¿Qué es Indie Rock?

Indie Rock tomó forma por primera vez a principios de la década de 1980 en todo el Reino Unido, Estados Unidos y Nueva Zelanda. En ese momento, el término referido a la música lanzada por etiquetas independientes, pero pronto llegó a representar una estética más amplia: cruda, experimental e impulsada más por visión que por fórmulas comerciales.

Una de las primeras bases del género fue el "sonido Dunedin" de Nueva Zelanda, con bandas como The Shills y The Clean. En los Estados Unidos, las estaciones de radio universitarias fueron fundamentales para promover artistas como los Smith y REM, dando tiempo de aire a la música que se sentía fuera de la corriente principal. A mediados de los años 80, Indie Rock había comenzado a tomar forma como su propia escena, impulsada por la compilación NME C86 del Reino Unido y el ascenso subterráneo de bandas como Sonic Youth y Dinosaur Jr. en los Estados Unidos.

Los años 90 trajeron una ola de nuevos subgéneros:

• Lento , con sus tempos malhumorados y prolongados;
• Midwest emo , conocido por sus sinceras letras;
• Roca Slacker , marcada por entrega relajada y estética de LO-Fi;
• Shoegaze , definido por el uso intenso de los efectos de la guitarra y las voces introspectivas.

A medida que Grunge y Britpop ganaron impulso, la corriente principal comenzó a cooptar sonidos independientes. Las principales etiquetas se inclinaron en la "imagen independiente" como una herramienta de marketing, que creó una división: algunas bandas se inclinaron en la exposición, otras se duplicaron para mantenerse fuera del radar.

En la década de 2000, Indie Rock dio otro salto al centro de atención. Actúa como The Strokes, The Libertines, Arctic Monkeys y The Killers trajeron una energía de avivamiento post-punk que se conectó con una nueva generación. Ese boom condujo a una explosión de bandas de sonido similar: una ola de la prensa del Reino Unido que luego llamó el vertedero indie.

Aún así, a través de todos los turnos, Indie Rock se ha mantenido fiel a sus raíces, centrada en la libertad creativa, un espíritu de bricolaje y un instinto para desafiar la norma.

Lo que hace una canción indie: sonido, espíritu y estilo

El término "indie" surgió por primera vez a fines de la década de 1970 en Manchester, cuando la banda Buzzcocks lanzó su EP Spiral Scratch sin la ayuda de un sello importante. Ese momento marcó el comienzo de un nuevo tipo de independencia musical.

Indie no se trata solo de quién libera la música, se trata de control creativo. Los artistas administran su propia grabación, dirección y sonido sin presión de los grandes actores de la industria. Esta libertad conduce a la música que se separa de las fórmulas y se siente más personal y original.

Estilísticamente, el indie saca de todas partes: punk, grunge, pop, hip-hop, incluso rock psicológico. Así es como obtienes bandas como The White Stripes, que combinan Garage Rock con Blues o Young the Giant, que mezclan ganchos pegadizos con texturas de guitarra en capas.

Las rayas blancas

Joven el gigante

Incluso con toda esta variedad, la música independiente todavía tiene una energía reconocible. Es crudo, es honesto, y está impulsado por la visión del artista, no por tendencias o listas comerciales.

Definición de rasgos del indie rock: sonido, visión y contraste

Indie Rock es más que un género: es una mentalidad, una forma de hacer y compartir música. La palabra "indie" proviene de "independiente" y originalmente se refiere a artistas y bandas que liberan música en pequeñas etiquetas de bajo presupuesto. Incluso cuando la distribución involucraba a las principales empresas, estos artistas tenían como objetivo preservar el control creativo y evitar ser dirigidos por las tendencias de la industria.

Esa independencia abrió la puerta a la experimentación, con sonido, temas y emociones, a menudo muy alejados de lo que ofrecía la música convencional. Indie Rock siempre ha provocado una variedad de influencias:

• punk y post-punk (buzzcocks, cable, televisión);
• La psicodelia y la roca de garaje de los años 60 (terciopelo subterráneo, las puertas);
• Art Rock y LO-Fi Estética;
• Toques de país y gente.

Según Allmusic, el indie rock incluye artistas cuyos enfoques musicales a menudo chocan con los gustos principales. Se extiende de todo, desde grunge pesado de guitarra hasta folk punk y rock de vanguardia. Lo que lo conecta todo no es estilo: es una unidad compartida para la autonomía y la originalidad.

En su libro, Brent Luvaas destaca cómo Indie Rock está arraigado en la nostalgia, por el sonido de los años 60, para un espíritu de bricolaje, y para las letras que a menudo tienen profundidad literaria. Esa influencia se puede escuchar en bandas como The Smiths y The Stone Roses, que enfatizaron tanto la atmósfera como la narración de cuentos.

El musicólogo Matthew Bannister describió una vez el género como "pequeños grupos de chicos blancos con guitarras", que se basan en punk y rock de los años 60, pero se distancian deliberadamente de las normas comerciales. La antropóloga Wendy Fonarow identificó dos grandes mentalidades independientes:

• el "purista": favorecer el minimalismo, la crudeza y la honestidad emocional;
• El "romántico": más expresivo, excéntrico y estilísticamente audaz.

