인디 음악은 무엇입니까?

인디 음악은 종종 장르로 인식되지만 실제로는 그 이상입니다. 음악을 만들고 음악 분야의 경력을 추구하는 접근 방식입니다. "인디"라는 용어는 "독립"이라는 단어에서 유래하며 원래 주요 레코드 레이블과 관련이없는 아티스트와 밴드를 지칭합니다. 그러한 음악가들은 창의적 자유, 독립성 및 실험의 원칙에 의존하여 음악을 독립적으로 제작하고 배포했습니다. 결국 전체 문화적 현상이 된 것이 기초를 형성 한 것은 이러한 원칙이었습니다.

1970 년대 후반 이래 영국에서 독립적 인 레이블이 출시되기 시작한 이래 펑크와 대체 록을 출시하기 시작한 인디 장면은 적극적으로 발전하기 시작했습니다. 이시기의 상징적 인 밴드 중 하나는 Smiths였습니다. 인디 운동의 음악적, 문화적 구성 요소에 대한 그들의 기여는 여전히 모범적 인 것으로 간주됩니다. 시간이 지남에 따라“인디”는 생산 방법의 지정뿐만 아니라 특정 스타일과 분위기와 관련이 있습니다. 그러나 이해하는 것이 중요합니다. 인디 음악은 엄격한 장르 제한에 관한 것이 아니라 사고와 표현의 방식에 관한 것입니다.

Modern Indie Music은 인디 민속에서 신디 팝, 드림 팝에서 인디 R & B에 이르기까지 수많은 장르를 다룹니다. 이러한 트랙의 중요한 특징은 예술가의 명확하게 표현 된 개성입니다. 많은 인디 아티스트는 팝 음악의 관습과 마찬가지로 전체적인 이야기를 만드는 것이 아니라 하나의 특정 감정이나 상태를 전달하는 데 중점을 둡니다. 이것이 친밀감의 영향을 만들고 음악을 진정으로 개인적으로 만듭니다.

인디, 소리에 특별한 관심을 기울입니다. 아티스트가 전자 음악이나 힙합을 실험하더라도 그의 트랙은 거의 항상 살아있는 도구 기반과 같은 음향 또는 일렉트릭 기타, 드럼, 때로는 주류 장면을위한 특이한 악기도 있습니다. 이 "악기 무거움"은 아티스트가 록 음악의 캐논을 준수하지 않더라도 종종 인식 가능한 인디 사운드를 형성합니다.

많은 독립 예술가들은 창의적인 자율성을 유지하기 위해 주요 레이블 외부에 남아있는 것을 선호합니다. 제작, 시각적 디자인 및 작곡 자체는 회사의 마케팅 목표가 아니라 내면의 아이디어를 반영하는 것이 중요합니다. 그러나 Chance the Rapper 또는 Bon Iver와 같은 일부 예술가들은 주요 레이블과의 성공과 협력에도 불구하고 여전히 소리, 주제 및 독립적 인 정신으로 인디 접근의 요소를 유지합니다.

이러한 배경에서 인디는 스타일뿐만 아니라 주류의 대안으로 인식되었습니다. 청중을 잃을 까봐 두려워하지 않고 실험 할 수있는 일종의 창의적인 플랫폼입니다. 인디 음악은 독창성, 템플릿 거부 및 정직하게 말하려는 욕구로 인해 소리, 가사 또는 시각적 미학을 통해 정직하게 말하려는 욕구로 인해 정확하게 승리합니다.

오늘날 인디와 주류 사이의 경계는 흐려집니다. 아티스트는 주요 레이블로 출시 될 수 있지만 여전히 인디 사운드를 유지하거나 그 반대도 마찬가지입니다. 그러나 인디 음악은 개인의 자유, 자기 표현 및 대담한 결정의 영토입니다.

