インディー音楽とは何ですか

インディー音楽はしばしばジャンルとして認識されますが、実際にはそれはそれ以上のものです。音楽を作成し、音楽のキャリアを追求するアプローチです。「インディー」という用語は「独立」という言葉に由来し、もともと主要なレコードラベルに関連付けられていないアーティストやバンドに言及されていました。このようなミュージシャンは、創造的な自由、独立、実験の原則に依存して、独立して音楽をプロデュースし、配布しました。これらの原則が、最終的に文化的現象となったものの基礎を形成しました。

1970年代後半から、独立したラベルが英国に登場し始めたとき、ポストパンクとオルタナティブロックをリリースしていたとき、インディーシーンは積極的に発展し始めました。この時代の象徴的なバンドの1つはスミスでした。インディー運動の音楽的および文化的要素への貢献は、依然として模範的と考えられています。時間が経つにつれて、「インディー」は生産方法の指定であるだけでなく、特定のスタイルと雰囲気にも関連しています。ただし、理解することが重要です。インディーミュージックは、厳格なジャンルの制限ではなく、考え方とプレゼンテーションの方法に関するものです。

モダンなインディーミュージックは、インディーフォークからシンセポップ、ドリームポップからインディーR＆Bまで、膨大な数のジャンルをカバーしています。このようなトラックの重要な特徴は、アーティストの明確に表現された個性です。多くのインディーアーティストは、ポップミュージックで慣習的であるように、総合的なストーリーを作成するのではなく、特定の感情や状態を伝えることに焦点を当てています。これが近さの効果を生み出し、音楽を本当に個人的なものにします。

インディー、音に特別な注意が払われます。アーティストが電子音楽やヒップホップで実験したとしても、彼のトラックにはほとんどの場合、アコースティックまたはエレクトリックギター、ドラム、主流のシーンの珍しい楽器など、ライブインストゥルメンタルベースがあります。この「インストゥルメンタルヘビー」は、アーティストがロックミュージックのカノンに固執していなくても、しばしば認識可能なインディーサウンドを形成します。

多くの独立したアーティストは、創造的な自律性を維持するために、主要なラベルの外にとどまることを好みます。彼らにとって、制作、視覚デザイン、作曲自体が彼らの内なるアイデアを反映しており、会社のマーケティング目標ではないことが重要です。しかし、チャンス・ザ・ラッパーやボン・アイバーなどの一部のアーティストは、主要なラベルとの成功と協力にもかかわらず、依然としてインディーアプローチの要素を保持しています。

この背景に対して、インディーはスタイルとしてだけでなく、主流の代替としても認識されています。これは、視聴者を失うことを恐れることなく実験できるような創造的なプラットフォームです。インディーミュージックは、その独創性、テンプレートの拒否、そして正直に話すという欲求のために、正確に勝ちます。

今日、インディーと主流の間の境界線はぼやけています。アーティストは主要なラベルでリリースできますが、それでもインディーサウンドを保持するか、またはその逆も完全に独立していますが、サウンドはそれほど専門的ではありません。しかし、1つのことは変わらないことです。インディー音楽は、個人の自由、自己表現、大胆な決定の領域です。

この方向をより深く知りたいですか？小さなインディーラベル、BandCamp、SoundCloudなどのプラットフォーム、またはストリーミングサービスのプレイリストから始めます。そこには、まだそのインディースピリットがある音楽があります。

「インディー」と「独立音楽」：同じものではありません

音楽業界では、「インディー」と「独立」という言葉はしばしば同じように聞こえますが、実際には微妙であるが重要な違いがあります。現代の音楽市場を理解し、用語をナビゲートするために、これらの概念を分離し、それらを別々に見る価値があります。

独立した音楽は、まず第一に、組織化とプロデュースの方法です。私たちは、主要なラベルや企業の参加なしにリリースされた音楽について話しています。このアプローチは、トラックの作成、録音、促進、および配布の問題におけるアーティストの完全または部分的な自律性を意味します。ミュージシャン自身は、自分の作品がどのように聞こえるか、誰と協力するか、視覚的なイメージを構築する方法、一般に到達するための戦略を決定します。多くの場合、DIYアプローチはコアにあります。すべてが自分で、または小さなチームの参加によって行われます。同時に、独立した音楽にはジャンルの制限はありません。電子音楽、ラップ、シャンソン、アカデミックな構成です。