Esta división fue especialmente visible en la década de 1990. Las bandas del Reino Unido se inclinaron hacia el rendimiento y el estilo estético, mientras que muchos actos estadounidenses adoptaron un sonido de lo-fi y sin pulir como un marcador de autenticidad.

Indie Rock también abrió más espacio para las mujeres. El movimiento Riot Grrrrl, dirigido por bandas como Bikini Kill, Bratmobile y Team Dresch, desafió a las normas no solo subiendo al escenario, sino mediante la configuración de las ideas detrás de la música. Aún así, como señala Courtney Harding, la misma igualdad no se ha extendido al liderazgo: las mujeres que dirigen etiquetas independientes siguen siendo una minoría incluso hoy.

Bikini matar

Indie Rock cubre una amplia gama de estilos, desde el indie pop impulsado por el sintetizador hasta las influencias post-punk e incluso hip-hop crudas, pero la mayoría de las bandas independientes comparten algunos valores centrales en la forma en que abordan la música.

• Etos de bricolaje . La mayoría de los artistas independientes operan fuera del respaldo financiero de las principales etiquetas. Pagan por el tiempo de estudio de su bolsillo o graban en casa con cualquier equipo que tengan. Este enfoque práctico mantiene el proceso completamente independiente, desde la primera demostración hasta la versión final;
• LO-Fi estética . Antes de que el software como Pro Tools and Logic se volviera ampliamente accesible, los músicos independientes a menudo no podían pagar estudios profesionales. Eso dio lugar a un sonido reconocible de LO-Fi: guitarras arenosas, ruido de fondo y un acabado intencionalmente áspero. Incluso hoy, algunos artistas se adhieren a esa textura a propósito, utilizando las imperfecciones como parte de su identidad artística;
• Composición de canciones internas . A diferencia del pop o el hip-hop convencional, donde las canciones a menudo son construidas por equipos de productores y escritores, la música independiente suele ser escrita por los propios artistas. Eso podría significar cantantes y compositores en solitario como Phoebe Bridgers, o bandas completas como Fugazi o Sleater-Kinney, donde la composición de canciones es un esfuerzo grupal, no subcontratado a profesionales;
• Autenticidad sobre flash . Indie Rock no se trata de triturar solos o acrobacias vocales. Se inclina en actuaciones honestas y humanas. Muchas bandas independientes pueden replicar fácilmente su sonido grabado en vivo sin necesidad de un equipo de copia de seguridad de músicos de estudio, y esa entrega cruda y sin filtrar es exactamente con lo que los fanáticos se conectan. Se trata menos de la perfección y más de la emoción real.

Cómo comenzó la escena del rock indie: desde Buzzcocks hasta el sonido Dunedin

El documental de la BBC Music for Misfits: The Story of Indie acredita el origen del término "indie" al lanzamiento de 1977 de Spiral Scratch, un EP autofinanciado de la banda punk de Manchester Buzzcocks, emitida a través de su propia etiqueta New Hormones. Este movimiento provocó una ola de actividad de bricolaje: las bandas comenzaron a grabar, imprimir y distribuir su propia música. Los grupos como Swell Maps, el nivel 'O', las personalidades de televisión y las bicicletas desesperadas pronto siguieron.

Buzzcocks

La distribución creció con la ayuda del Cartel, una red de pequeños distribuidores como Red Rhino y Rough Trade Records, que ayudó a obtener lanzamientos independientes en tiendas de discos en todo el Reino Unido. Esta infraestructura le dio a la música independiente una presencia física en las tiendas, lo que le permite competir con lanzamientos de etiquetas mayores.

Las etiquetas independientes también estaban haciendo olas fuera del Reino Unido. En los Estados Unidos, Beserkley Records lanzó el álbum debut de The Modern Lovers, y Spiff Records emitieron New Rose de The Damned, considerado el primer sencillo británico punk. En Australia, los Saints lanzaron (I'm) varado a través de su propio sello Fatal Records, seguido de los Go-Betweens, que debutó con el single independiente Lee Remick.

Un capítulo clave en el desarrollo de Indie se desarrolló en Dunedin, Nueva Zelanda. A principios de los años 80, se fundó Flying Nun Records, convirtiéndose en el hogar de una generación de artistas que elaboraron lo que se conoció como el sonido Dunedin. Según el audio, una de las primeras bandas de esta escena fue el enemigo, formado por Chris Knox y Alek Bathgate. Aunque de corta duración, la banda dejó una impresión duradera en músicos más jóvenes como Shayne Carter, quienes formaron DoubleHappys y Straitjacket.

Después de la separación del enemigo, Knox formó Toy Love, y luego enanos altos, uno de los primeros actos para abrazar la grabación casera y la estética de LO-Fi, elementos clave en lo que se convertirían en el sonido independiente.