이 방향을 더 깊이 알고 싶습니까? 작은 인디 레이블, 밴드 캠프, SoundCloud와 같은 플랫폼 또는 스트리밍 서비스의 재생 목록으로 시작하십시오. 거기에서 당신은 여전히 ​​그 인디 정신이있는 음악, 즉 자유, 살아 있으며 다른 것과는 달리 음악을 찾을 수 있습니다.

"인디"와 "독립 음악": 같은 것은 아닙니다

음악 산업에서“인디”와“독립”이라는 단어는 종종 같은 것처럼 들리지만 실제로는 미묘하지만 중요한 차이가 있습니다. 현대 음악 시장을 이해하고 용어를 탐색하려면 이러한 개념을 분리하고 개별적으로 살펴 보는 것이 좋습니다.

독립 음악은 우선, 조직과 제작 방법입니다. 우리는 주요 레이블과 기업의 참여없이 출시 된 음악에 대해 이야기하고 있습니다. 이 접근법은 트랙을 만들고 녹음, 홍보 및 배포하는 문제에서 아티스트의 완전하거나 부분적 자율성을 의미합니다. 뮤지션 자신은 자신의 작품이 어떻게 소리를 내고, 협업 할 사람, 시각적 이미지를 구축하는 방법 및 대중에게 도달하기위한 전략을 결정합니다. 종종 DIY 접근법은 핵심에 있습니다. 모든 것이 스스로 또는 소규모 팀의 참여로 이루어집니다. 동시에 독립 음악에는 장르 제한이 없습니다. 전자 음악, 랩, 챈슨 또는 학문적 구성 일 수 있습니다.

그러나“인디”라는 용어는 점차“독립”의 좁은 의미에서 멀어졌으며 특정 스타일과 접근 방식으로 출시 방법을 많이 나타내지 않았습니다. 인디 음악은 강조가 독창성, 감정, 비표준 배열 및 일반적인 장르의 경계를 뛰어 넘는 욕구로 전환되는 방향입니다. 어느 시점에서 인디 아티스트가 주요 레이블과 계약을 체결하더라도 그의 음악은 특징적인 사운드, 이미지 및 창의적인 프레젠테이션으로 인해 여전히 "인디"로 인식 될 수 있습니다.

이 차이는 예에서 명확하게 보입니다. 한 음악가는 일반적인 민속 또는 팝 음악의 표준에서 벗어나지 않고 작은 독립적 인 레이블의 도움으로 어쿠스틱 앨범을 발표 할 수 있습니다. 그는 독립적이지만 반드시 인디는 아닙니다. 동시에 다른 아티스트는 주요 레이블과 공동 작업 할 수 있지만 명확하게 표현 된 작가의 스타일로 비정형 실험 음악을 계속 만들 수 있으며 계속 인디 아티스트라고 불릴 것입니다.

따라서 "독립"은 형식과 구조에 관한 것입니다. 그리고 "인디"는 분위기와 창의성에 대한 접근에 관한 것입니다. 이러한 개념은 겹치지 만 상호 교환 할 수 없습니다. 특히 음악 산업에 관심이 있거나 자신의 음악을 발표 할 계획이라면 차이점을 이해하는 것이 중요합니다.

인디 음악이 태어난 방법 : 뒤돌아보세요

독립 운동의 음악 선구자

“인디”라는 용어가 만들어지기 전에 음악 세계는 이미 변화하기 시작했습니다. 1960 년대에 비틀즈와 비치 보이즈와 같은 아티스트들은 팝 음악 템플릿에서 벗어나 새로운 형태, 아이디어 및 녹음 기술을 소개하기 시작했습니다. 밥 딜런 (Bob Dylan)은시와 항의를 가져 왔고, 닉 드레이크 (Nick Drake)는 챔버를 개발하여 우울한 미학을 발전시켜 나중에 인디 사람들의 특징이 될 것입니다. 이 충돌은 펑크의 에너지와 사회적 의제를 결합했습니다. 이 예술가들은 실험을했을뿐만 아니라 독립적 인 경로에 대한 권리를 주장했다.