しかし、「インディー」という用語は、「独立」の狭い意味から徐々に移動し、特定のスタイルとアプローチほどリリースの方法ではないことを示しています。インディー音楽は、強調が独創性、感情、非標準的なアレンジメント、そしてジャンルの通常の境界を超えたいという欲求にシフトされる方向です。ある時点のインディーアーティストがメジャーレーベルとの契約に署名したとしても、彼の音楽は、その特徴的な音、イメージ、創造的なプレゼンテーションのために、まだ「インディー」として認識される可能性があります。

この違いは、例では明らかに見えます。 1人のミュージシャンは、通常のフォーク音楽やポップミュージックの基準から逸脱することなく、小さな独立したレーベルの助けを借りてアコースティックアルバムをリリースできます。彼は独立していますが、必ずしもインディーではありません。同時に、別のアーティストはメジャーレーベルと協力することができますが、明確に表現された著者のスタイルで非定型の実験的な音楽を作成し続けます。彼は引き続きインディーアーティストと呼ばれます。

したがって、「独立」とは、フォーマットと構造に関するものです。誰が音楽をリリースし、その方法をリリースします。そして、「インディー」は、創造性への雰囲気とアプローチに関するものです。これらの概念は重複しますが、交換可能ではありません。特に音楽業界に興味があるか、自分の音楽をリリースする計画を立てる場合は、違いを理解することが重要です。

インディー音楽がどのように生まれたか：振り返ります

独立した運動の音楽前駆体

「インディー」という用語が造られる前に、音楽の世界はすでに変化し始めていました。 1960年代、ビートルズやビーチボーイズのようなアーティストは、ポップミュージックのテンプレートから脱却し始め、新しいフォーム、アイデア、レコーディングテクニックを紹介しました。ボブ・ディランは詩と抗議をロックにもたらし、ニック・ドレイクは後にインディーズの人々の特徴になるメランコリックな美学である部屋を開発しました。この衝突は、パンクのエネルギーと社会的アジェンダを組み合わせました。これらのアーティストは、実験するだけでなく、独立したパスに対する権利を主張しました。まさに将来のインディーシーンの基礎を形成したものです。

独立した現象としてのインディーシーンの出現

70年代後半から80年代前半、インディー音楽はついに動きとして形になりました。これは、英国と米国で同時に起こりました。そこでは、主要なラベルの圧力を拒否したバンドが出現し始めました。彼らは、表現の自由、独立した録音、代替思考に焦点を当てることによって団結しました。インディーは単なるスタイルではなく、音楽の商業式に抵抗する方法になりました。

スミスは、イギリスのインディーの新しい基準を設定しました：リンギングギター、ディープン歌詞、外部光沢の拒絶。アルバム「Meat Is Murder」と「The Queen Is Dead」は成功するだけでなく、世代全体でイデオロギー的に重要でした。バズコックは、パンクがどのように独立したシーンの基礎になることができるかを示しました。彼らのリリース「スパイラルスクラッチ」は、音楽へのDIYアプローチの象徴になりました。

アメリカのシーンは並行して開発されましたが、独自のアクセントがありました。 REMは、アメリカのインディーサウンドの基礎を形成した「雑音」でより柔らかく、より包む音を提供しました。ミネアポリスでは、代替品が生と感情的に充電された「Let It Be」をリリースし、HüskerDüは攻撃的だが概念的な「Zen Arcade」で、ハードコアでさえもインテリジェントであることを証明しました。これらのバンドはアメリカのインディーの中核を形成し、数十の将来の傾向の基礎を築きました。