El sonido Dunedin estuvo marcado por guitarras Jangly, voces moderadas y un ambiente melancólico. ¡Obtuvo un reconocimiento más amplio a través del sencillo tally-ho de 1981 de 1981! y la compilación de 1982 Dunedin Double, que presentaba los escalofríos, los sentimientos furtivos, los verlaines y las piedras. El estilo pronto se extendió más allá de Dunedin a ciudades como Christchurch y Auckland, ayudando a dar forma a Indie Rock como un movimiento cultural distinto.

Mientras tanto, en los Estados Unidos, las estaciones de radio universitarias se volvieron cruciales para la música independiente emergente en la década de 1980. Se emitieron alternativo Rock, Post-Punk, después de Hardcore y New Wave, rara vez se escuchan en la radio comercial. Estas bandas fueron referidas colectivamente como College Rock, un término vinculado más a la plataforma que a cualquier género.

Artistas como REM y los Smith fueron especialmente influyentes. El musicólogo Matthew Bannister les considera algunas de las primeras bandas independientes verdaderas. Su influencia se puede escuchar en grupos como Let's Active, The Housemartins y LA. Alrededor de este tiempo, el término "indie rock" comenzó a aplicar no solo a las etiquetas sino a los artistas que liberan música de forma independiente.

El periodista Steve Taylor también señaló la escena subterránea de Paisley como una parte temprana de la historia independiente. El género se volvió más oscuro y atmosférico en manos de artistas como la Cadena Jesús y María y la experiencia de Jean-Paul Sartre, ambos asociados con la monja voladora.

Finalmente, después de presionar los esfuerzos de NPR llevó a una reducción en el número de estaciones de radio universitarias, el término "College Rock" comenzó a desvanecerse. En su lugar, una etiqueta más flexible y duradera se apoderó, indie, que definiría a una generación de música que priorizó la creatividad, la independencia y la autodirección.

Cadena de Jesús y María

La evolución del indie rock: de C86 a Grebo y Shoegaze

En el Reino Unido, un punto de inflexión clave para la escena independiente vino con el lanzamiento de C86, un cassette de compilación organizado por NME en 1986. Presentaba pistas de Primal Scream, The Pastels, The Wedding Present y otros que combinaban Jangle Pop, Post-Punk y Phil Spector "Wall of Sound" Production. Más tarde, el crítico Bob Stanley lo llamó "el comienzo de la música independiente". El término C86 creció rápidamente más allá del casete en sí, convirtiéndose en taquigrafía para una ola completa de bandas con sonidos ventosos de Lo-Fi, a menudo etiquetado Anorak Pop o un indie inquietante. Mientras que algunos actúan como dragones de sopa, gritos primarios y el regalo de bodas encontraron el éxito de la lista, muchos otros se desvanecieron en la oscuridad.

En los EE. UU., Rem's Rise dio una alternativa a la intensidad del hardcore, abriendo la puerta a los nuevos músicos, particularmente aquellos que darían forma a la escena posterior a la hardcore, como Minutemen. Las principales etiquetas se dieron cuenta y firmaron brevemente bandas como Hüsker Dü y los reemplazos, aunque sus lanzamientos no coinciden con el rendimiento comercial de REM. Aún así, su influencia fue duradera. A finales de los años 80, actos como Sonic Youth, Dinosaur Jr. y Disturbes estaban liberando música a través de etiquetas independientes, y para el final de la década, los jóvenes y píxidos de Sonic habían firmado con los grandes.

Alrededor de este tiempo, Shoegaze surgió como un subgénero de Indie Rock, expandiéndose en el estilo "Muro del sonido" pionero por la cadena de Jesús y María. Shoegaze fusionó esa textura con elementos de Dinosaur Jr. y Cocteau Twins, creando una atmósfera oscura y nebulosa donde los instrumentos a menudo se mueven juntos. My Bloody Valentine fueron los primeros pioneros con EPS y su debut no es nada, inspirando una nueva ola de bandas de Londres y Thames Valley, como Capítulo, Moose y Lush. En 1990, Steve Sutherland de Melody Maker llamó esta escena "La escena que se celebra a sí misma".

Mientras tanto, Madchester surgió como un híbrido de indie rock, música de baile y cultura rave hedonista, con un uso intensivo de psicodélicos. Con sede en Manchester y centrado en el club nocturno Haçienda, lanzado en 1982 por Factory Records, el movimiento atrajo energía de actos como New Order, Cabaret Voltaire y The Smiths. Para 1989, el debut de Happy Monday 'Bummed and the Stone Roses había definido la escena. Actúa como los charlatanes, el estado 808 y las alfombras inspirales pronto siguieron.

El sonido de Madchester, una mezcla de indie y ritmos bailables impulsados ​​por la guitarra, se conoció como danza indie, o más específicamente, el subgénero holgado. Uno de los momentos definitorios del movimiento fue el concierto de Spike Island de Stone Roses el 27 de mayo de 1990. Con 28,000 fanáticos y un tiempo de ejecución de 12 horas, fue el primer evento importante de su tipo organizado por una banda independiente.