독립적 인 현상으로 인디 장면의 출현

70 년대 후반과 80 년대 초반에 인디 음악은 마침내 운동으로 형성되었습니다. 이것은 영국과 미국에서 동시에 발생했으며, 그곳에서 밴드가 나타나기 시작하여 주요 레이블의 압력을 거부했습니다. 그들은 표현의 자유, 독립적 인 녹음 및 대안 적 사고에 초점을 맞추면서 연합되었습니다. 인디는 단순한 스타일이 아니라 음악의 상업식에 저항하는 방법이되었습니다.

Smiths는 British Indie : Ringing Guitars, Deep 가사 및 외부 광택 거부에 대한 새로운 표준을 설정했습니다. 앨범“고기는 살인”과“여왕은 죽었다”앨범은 성공할뿐만 아니라 전 세대의 이데올로기 적으로 중요했습니다. Buzzcocks는 펑크가 어떻게 독립적 인 장면의 기초가 될 수 있는지 보여주었습니다. 그들의 릴리스“Spiral Scratch”는 음악에 대한 DIY 접근의 상징이되었습니다.

미국 장면은 동시에 개발되었지만 자체 악센트가 있습니다. REM은 American Indie Sound의 기초를 형성하는“Murmur”로 더 부드럽고 더 많은 소리를 냈습니다. 미니애폴리스에서 교체품은 원시적이고 감정적으로 고발 된“Let It Be”를 발표했으며 Hüsker Dü는 공격적이지만 개념적 인“Zen Arcade”와 함께 하드 코어조차 지능적 일 수 있음을 증명했습니다. 이 밴드들은 American Indie의 핵심을 형성하고 수십 개의 미래 트렌드를위한 기초를 마련했습니다.

인디 음악의 진화 : 80 년대와 90 년대

1980 년대에 인디 음악은 미국과 영국에서 크게 발전하기 시작했습니다. 포스트 펑크와 기타 록부터 시작하여 더 넓은 범위의 사운드를 빨리 얻었습니다. REM, Pixies 및 Sonic Youth와 같은 밴드는 형태와 소음을 실험하기 시작하여 새로운 하위 겐르를위한 길을 열었습니다. Noise Rock, Jangle Pop, Shoegaze -이 모든 스타일이 독립 장면에서 등장했습니다. Sonic Youth의“Heather in the Heather”와 Cocteau Twins의“Heaven 또는 Las Vegas”와 같은 트랙은 시대의 상징이되어 인디 아티스트가 올 바를 설정했습니다.

Pixies는 인디 사운드 개발에 특별한 기여를했습니다. 그들의 구성“내 마음은 어디에 있습니까?” 비 전통적인 역학과 강한 정서적 대조는 컬트 클래식이되었으며 나중에 라디오 헤드에서 너바나에 이르기까지 전체 세대의 음악가들에게 영감을주었습니다. 동시에, 스미스는 영국 인디 장면에서 당국으로 남아 있었고, 밴드가 헤어진 지 몇 년이 지난 후에도 그들의 영향력이 느껴졌습니다. 그들의 영향 하에서, 기타와 개인 고백은 음악 언어의 기초가 된 새로운 세대의 공연자들이 자랐습니다.

영국도 예외는 아니었다. 90 년대 초 영국의 출현은 인디 장면에 새로운 소리와 얼굴을 주었다. 오아시스와 블러는 운동의 주력이되었습니다. 오아시스의 앨범“확실히 아마도”는 새로운 웨이브의 첫 번째 삼키기였으며 영국의 차트를 차지했습니다. 이 밴드들은 나중에 주요 레이블과 협력하기 시작했지만 뿌리, 미학 및 음악에 대한 접근 방식은 인디 운동과 밀접하게 연결되어있었습니다.