インディー音楽の進化：80年代と90年代

1980年代に、インディー音楽は米国と英国の両方で大幅に発展し始めました。ポストパンクとギターロックから始めて、すぐにより広い範囲のサウンドを獲得しました。 REM、The Pixies、Sonicの若者などのバンドは、フォームとノイズを実験し始め、新しいサブジャンルへの道を開きました。ノイズロック、ジャングルポップ、シューゲイズ - これらのすべてのスタイルは、独立したシーン内に現れました。ソニックユースの「ヘザーのブル」やコクトーツインズの「天国またはラスベガス」などのトラックは、時代の象徴となり、インディーアーティストが来るバーを設定しました。

ピクシーは、インディーサウンドの開発に特別な貢献をしました。彼らの作曲「私の心はどこですか？」その型破りなダイナミクスと強い感情的コントラストにより、カルトクラシックになり、後にラジオヘッドからニルヴァーナまで、ミュージシャン全体にインスピレーションを与えました。同時に、スミスはイギリスのインディーシーンで当局のままであり、バンドが解散してから何年も経っても彼らの影響力は感じられました。彼らの影響の下で、ギターと個人的な告白が音楽言語の基礎となる新世代のパフォーマーが育ちました。

英国も例外ではありませんでした。 90年代前半のブリットポップの出現により、インディーシーンには新しい音と顔が与えられました。オアシスとブラーは運動の旗艦になりました。 Oasisのアルバム「Encisonory Mayce」はニューウェーブの最初のツバメであり、英国のチャートを突破しました。これらのバンドは後に主要なラベルと協力し始めましたが、そのルーツ、美学、音楽へのアプローチは、インディームーブメントに密接に関連したままでした。

90年代半ばから後半までに、インディーはまだ拡大しており、正式な制限を気にしないバンドが出現しています。ステレオラブは、クラウートロックとレトロエレクトロニカの要素を組み合わせたものです。ニュートラルミルクホテルは、特に海上の飛行機でフォークとサイケデリアをインディーに連れてきました。 Disco Infernoは、サンプリングとテクスチャを実験しました。エモのシーンも繁栄し始めており、ウィーザーとアメリカンフットボールはメランコリックで個人的な歌詞、シンプルなアレンジメント、心からの配信を提供し、インディーとエモロックのニューウェーブの間のギャップを埋めました。

2000年代のインディー：10年の新しいサウンドと大衆の受け入れ

2000年代には、インディーミュージックが主流に入りました。モデストマウス、ブライトアイズ、キューティー用のデスキャブ、キラー、北極モンキーなどのバンドが商業的な成功を収めました。

2000年代初頭には、インディーバンドが地元のシーンを超えて移動し始め、グローバルステージで一般名になり始めました。 2001年にラスベガスで結成されたキラーズは、世界中で2,800万件以上のレコードを販売しているヒットシングル「Mr. Brightside」を販売して、すぐにグローバルスターになりました。 Arctic Monkeysは、2006年に英国でデビューしました。「誰もが私が言っていること、それは私がそうではないことです」で、最初の週に363,000コピー以上を販売し、Mercury賞を受賞しました。

それらに加えて、Modest Mouseは米国で「フロートオン」、「私の人生の最初の日」で明るい目、「私はあなたを暗闇に追いかけます」とキューティーのデスキャブで人気を集めていました。これらの歌は、2000年代の音楽景観の重要な部分としてインディーを固めました。

エモミュージックも人気を博し、My Chemical RomanceやFall Out Boyのようなバンドが「Welcome to the Black Parade」や「Sugar、We Goin Down」などのトラックでチャートを支配しています。

エモロックは別々に存在していましたが、2000年代の成功は、誠実さ、健全、観客とコミュニケーションする方法でインディーシーンと重なり合っています。これらのトラックは人気がありましたが、独立した精神を保持しました。

「Welcome to the Black Parade」と「Sugar、Wous Goin Down」は単なるヒット以上のものでした。彼らは、エモをインディーの美学に近づけた真正性と生の感情を求めて若い世代の雰囲気を表現しました。

2000年代には、インディーミュージシャンの数が大幅に増加しました。

2003年以来、米国労働統計局によると、独立したアーティストの数は71％増加しています。オンラインプラットフォームは、ミュージシャンがラベルの関与なしに視聴者にリーチする方法を開きました。同時に、ビニールはファッションに戻ってきました。2013年だけで600万のレコードが販売されました。多くのインディーアーティストは、アルバムのリリースをアナログ形式でリリースし始めており、身体的で意味のあるリスニングの感覚を維持しようとしています。