Al mismo tiempo, una escena distinta estaba creciendo en Stourbridge, conocida como Grebo. Las bandas mixtas de punk, electrónica, folk e incluso hip-hop influencias, crean un sonido más pesado y más sucio. Dirigido por Pop se comerá a sí mismo, las cosas maravillosas y el basurero atómico de Ned, el movimiento no fue tanto un género como un momento cultural localizado. Sus singles se registraron, ¡sabio! Sucker y ¿puedes cavarlo? por pop se comerá a sí mismo aterrizó en el Top 40 del Reino Unido, y Stourbridge se convirtió brevemente en un sitio de peregrinación para los fanáticos independientes.

Entre 1989 y 1993, los álbumes de piedra angular de la escena de Grebo cayeron: Hup y Never amó a Elvis de The Wonder Stuff; DIOS FODDER ¿Y eres normal? del basurero atómico de Ned; Y Pop se comerá en sí mismo este es el día ... esta es la hora ... ¡esta es esta! ¿Y el aspecto o el estilo de vida? Estas bandas se convirtieron en clientes habituales del festival en Reading, vendieron millones de discos y adornaban las portadas de NME y Melody Maker.

Lo que distingue a Grebo no fueron solo sus influencias eclécticas, sino su rechazo del ambiente pulido o melancólico que definió gran parte de Indie Rock. Abrazó la distorsión, la arrogancia y una ventaja más dura. Bandas similares de la cercana Leicester (fiesta de bombas, tranvía de Gaye sobre ácido, Crazyhead, Hunters Club y Pups de Scum) pronto se convirtieron en parte del movimiento, consolidando el lugar breve pero fuerte de Grebo en la historia independiente.

La división principal vs. subterránea en Indie Rock: la década de 1990

A principios de la década de 1990, la escena del grunge de Seattle explotó en la corriente principal. Bandas como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden y Alice in Chains se convirtieron en nombres conocidos, con el éxito de Nirvana atrayendo una gran atención al indie rock. Como resultado, el término indie rock comenzó a dar paso a la roca alternativa, una etiqueta que, con el tiempo, perdió su significado contracultural original. Lo que alguna vez estuvo asociado con la independencia y el estado externo se convirtieron en taquigrafía para una versión más probable comercialmente de rock impulsado por la guitarra que ahora superaba las listas.

Carl Swanson, escribiendo para la revista New York, argumentó que incluso el término vendido comenzó a perder significado en este nuevo paisaje, ya que Grunge demostró que incluso los movimientos más nicho o radicales podrían ser absorbidos por la corriente principal. Lo que surgió fue una cultura individualista fracturada que aún operaba bajo la influencia de las principales etiquetas y medios de comunicación.

El erudito de los medios Roy Shuker, en su libro Popular Music: The Key Concepts, señaló que el grunge esencialmente se convirtió en la versión principal de la estética de los años 80 de América del Norte de los años 80. Sugirió que ser "independiente", para entonces, se había convertido en una herramienta de marketing como cualquier rasgo sonoro reconocible. Este cambio causó una clara división en el mundo del indie rock: algunas bandas se inclinaron en la accesibilidad de la radio de rock alternativa, mientras que otras se duplicaron en la experimentación y permanecieron firmemente bajo tierra. Según Allmusic, fue durante este período que Indie Rock se definió más estrechamente, refiriéndose específicamente a los actos subterráneos, mientras que sus pares más exitosos comercialmente se renombraron como alternativos.

Una de las respuestas musicales más claras a este cambio fue Llowcore, que se desarrolló en los EE. UU. Como un contraste directo con el creciente dominio de Grunge. Si bien los límites de Slowcore son borrosos, generalmente presenta tempos lentos, instrumentación escasa y letras melancólicas. Galaxie 500, particularmente su álbum de 1989 on Fire, tuvo un gran impacto en el género. Como Robert Rubsam escribió para Bandcamp Daily, fueron "el punto de origen para todo lo que vino después". La primera ola de bandas lentas incluyó pintores de la casa roja, codeína, cabeza de cama, IDA y baja. El género no estaba vinculado a ninguna ciudad o escena, y muchos de sus artistas se desarrollaron en relativo aislamiento entre sí.

Alrededor de 1991, comenzó a surgir una rama más joven y dura del movimiento Grebo. Estas bandas fueron etiquetadas como Fraggle, un nombre aplicado algo irónico a grupos que extraían mucho de Punk, el blanqueador de Nirvana y las máquinas de batería a menudo utilizadas. Stephen Klain de Gigwise describió el sonido como "guitarras sucias, incluso cabello más sucio y camisetas que solo una madre se lavaba". Las bandas notables de Fraggle incluyeron cosas sin sentido, Mega City Four y Carter, la máquina sexual imparable. Llevaban el espíritu independiente, pero con una energía más caótica y un estilo visual que fue desafiante sin pulir.