90 년대 중반에서 후반까지 인디는 여전히 확장되었으며 공식적인 제한에 신경 쓰지 않는 밴드가 등장했습니다. Krautrock과 Retro Electronica의 Stereolab 결합 요소. 중립 우유 호텔은 특히 바다의 비행기에서 민속과 환각을 인디로 데려 왔습니다. Disco Inferno는 시간보다 앞서 샘플링 및 질감을 실험했습니다. 이모 장면은 또한 우울한, 개인 가사, 간단한 배열 및 진심 어린 전달을 제공하면서 Weezer와 미식 축구와 함께 번성하기 시작했다.

2000 년대 인디 : 10 년간의 새로운 소리와 질량 수용

2000 년대에는 인디 음악이 주류로 들어 갔으며, 겸손한 마우스, 밝은 눈, 귀염둥이의 죽음의 택시, 살인자 및 북극 원숭이와 같은 밴드가 상업적 성공을 거두었습니다.

2000 년대 초반에는 인디 밴드가 현지 장면을 넘어서 세계 무대에서 세대 이름이되기 시작했습니다. 2001 년 라스 베이거스에서 형성된 살인자들은 전 세계적으로 2,800 만 개가 넘는 기록을 판매하면서 히트 싱글“Mr. Brightside”가 글로벌 스타가되었습니다. 북극 원숭이는 2006 년에 영국 데뷔를했으며, 첫 주에 363,000 부 이상을 팔았고 머큐리 상을 수상한“내가 말하는 사람이 무엇이든

그들 외에도, 겸손한 마우스는 미국에서“Float On”,“내 인생의 첫날”을 가진 밝은 눈,“나는 당신을 어둠 속으로 따라갈 것입니다”와 함께 죽음의 택시로 인기를 얻고있었습니다. 이 노래들은 2000 년대 음악 환경의 중요한 부분으로 인디를 강화했습니다.

내 화학 로맨스와 같은 밴드와 Fall Out Boy와 같은 밴드는“Black Parade에 오신 것을 환영합니다”및“Sugar, We Goin Down”과 같은 트랙으로 차트를 지배하면서 Emo Music도 계속 인기를 얻었습니다.

이모 록은 별도로 존재했지만 2000 년대의 성공은 진심의, 소리 및 청중과 의사 소통하는 방식으로 인디 장면과 겹쳤다. 이 트랙들은 인기가 있었지만 독립적 인 정신을 유지했습니다.

“Black Parade에 오신 것을 환영합니다”와“Sugar, We Goin Down”은 단순한 타격 이상이었습니다. 그들은 인디 미학에 더 가깝게 가져 왔던 진정성과 생생한 감정을 추구하는 젊은 세대의 분위기를 표현했습니다.

2000 년대는 또한 인디 음악가의 수가 크게 증가했습니다.

미국 노동 통계국에 따르면 2003 년부터 독립 예술가의 수는 71%증가했다. 온라인 플랫폼은 음악가들이 레이블의 참여없이 청중에게 다가 갈 수있는 길을 열었습니다. 동시에 Vinyl은 2013 년에만 6 백만 개의 레코드가 판매되었습니다. 많은 인디 아티스트들이 아날로그 형식의 앨범을 출시하기 시작하여 육체적이고 의미있는 경청의 느낌을 보존하기 위해 노력했습니다.

2010 년 이후의 인디 음악 : 흐릿한 경계와 새로운 지평

2010 년대에는 인디 음악이 계속 발전하고 다각화하며 때로는 주류에 들어갔다.

인디는 전통적인 의미에서 장르가되는 것을 그만두 었습니다. 그것은 사고 방식이되었습니다. 뱀파이어 주말, Tame Impala 및 Sufjan Stevens는 기타 기반 음악과 Pop, Psychedelia 및 Polk의 요소를 결합하여 사운드를 확장했습니다. 이 예술가들은 인디 장면의 분위기를 설정했을뿐만 아니라 주류 의제의 일부가되었습니다.

