute une génération de musiciens - de Radiohead à Nirvana. Dans le même temps, les Smith sont restés les autorités sur la scène indie britannique, leur influence s'est senti même ressenti des années après la rupture du groupe. Sous leur influence, une nouvelle génération d'artistes a grandi pour qui la guitare et le confessionnal personnel sont devenus la base d'une langue musicale.

Le Royaume-Uni ne faisait pas exception. L'émergence de Britpop au début des années 90 a donné à la scène indépendante un nouveau son et un nouveau visage. Oasis et Blur sont devenus les produits phares du mouvement. L'album d'Oasis «définitivement peut-être» a été la première hirondelle de la nouvelle vague et a dépassé les charts au Royaume-Uni. Bien que ces groupes aient commencé à collaborer plus tard avec des labels majeurs, leurs racines, leur esthétique et leur approche de la musique sont restés étroitement liés au mouvement indépendant.

D'ici le milieu à la fin des années 90, l'Indie se détenait toujours, avec des groupes émergeant qui ne se souciaient pas des restrictions formelles. Stéréolab a combiné des éléments de Krautrock et de l'électronica rétro. L'hôtel du lait neutre a amené les folk et les psychédéliques à l'indie, en particulier dans l'avion au-dessus de la mer. Disco Inferno a expérimenté l'échantillonnage et les textures, avant leur temps. La scène emo commençait également à s'épanouir, avec Weezer et le football américain offrant des paroles mélancoliques, des paroles personnelles, des arrangements simples et une livraison sincère, combler l'écart entre l'Indie et la nouvelle vague d'Emo Rock.

Indie dans les années 2000: une décennie de nouveaux sons et d'acceptation de masse

Les années 2000 ont vu la musique indépendante entrer dans le courant dominant, avec des groupes comme Modest Mouse, Bright Eyes, Death Cab for Cutie, The Killers et Arctic Monkeys pour réussir.

Le début des années 2000 a vu les groupes indépendants commencer à aller au-delà de leurs scènes locales et à devenir un nom familier sur la scène mondiale. Les Killers, qui se sont formés à Las Vegas en 2001, sont rapidement devenus des stars mondiales, avec leur single à succès «M. Brightside» vendant plus de 28 millions de disques dans le monde. Arctic Monkeys a fait ses débuts au Royaume-Uni en 2006 avec «tout ce que les gens disent que je suis, c'est ce que je ne suis pas», qui s'est vendu à plus de 363 000 exemplaires au cours de sa première semaine et a remporté le prix Mercury.

En plus d'eux, Modest Mouse gagnait en popularité aux États-Unis avec «Float on», Bright Eyes avec «First Day of My Life» et Death Cab for Cutie avec «Je vais vous suivre dans l'obscurité». Ces chansons ont cimenté l'Indie comme une partie importante du paysage musical des années 2000.

Emo Music a également continué à gagner en popularité, avec des groupes comme My Chemical Romance et Fall Out Boy dominant les charts avec des morceaux comme «Welcome To the Black Parade» et «Sugar, We Goin Down».

Bien que Emo Rock ait existé séparément, son succès dans les années 2000 se chevaucha avec la scène indépendante dans sa sincérité, son son et sa façon de communiquer avec le public. Ces pistes sont devenues populaires, mais ont conservé un esprit indépendant.

«Bienvenue à The Black Parade» et «Sugar, nous descendons» étaient plus que de simples succès - ils ont exprimé l'humeur d'une jeune génération à la recherche d'authenticité et d'émotion brute, ce qui a rapproché l'Emo de l'esthétique indépendante.

Les années 2000 ont également connu une augmentation significative du nombre de musiciens indépendants.

Depuis 2003, le nombre d'artistes indépendants a augmenté de 71%, selon le Bureau américain des statistiques du travail. Les plateformes en ligne ont ouvert la voie aux musiciens pour atteindre le public sans l'implication des étiquettes. Dans le même temps, le vinyle est revenu à la mode - 6 millions de disques ont été vendus en 2013 seulement. De nombreux artistes indépendants ont commencé à sortir des albums dans des formats analogiques, cherchant à préserver le sentiment d'écoute physique et significative.