Cosas sin sentido

El escritor spin Charles Aaron describió Pavement y guiado por las voces como "las dos bandas que definieron a Indie Rock durante esta época y, para muchos, aún encarnan lo que significa el término". Ambos grupos adoptaron estilos de producción de LO-Fi que reflejaron y romantizaron su espíritu de bricolaje. El álbum de Pavement de 1992 Slanted and Enchanted se convirtió en una piedra angular del Slacker Rock Subgenre. Rolling Stone lo llamó "El álbum de Indie Rock de Indie" e lo incluyó en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

En el Triángulo de Investigación de Carolina del Norte, la escena independiente fue dirigida por bandas firmadas para fusionar discos, incluidos Superchunk, Archers of Loaf y Polvo. Estas bandas dieron forma a un movimiento regional influenciado por el punk hardcore y el post-punk. Alrededor de esa época, puntos de venta como Entertainment Weekly llamaban a Chapel Hill "el próximo Seattle". La revista Columbia de Superchunk Slack también fue destacada por la revista Columbia como un himno definitorio del indie rock de los 90 y un símbolo del estereotipo Slacker.

Mientras tanto, en el Reino Unido, el surgimiento de Britpop empujó a muchas bandas de indie rock tempranas en el fondo. Dirigidos por Blur, Oasis, Pulp y Suede, Britpop actos inicialmente se posicionó como alternativas subterráneas, una respuesta al dominio de la escena del grunge americano. Mientras que Britpop debía gran parte de su estilo al indie rock y comenzó como parte de ese linaje, muchas bandas rechazaron el espíritu temprano contra el establecimiento del género. En cambio, trajeron a la Indie firmemente a la corriente principal, con actos como la firma de borros y pulpa con las principales etiquetas.

¿En su ensayo trabaja el punto? La política de Gran Bretaña en "Nueva Bretaña", la académica y política Rupa Huq argumentó que Britpop "comenzó como una rama de la escena musical independiente de Gran Bretaña, pero que finalmente la ha matado, como lo indie y la corriente principal convergió, borrando el elemento protesto que alguna vez había definido la música sincera británica". El periodista musical John Harris trazó los orígenes de Britpop hasta la primavera de 1992, cuando el cuarto sencillo de Blur se lanzó y el sencillo debut de Sueed, The Drowners, se lanzaron casi simultáneamente. "Si Britpop comenzó a cualquier lugar", escribió, "fue en la ola de aclamación lo que saludó a los primeros singles de Sueed: audaz, triunfante e inequívocamente británico". Suede fue la primera de una nueva ola de bandas impulsadas por la guitarra adoptadas por la prensa musical del Reino Unido como la respuesta de Gran Bretaña al Grunge de Seattle. Su álbum debut homónimo se convirtió en el debut más vendido en la historia del Reino Unido en ese momento.

Diversificación de indie rock

El álbum debut de Sunny Day Real Estate Diary (1994) ayudó a marcar una nueva ola de emo fusionando temas emocionales con la estética indie rock. Junto a bandas como Piebald, The Promise Ring y Cap'n Jazz, el emo de segunda onda se distanció de sus raíces incondicionales, evolucionando hacia un género más melódico y estructuralmente refinado.

Esta nueva versión de EMO irrumpió en la corriente principal a principios de la década de 2000 con álbumes de venta de platino como Jimmy Eat World's Bleed American (2001) y el Dashboard Confessional The Places You Are Tear the More (2001). Un bolsillo particularmente influyente de este movimiento surgió en el Medio Oeste, donde bandas como American Football combinan tonos de guitarra brillantes y elementos de rock matemático en un sonido distinto. La creciente popularidad de Emo también ayudó a aumentar la visibilidad de los actos "intermedios" como la cabina de la muerte para Cutie, Modest Mouse y Karate, bandas que no encajaban directamente en emo o indie, sino que prosperaron en algún lugar de la superposición.

Mientras tanto, el Elephant 6 Collective, con manzanas en estéreo, Beulah, Sistema circulatorio, Power, The Minders, Neutral Milk Hotel y el Control de Tremor de Olivia, trajo un giro psicodélico a Indie Rock. En Gimme Indie Rock, el autor Andrew Earles acreditó al colectivo, particularmente en Avery Island (1996) de Milk Hotel (1996), con mantener artísticamente relevante durante un período en el que otros movimientos subterráneos comenzaron a desvanecerse o ser convencionales.

INDIEDRONICA (o Electronic Indie) surgió como otro punto de fusión, combinando estructuras de roca independiente con producción electrónica: muestreadores, sintetizadores, máquinas de ritmo y software. En lugar de un género específico, Indietronica describió un movimiento más amplio a principios de los 90 que se basó en Krautrock, Synth-Pop y tradiciones experimentales como el Taller radiofónico de la BBC. Los actos fundamentales incluyeron el Infierno, Stereolab y Space del Reino Unido, con la mayoría de los artistas vinculados a sellos como Warp, Morr Music, Sub Pop o Ghostly International.

