Qu'est-ce que le rock indie

Indie Rock a pris forme au début des années 1980 à travers le Royaume-Uni, les États-Unis et la Nouvelle-Zélande. À l'époque, le terme faisait référence à la musique publiée par des labels indépendants, mais il est rapidement venu représenter une esthétique plus large - brute, expérimentale et plus motivée par la vision que par des formules commerciales.

L'une des premières fondements du genre a été le «Dunedin Sound» de la Nouvelle-Zélande, avec des groupes comme les Chills et The Clean. Aux États-Unis, les stations de radio universitaires ont joué un rôle déterminant dans la promotion d'artistes comme The Smiths et REM, donnant du temps d'antenne à la musique qui se sentait en dehors du courant dominant. Au milieu des années 80, Indie Rock avait commencé à prendre forme comme sa propre scène, stimulée par la compilation NME C86 du Royaume-Uni et la montée souterraine de groupes comme Sonic Youth et Dinosaur Jr. aux États-Unis.

Les années 90 ont apporté une vague de nouveaux sous-genres:

• Slowcore , avec ses tempos de mauvaise humeur et entraînés;
• Midwest Emo , connu pour ses paroles sincères;
• Slacker Rock , marqué par une livraison décontractée et une esthétique Lo-Fi;
• Shoegaze , défini par une forte utilisation des effets de guitare et des voix introspectives.

Alors que Grunge et Britpop ont pris de l'ampleur, le courant dominant a commencé à coopter des sons indépendants. Les principaux labels se sont penchés dans «l'image indie» en tant qu'outil de marketing, qui a créé une scission: certaines bandes se sont penchées sur l'exposition, d'autres ont doublé pour rester à l'extérieur du radar.

Dans les années 2000, Indie Rock a fait un autre saut sous les projecteurs. Des actes comme les coups, les libertins, les singes arctiques et les tueurs ont apporté une énergie de renouveau post-punk liée à une nouvelle génération. Ce boom a conduit à une explosion de bandes à consonance similaire - une vague que la presse britannique a plus tard surnommé la décharge indie.

Pourtant, à travers tous les changements, le rock indépendant est resté fidèle à ses racines - centré sur la liberté créative, un esprit de bricolage et un instinct pour défier la norme.

Qu'est-ce qui fait une chanson Indie: Sound, Spirit et Style

Le terme «indie» est apparu pour la première fois à la fin des années 1970 à Manchester, lorsque le groupe Buzzcocks a sorti leur EP Spiral Scratch sans l'aide d'un label majeur. Ce moment a marqué le début d'un nouveau type d'indépendance musicale.

Indie n'est pas seulement de savoir qui publie la musique - il s'agit d'un contrôle créatif. Les artistes gèrent leur propre enregistrement, direction et son sans pression des grands acteurs de l'industrie. Cette liberté mène à une musique qui se détache des formules et se sent plus personnelle et originale.

Stylistiquement, l'Indie tire de partout: punk, grunge, pop, hip-hop, même rock psychique. C'est ainsi que vous obtenez des groupes comme les rayures blanches, mélangeant du rock garage avec du blues, ou Young the Giant, qui mélange des crochets accrocheurs avec des textures de guitare en couches.

Les rayures blanches

Jeune le géant

Même avec toute cette variété, la musique indépendante porte toujours une énergie reconnaissable. C'est brut, c'est honnête, et c'est motivé par la vision de l'artiste - pas par les tendances ou les graphiques commerciaux.

Définir les traits du rock indépendant: son, vision et contraste

Indie Rock est plus qu'un simple genre - c'est un état d'esprit, une façon de faire et de partager de la musique. Le mot «indie» vient de «indépendant» et a fait référence à l'origine à des artistes et des groupes libérant de la musique sur de petites étiquettes à petit budget. Même lorsque la distribution impliquait les grandes entreprises, ces artistes visaient à préserver le contrôle créatif et à éviter d'être dirigé par les tendances de l'industrie.

Cette indépendance a ouvert la porte à l'expérimentation - avec le son, les thèmes et l'émotion - souvent éloignés de ce que la musique dominante offrait. Indie Rock a toujours tiré une variété d'influences:

• punk et post-punk (buzzcocks, fil, télévision);
• «Psychedelia et garage Rock des années 60 (Velvet Underground, The Doors);
• Art Rock et Lo-Fi esthétique;
• touches du pays et du folk.

Selon AllMusic, Indie Rock comprend des artistes dont les approches musicales se heurtent souvent aux goûts traditionnels. Il s'étend, du grunge lourd de guitare au punk folklorique et au rock avant-gardiste. Ce qui le connecte n'est pas le style - c'est un lecteur partagé pour l'autonomie et l'originalité.

Dans son livre, Brent Luvaas met en évidence la façon dont le rock indépendant est enraciné dans la nostalgie - pour le son des années 60, pour un esprit de bricolage, et pour les paroles qui portent souvent une profondeur littéraire. Cette influence peut être entendue dans des groupes comme les Smiths et les Roses en pierre, qui ont souligné à la fois l'atmosphère et la narration.