뱀파이어 주말의“A-Punk”, Tame Impala의“Let It Ebly”와 같은 트랙은 Sufjan Stevens의 Tame Impala와“Chicago”와 같은 트랙이 10 년의 정신을 포착합니다-대담하고 독창적이며 독창적입니다.

2010 년대 인디 음악은 Lumineers, Mumford & Sons 및 Avett Brothers, Four Tet, Caribou 및 Jamie XX와 같은 전자 예술가 및 Kendrick Lamar, Drake 및 Frank Ocean과 같은 힙합 아티스트와 같은 민속 및 국가 행위와 함께 다양성을 보여주었습니다.

인디는 장르 사이의 크로스 오버 구역이되었습니다. Arcade Fire, Vampire Weekend 및 Lorde는 Rock, Pop 및 Electronica가 동일한 용어로 공존하는 앨범을 발표했습니다. 동시에 Kendrick Lamar와 Frank Ocean과 같은 힙합과 R & B 예술가들도 독립적 인 접근과 예술적 자유 덕분에 인디 담론의 일부가되었습니다.

"Royals", "Channel Orange"및 "To Pimp a Butterfly"는 "독립"접근 방식이 10 년 동안 가장 인기있는 릴리스에 어떻게 영향을 미치기 시작했는지의 예입니다.

Indie Electronica는이 기간 동안 James Blake, M83 및 Chvrches와 같은 아티스트가 장르를 재정의하면서 두드러졌습니다.

전자 장면은 새로운 얼굴을 얻었습니다. 주변, 신디 팝 및 소울은 그 구성 요소가되었습니다. Blake, M83 및 Chvrches는 전자 악기를 춤추는 것이 아니라 분위기, 억양, 감정을 만들기 위해 사용했습니다.

"Retrograde", "Midnight City"및 "The Mother We Share"는 2010 년대 인디 전자식의 사운드 트랙이되었습니다.

2010 년대의 인디 음악 환경은 음악을 소비하는 방식의 변화와 팝의 영향으로 인해 명확한 분류에 저항했습니다.

스트리밍 서비스, 재생 목록 및 알고리즘으로 인해 장르는 의미가 떨어졌습니다. 청취자들은 카테고리에서 생각을 멈췄습니다. 그들은 형식이 아닌 느낌을 기반으로 음악을 선택했습니다. 앨범은 싱글과 개별 예술가들에게 무대에 올랐습니다.

결론 : 인디는 살아 있고 변화하는 장르입니다

인디 음악은 다양성과 진화 본성을 특징으로하는 인디 음악은 독립, 실험 및 창의성을 통해 지속적으로 발전했습니다.

1960 년대 이래로 인디는 컨벤션과 주류를 무시하는 독특한 예술가들을위한 플랫폼이었습니다.

인디 아티스트와 애호가에게는 장르의 역사를 이해하는 것이 자신의 음악적 표현을 형성하는 데 필수적입니다.
인디의 역사는 개인 스타일과 음악에 대한 접근 방식이 구축되는 기초입니다.

인디 장면은 분류를 무시하고 장르에 내재 된 적응성을 보여주는 혁신적인 예술가를 제작하는 것으로 유명합니다.

장르는 끊임없이 변화하고 있으며 관련성이 유지되고 새로운 형태로 개방되어 있습니다.

우리가 미래를 살펴보면, 인디 음악의 풍부한 역사와 개발에 기여한 아티스트들을 인정하는 것이 필수적입니다.

빠르게 변화하는 음악 환경에서 인디를 살아 있고 회복력을 유지하는 것은 연속성입니다. 우리는 그들의 작품에서 영감을 얻고 실험의 정신을 받아들이면서 인디 음악을 계속 재정의하고 오늘날의 음악 환경에 관련성을 유지할 수 있습니다.

4 월 28 일, Activ8te는 독립적 인 사운드의 전통을 계속하면서“All We We Is Shine (Feat. Footleg)”트랙을 발표 할 예정입니다.