Space Rock, otra rama del indie, se inspiró en la roca psicodélica, las texturas ambientales y los estilos cósmicos de Pink Floyd y Hawkwind. Comenzando con Spacemen 3 en los años 80, el estilo se expandió a través de bandas como Attack espiritualizado de Saucer Flying, ¡Godspeed You! Emperador negro y espacio rápido, que combina drones, atmósfera y estructura independiente.
A medida que Britpop se desvaneció a fines de los años 90, Post-Britpop forjó su propio espacio dentro del indie rock del Reino Unido. Alrededor de 1997, la desilusión con Cool Britannia creció, y las bandas comenzaron a distanciarse de la etiqueta Britpop, incluso cuando retenían las conexiones estilísticas. Con Britpop en declive, las nuevas bandas obtuvieron un reconocimiento crítico y público más amplio. Los himnos urbanos de The Verve (1997) fueron un éxito global y marcó su pico comercial antes de dividirse en 1999. Mientras tanto, Radiohead tuvo un éxito modesto con las curvas (1995), pero rompió con OK Computer (1997), seguido del niño que desafía el género A (2000) y Amnesiac (2001), con ganas de accesorios.

La estereophonics mixta posgrungue y las influencias hardcore en álbumes como Word Gets (1997) y la actuación y los cócteles (1999), antes de cambiar hacia una composición más melódica en la educación suficiente para interpretar (2001) y luego lanzamientos.

El alimentador, originalmente arraigado en el post-grunge estadounidense, encontró un sonido más pesado y más amigable con la radio en su sencillo Buck Rogers y el álbum Echo Park (2001). Tras la muerte del baterista Jon Lee, la banda se movió en una dirección más introspectiva con Comfort in Sound (2002), que se convirtió en su lanzamiento de indie rock más exitoso comercialmente, generando una serie de singles exitosos.

La banda de rock indie más dominante comercialmente dominante del nuevo milenio fue Coldplay, cuyos dos primeros álbumes: Parachutes (2000) y A Rush of Blood to the Head (2002) se volvieron multiplatino, cementando su lugar como superestrellas globales cuando X&Y cayó en 2005. Mientras tanto, Snow Patrol, los autos de Chasing (de su álbum de 2006 se convirtieron en el álbum de 2006) en el rio de los ojos más o más de 2006.

El surgimiento principal de Indie Rock: la década de 2000

El Revival Post-Punk y Garage Rock

El aumento de Indie Rock en el centro de atención en la década de 2000 comenzó con los Strokes y su álbum debut de 2001 es esto. Canalizando el espíritu de las bandas de los años 60 y 70 como el Velvet Underground y los Ramones, la banda tenía como objetivo sonar, en sus propias palabras, como "un grupo del pasado que viajó al futuro para hacer un disco". Mientras que el álbum alcanzó su punto máximo en el número 33 en los Estados Unidos, permaneció en las listas durante dos años y debutó en el número 2 en el Reino Unido. En ese momento, la roca convencional estaba dominada por post-grunge, nu-metal y rap-rock, lo que hizo que el revival de rock crudo y crudo de los Strokes se sintiera como un fuerte contraste y un soplo de aire fresco.

El éxito de la banda ayudó a destacar sobre otros actos de Nueva York con influencias vintage, incluidas Yeah Yeah Yeahs, Interpol y TV en la radio. Esta ola inspirada en el garaje también incluyó las rayas blancas, las vides y las colmenas, que rápidamente fueron llamadas "las" bandas por los medios de comunicación. Rolling Stone capturó el momento con su portada de septiembre de 2002 declarando: "¡Rock está de vuelta!"

El impulso de los golpes también provocó un resurgimiento en el decolorido subterráneo posterior a Britpop del Reino Unido. Inspirado por su sonido, una ola de bandas británicas comenzó a reelaborar su enfoque. Los primeros destacados incluyeron a Franz Ferdinand, Kasabian, Maximo Park, las cunas, la fiesta de bloque, Kaiser Chiefs y los demás. Pero los Libertines, formados en 1997, fueron vistos como la respuesta directa del Reino Unido a los Strokes. Allmusic los describió como "una de las bandas británicas más influyentes del siglo XXI", mientras que el independiente señaló: "Los Libertines se propusieron ser una importante banda de indie rock, pero no podrían haber predicho cuánto darían forma a la escena".

Mezclando las influencias del choque, los problemas, los Smiths y The Jam, los Libertines crearon un sonido de guitarras y letras de Trebley sobre la vida británica, cantadas en acentos inhenadamente ingleses. Su estilo se extendió rápidamente a bandas como Fratellis, los Kooks y la vista, todos los cuales encontraron un gran éxito comercial. Pero ningún grupo tuvo un mayor impacto que los monos árticos de Sheffield, una de las primeras bandas en aprovechar el poder de las redes sociales para construir una base de fans. Su debut en 2006 lo que sea que la gente diga que soy, eso es lo que no me ha convertido en el álbum debut más vendido en la historia de la lista del Reino Unido, luego de dos singles No. 1.