2010年以降のインディーミュージック：blurling borders and new Horizons

2010年代には、インディーミュージックが進化し、多様化し、時には主流に入り続けました。

インディーは伝統的な意味でジャンルになることをやめました。それは考え方になりました。 Vampireの週末、Tame Impala、Sufjan Stevensはサウンドを拡大し、ギターベースの音楽とポップ、サイケデリア、フォークの要素を組み合わせました。これらのアーティストは、インディーシーンのトーンを設定するだけでなく、主流のアジェンダの一部にもなりました。

ヴァンパイアウィークエンドの「A-Punk」のようなトラック、Tame Impalaの「Let It Daves」、Sufjan Stevensの「Chicago」の「Let It Daves」は、大胆で独創的で型破りな10年の精神を捉えています。

2010年代のインディーミュージックは、Lumineers、Mumford＆Sons、Avett Brothers、Avett Brothers、Four Tet、Caribou、Jamie XXなどのエレクトロニックアーティスト、Kendrick Lamar、Drake、Frank Oceanなどのヒップホップアーティストなど、その多様性を示しました。

インディーはジャンル間のクロスオーバーゾーンになりました。アーケードファイア、ヴァンパイアウィークエンド、ロードは、ロック、ポップ、エレクトロニカが平等に共存したアルバムをリリースしました。同時に、ケンドリック・ラマーやフランク・オーシャンのようなヒップホップとR＆Bのアーティストも、独立したアプローチと芸術的自由のおかげでインディーの談話の一部になりました。

「ロイヤルズ」、「チャンネルオレンジ」、「蝶を盛り上げる」という例は、「独立した」アプローチが10年の最も人気のあるリリースにどのように影響し始めたかの例です。

この期間中にインディーエレクトロニカも目立ちました。ジェームズブレイク、M83、CHVRCHESなどのアーティストがこのジャンルを再定義しました。

電子シーンは新しい顔を獲得しました。アンビエント、シンセポップ、ソウルがそのコンポーネントになりました。 Blake、M83、およびChvrchesは、ダンス用ではなく、気分、イントネーション、感情を作り出すために電子機器を使用しました。

「Retrograde」、「Midnight City」、および「The Mother We Share」は、2010年代のインディーエレクトロニカのサウンドトラックになりました。

2010年代のインディー音楽の風景は、音楽の消費方法とポップの影響の変化により、明確な分類に抵抗しました。

ストリーミングサービス、プレイリスト、およびアルゴリズムにより、ジャンルは意味の低いものになりました。リスナーはカテゴリでの考えをやめました。彼らは、フォーマットではなく感触に基づいて音楽を選びました。アルバムはシングルに道を譲り、個々のアーティストにステージを付けました。

結論：インディーは生きている変化するジャンルです

その多様性と進化する性質を特徴とするインディー音楽は、独立、実験、創造性を通じて一貫して前進してきました。

1960年代以来、インディーはコンベンションや主流を無視する独特のアーティストのためのプラットフォームです。

インディーアーティストや愛好家にとって、ジャンルの歴史を理解することは、自分の音楽表現を形作るために不可欠です。
インディーの歴史は、音楽への個人的なスタイルとアプローチが構築される基盤です。

インディーシーンは、分類を拒否する革新的なアーティストをプロデュースすることで評判があり、このジャンルに固有の適応性を実証しています。

このジャンルは常に変化していますが、関連性があり、新しいフォームに開かれています。

未来に目を向けると、インディー音楽の豊かな歴史とその発展に貢献したアーティストを認めることが不可欠です。

急速に変化する音楽の景観でインディーを生かし、回復力を維持するのは継続性です。彼らの作品からインスピレーションを得て、実験の精神を受け入れることで、私たちはインディー音楽を再定義し続け、今日の音楽の景観に関連し続けることができます。

4月28日、Activ8teはトラック「All We Do Is Shine（Feat。Footleg）」をリリースし、独立したサウンドの伝統を継続します。