Musique indépendante après 2010: brouillage des frontières et New Horizons

Dans les années 2010, la musique indépendante a continué d'évoluer, de diversifier et parfois d'entrer dans le courant dominant.

Indie a cessé d'être un genre au sens traditionnel - c'est devenu une façon de penser. Vampire Weekend, Tame Impala et Sufjan Stevens ont élargi leur son, combinant de la musique à base de guitare avec des éléments de la pop, de la psychédélie et du folk. Ces artistes ont non seulement donné le ton à la scène indépendante, mais ont également fait partie de l'agenda grand public.

Des morceaux comme «A-Punk» de Vampire Weekend, «Let It Happen» par Tame Impala et «Chicago» de Sufjan Stevens capturent l'esprit de la décennie - audacieux, original et non conventionnel.

La musique indépendante dans les années 2010 a montré sa diversité, avec des actes folk et country comme les Lumineers, Mumford & Sons et les Avett Brothers, des artistes électroniques comme Four Tet, Caribou et Jamie XX et des artistes hip-hop comme Kendrick Lamar, Drake et Frank Ocean.

Indie est devenu une zone croisée entre les genres. Arcade Fire, Vampire Weekend et Lorde ont sorti des albums où le rock, la pop et l'électronica coexistaient en termes égaux. Dans le même temps, les artistes hip-hop et R&B comme Kendrick Lamar et Frank Ocean sont également devenus partie du discours indépendant grâce à leur approche indépendante et à leur liberté artistique.

«Royals», «Channel Orange» et «To Pimp a Butterfly» sont des exemples de la façon dont l'approche «indépendante» a commencé à influencer les versions les plus populaires de la décennie.

Indie Electronica a également acquis une importance au cours de cette période, avec des artistes comme James Blake, M83 et Chvrches redéfinissant le genre.

La scène électronique a acquis un nouveau visage: Ambient, Synth-pop et Soul sont devenus ses composants. Blake, M83 et Chvrches ont utilisé des instruments électroniques non pas pour la danse, mais pour créer une humeur, une intonation, une émotion.

«Retrograde», «Midnight City» et «The Mother We Share» sont devenus les bandes sonores de l'Indie Electronica des années 2010 - reconnaissable mais distinctive.

Le paysage musical indépendant des années 2010 a résisté à une catégorisation claire en raison de changements dans la façon dont nous consommons la musique et l'influence de la pop.

Les services de streaming, les listes de lecture et les algorithmes ont rendu les genres moins significatifs. Les auditeurs ont cessé de penser dans les catégories - ils ont choisi de la musique en fonction de la sensation, pas du format. Les albums ont cédé la place aux singles et aux étapes aux artistes individuels.

Conclusion: Indie est un genre vivant et changeant

Caractérisée par sa diversité et sa nature évolutive, la musique indépendante a toujours progressé par l'indépendance, l'expérimentation et la créativité.

Depuis les années 1960, l'Indie est une plate-forme pour les artistes distinctifs qui ignorent la convention et le courant dominant.

Pour les artistes indépendants et les passionnés, la compréhension de l'histoire du genre est essentielle pour façonner leur propre expression musicale.
L'histoire de l'Indie est le fondement sur lequel se construit un style personnel et une approche de musique.

La scène indépendante a la réputation de produire des artistes innovants qui défient la catégorisation, démontrant l'adaptabilité inhérente au genre.

Le genre se transforme constamment, tout en restant pertinent et ouvert aux nouvelles formes.

Alors que nous regardons vers l'avenir, il est impératif de reconnaître la riche histoire de la musique indépendante et les artistes qui ont contribué à son développement.

C'est la continuité qui maintient l'Indie en vie et résilient dans un paysage musical en évolution rapide. En s'inspirant de leur travail et en embrassant leur esprit d'expérimentation, nous pouvons continuer à redéfinir la musique indépendante et à le garder pertinent dans le paysage musical d'aujourd'hui.

Le 28 avril, Activ8te publiera le morceau «All We Do Is Shine (feat. Footleg)», poursuivant la tradition du son indépendant.