Esta ola de popularidad ayudó a marcar los actos tradicionalmente subterráneos en la corriente principal. Las buenas noticias de Modest Mouse para las personas que aman las malas noticias (2004) irrumpieron en el Top 40 de los EE. UU. Y obtuvieron una nominación al Grammy. Bright Eyes aterrizó dos singles No. 1 en la lista de ventas de Billboard Hot 100 Single en 2004. Death Cab for Cutie's Plans (2005) debutó en el número 4 en los EE. UU., Permaneció en la lista de carteles durante casi un año, se volvió platino y también obtuvo un guiño grammy. Con "indie" de repente en todas partes, desde la música hasta la moda y el cine, algunos críticos comenzaron a argumentar que el término había perdido su significado por completo.

Mientras tanto, Estados Unidos vio una segunda ola de bandas independientes logrando el reconocimiento global. Grupos como The Black Keys, Kings of Leon, The Shins, The Bravery, Spoon, The Hold Estable y National encontraron éxito crítico y comercial. La mayor ruptura del grupo fue los asesinos, formados en Las Vegas en 2001. Después de escuchar esto, desecharon gran parte de su material temprano y lo reescribió con la influencia de los Strokes en mente.

Su sencillo debut Mr. Brightside se convirtió en un fenómeno. A partir de abril de 2021, la canción había pasado 260 semanas (cinco años) en la lista de singles del Reino Unido, más tiempo que cualquier otra canción. Para 2017, había aparecido en la lista 11 de los 13 años anteriores, incluida una carrera de 35 semanas que alcanzó su punto máximo en el número 49 durante 2016–2017. Hasta finales de 2018, era la canción de Indie Rock más transmitida en la historia del Reino Unido y todavía se descargaba cientos de veces por semana hasta 2017. En marzo de 2018, el Sr. Brightside alcanzó otro hito: 200 semanas acumulativas en el Top 100 del Reino Unido.

La propagación del indie rock y el surgimiento del vertedero indie

El éxito de bandas como The Strokes, The Libertines y Bloc Party provocó una ola de interés de las principales etiquetas en la escena indie rock, una tendencia que solo se intensificó después de la ruptura de los monos árticos. En los años posteriores al lanzamiento de lo que sea que la gente diga que soy, eso es lo que no soy, surgió una avalancha de nuevas bandas, incluidos los rifles, los detectives de palomas y Milburn. Muchos de estos actos ofrecieron una versión más formulada y diluida del sonido de sus predecesores.

A finales de la década, los críticos comenzaron a referirse a esta ola como "vertedero independiente", un término acuñado por Andrew Harrison de Word Magazine para describir el exceso de bandas de guitarra indistinguibles que inundan la corriente principal. En un artículo de Vice 2020, el líder de Razorlight, Johnny Borrell, fue denominado "el único hombre que definió, encarnó y vivió el vertedero independiente". A pesar de rozar contra la energía cruda y el caos mítico y odio de los Libertines, Razorlight fue visto como emblemático de una banda que encarnaba la superficie, pero no el alma, del movimiento, "impresionantemente promedio", como lo expresó la pieza.
En una columna Guardian de 2009, el periodista Peter Robinson declaró la era indie del vertedero oficialmente muerta. Él seleccionó a los wombats, explorando para las chicas, y Joe Lean y el Jing Jang Jong como los finales finales en el ataúd. "Si el vertedero indie fuera un juego de Buckaroo", escribió, "estos tres habrían enviado toda la carga de la monotonía de radio que volaba altísimas".

El vertedero independiente finalmente se convirtió en un símbolo de cómo indie rock, una vez una alternativa rebelde a la corriente principal, se había saturado, mercantilizado y despojado de su borde.

El éxito continuo de Indie Rock: 2010 hasta la actualidad

El éxito comercial de Indie Rock se llevó bien en la década de 2010 con lanzamientos importantes como The Suburbs (2010) de Arcade Fire, The Black Keys 'Turn Blue (2014), Kings of Leon's Walls (2016) y The Killers' Wonderful Wonderful (2017), que encabezó tanto el Billboard 200 en la lista de álbumes oficiales de los Estados Unidos como los álbumes oficiales en el Reino Unido. Los suburbios incluso se llevaron a casa el Grammy para el álbum del año en 2011. Otros artistas independientes: Florence and the Machine, The DecicEntists y LCD Soundsystem, aterrizaron singles No. 1 en los Estados Unidos durante la década, mientras que bandas como Vampire Weekend, Bon Iver, Death Cab para Cutie, el Servicio Postal y Arctic Monkeys lograron ventas de platino.

El tercer álbum de Vampire Weekend, Modern Vampires of the City (2013) ganó el Grammy para el mejor álbum de música alternativa en 2014, y en 2019, el escritor de consecuencia Tyler Clark lo describió como "llevando el Banner de Rock Indie en el mundo de la música más amplia". Arctic Monkeys 'AM (2013) se convirtió en uno de los álbumes de indie rock más grandes de la década, debutando en el número 1 en el Reino Unido, vendiendo 157,329 copias en su primera semana y convirtiéndose en el álbum del año más vendido más rápido del año. Con AM, la banda se convirtió en el primer acto en un sello independiente en debutar en el número 1 en el Reino Unido con sus primeros cinco álbumes. A partir de junio de 2019, AM había pasado 300 semanas en la lista de álbumes del Reino Unido Top 100. El álbum también llegó al No. 1 en Australia, Bélgica (Flandes), Croacia, Eslovenia, Dinamarca, Irlanda, Países Bajos, Nueva Zelanda y Portugal, y ingresó a los 10 mejores en varios otros países.

En los Estados Unidos, AM vendió 42,000 copias en su primera semana y debutó en el número 6 en el Billboard 200, convirtiéndose en el lanzamiento de más alto nivel de los Monos del Ártico en los Estados Unidos. En agosto de 2017, el RIAA certificó el álbum platino, con más de 1 millón de unidades equivalentes vendidas en los EE. UU. A partir del 14 de abril de 2023, cada pista del álbum había sido certificada plateada o superior por el BPI, siendo "Mad Sounds" el último en llegar a ese hito.

Fuego arcade

A principios de la década de 2010, el 1975 comenzó a fusionar el indie rock con sensibilidades pop, un movimiento que inicialmente polarizaba a los críticos. Fueron nombrados "Peor Band" en los Premios NME 2014, pero para 2017, habían llevado a casa el premio a "Mejor banda en vivo". Yasmine Summan de Alternative Press escribió que si 2013 y 2014 pudieran resumirse en un solo álbum para los fanáticos de la música independiente y alternativa, sería el debut homónimo de 1975. En The Guardian, el periodista Mark Beaumont acreditó a la banda con "Inshering Indie Rock en la corriente principal", comparando la influencia del líder Matty Healy con la de Pete Doherty de los Libertinas. Pitchfork también enumeró el 1975 como uno de los actos más influyentes de la música desde 1995.

El éxito de la banda ayudó a provocar una ola de actos de indie pop de estilo igualmente, un movimiento que algunos críticos denominaron "Healywave". Los nombres notables incluyeron olas pálidas, los ases, Joan, amigos voluble y no Roma. Entre ellos, las olas pálidas se destacaron comercialmente. Su debut mi mente hace que los ruidos se trazen en el número 8 en el Reino Unido, ¿quién soy yo? (2021) El golpe número 3, y no deseado (2022) alcanzó el número 4.

Casi al mismo tiempo, Wolf Alice surgió como una gran fuerza en la escena. Su segundo álbum Visions of a Life (2017) ganó el prestigioso Premio Mercury en 2018, y su tercero, Blue Weekend (2021), fue nominado. Escribiendo para Dork en 2021, Martin Young señaló: "Es imposible exagerar lo importante que son Wolf Alice. Han sido el catalizador detrás de casi todas las bandas brillantes sobre la que has leído en Dork en los últimos cinco años".

Icónicos álbumes de indie rock y canciones

Cuando Buzzcocks lanzó Spiral Scratch en 1977, se convirtió en el primer álbum independiente en el sentido moderno. Inicialmente presionado en una ejecución modesta de solo 1,000 copias, la banda y la industria se sorprendieron cuando la demanda los obligó a imprimir 15,000 más. El éxito del EP marcó el comienzo de una creciente comunidad de artistas comprometidos con la independencia del sistema principal de etiquetas.

Otro álbum indie histórico fue el diez de Pearl Jam. Aunque más comúnmente asociado con el grunge, Ten jugó un papel importante en la definición del sonido de la escena de Seattle de la década de 1990 y ayudó a poner el término "grunge" en uso popular. Al igual que muchos lanzamientos independientes y alternativos de la época, el álbum inicialmente fue lento para ganar tracción, tardando aproximadamente un año en entrar en las listas de carteles.

Líricamente, Indie Rock siempre se ha inclinado a la narración de historias, a menudo profundamente personal y emocionalmente resonante.
El huele a Nirvana como un espíritu adolescente capturó la angustia y la confusión de la juventud bajo presión.

Weezer, dice que no es tan contado la historia de una familia fracturada por el alcohol, inspirada por la infancia de los frontales Rivers Cuomo.
El Sr. Brightside de los asesinos pintó una vívida imagen de los celos y la angustia, un hombre atormentado por la idea de perder el que ama a otra persona.

Estas canciones, con su emoción cruda y su experimentación sonora, ayudaron a dar forma al núcleo del indie rock y continuar inspirando nuevas generaciones de músicos.

El futuro del indie rock

A medida que la música independiente se vuelve más accesible y convencional, muchos creen que el futuro de la industria de la música puede estar en manos de artistas independientes. Con menos guardianes, los músicos independientes son libres de superar los límites, explorar nuevos sonidos y desarrollar sus propias identidades en sus propios términos.

La nueva ola de artistas de hoy a menudo se describe como fluido de género, difuminando las líneas entre el rock, el pop, el hip-hop y más. Artistas como Dominic Fike y Declan McKenna representan este cambio, creando música que desafía la clasificación fácil. A medida que la industria de la música y sus oyentes se vuelven más diversos y de mente abierta, indie rock, en todas sus formas en evolución, está listo para seguir creciendo, formando y redefiniendo qué puede ser la música moderna.