Le musicologue Matthew Bannister a décrit le genre comme «de petits groupes de gars blancs avec des guitares», issus du punk et du rock des années 60, tout en se distanciant délibérément des normes commerciales. L'anthropologue Wendy Fonarow a identifié deux principales mentalités indies:

• le «puriste» - favorisant le minimalisme, la brutalité et l'honnêteté émotionnelle;
• Le «romantique» - plus expressif, excentrique et stylistiquement audacieux.

Cette scission était particulièrement visible dans les années 1990. Les groupes britanniques se sont penchés vers la performance et le flair esthétique, tandis que de nombreux actes américains ont adopté un son lo-fi et non poli en tant que marqueur de l'authenticité.

Indie Rock a également ouvert plus d'espace aux femmes. Le mouvement Riot Grrrl, dirigé par des groupes comme Bikini Kill, Bratmobile et Team Dresch, a contesté les normes non seulement en prenant la scène, mais en façonnant les idées derrière la musique. Pourtant, comme le note Courtney Harding, la même égalité ne s'est pas étendue au leadership - les femmes qui dirigent des étiquettes indépendantes restent une minorité encore aujourd'hui.

Bikini tuer

Le rock indépendant couvre un large éventail de styles - de la pop indie axée sur le synthé au post-punk brut et même des influences hip-hop - mais la plupart des groupes indépendants partagent quelques valeurs fondamentales dans la façon dont ils abordent la musique.

• Éthique de bricolage . La plupart des artistes indépendants opèrent en dehors du soutien financier des principaux labels. Ils paient pour le temps de studio de votre poche ou enregistrent à la maison avec tout l'équipement dont ils disposent. Cette approche pratique maintient le processus entièrement indépendant - de la première démo à la version finale;
• Lo-Fi esthétique . Avant que des logiciels comme Pro Tools et Logic ne deviennent largement accessibles, les musiciens indépendants ne pouvaient souvent pas se permettre des studios professionnels. Cela a donné naissance à un son LO-Fi reconnaissable - des guitares granuleuses, un bruit de fond et une finition intentionnellement rugueuse. Aujourd'hui encore, certains artistes s'en tiennent à cette texture, en utilisant des imperfections dans le cadre de leur identité artistique;
• Écriture de chansons interne . Contrairement au hip-hop pop ou grand public, où les chansons sont souvent construites par des équipes de producteurs et d'écrivains, la musique indépendante est généralement écrite par les artistes eux-mêmes. Cela pourrait signifier des auteurs-compositeurs-interprètes solo comme Phoebe Bridgers, ou des groupes complets comme Fugazi ou Sleater-Kinney, où l'écriture de chansons est un effort de groupe - non externalisé aux professionnels;
• Authenticité sur le flash . Indie Rock ne concerne pas les solos de déchiquetage ou les acrobaties vocales. Il se penche sur des performances honnêtes et humaines. De nombreux groupes indépendants peuvent facilement reproduire leur son enregistré en direct sans avoir besoin d'une équipe de sauvegarde de musiciens de studio - et cette livraison brute et non filtrée est exactement ce avec quoi les fans se connectent. Il s'agit moins de perfection et plus d'émotion réelle.

Comment la scène du rock indie a commencé: de Buzzcocks au son Dunedin

The BBC Documentary Music for Misfits: The Story of Indie attribue l'origine du terme «Indie» à la sortie de Spiral Scratch en 1977, un EP autofinancé par le groupe de Manchester Punk Buzzcocks, publié par leur propre label New Hormones. Cette décision a déclenché une vague d'activités de bricolage - les groupes ont commencé à enregistrer, à imprimer et à distribuer leur propre musique. Des groupes comme Swell Maps, le niveau «O», les personnalités de la télévision et les vélos désespérés ont rapidement suivi.

Buzzcocks

La distribution a augmenté avec l'aide du cartel, un réseau de petits distributeurs comme Red Rhino et Rough Trade Records, qui a aidé à faire entrer les sorties indépendantes dans des magasins de disques à travers le Royaume-Uni. Cette infrastructure a donné à la musique indépendante une présence physique dans les magasins, ce qui lui permet de rivaliser avec les versions majeures.

Les étiquettes indépendantes faisaient également des vagues en dehors du Royaume-Uni. Aux États-Unis, Beserkley Records a sorti le premier album de The Modern Lovers, et Shiter Records a publié New Rose par le Damned, considéré comme le premier single punk britannique. En Australie, les Saints ont sorti (je suis) bloqué par leur propre label Fatal Records, suivi de The Go-Betweens, qui a fait ses débuts avec le single indépendant Lee Remick.

Un chapitre clé du développement d'Indie s'est déroulé à Dunedin, en Nouvelle-Zélande. Au début des années 80, Flying Nun Records a été fondée, devenant la maison d'une génération d'artistes qui ont créé ce qui a été connu sous le nom de Dunedin Sound. Selon Audioculture, l'un des premiers groupes de cette scène a été l'ennemi, formé par Chris Knox et Alek Bathgate. Bien que de courte durée, le groupe a laissé une impression durable sur des musiciens plus jeunes comme Shayne Carter, qui a continué à former Doublehappys et Straitjacket.

Après la séparation de l'ennemi, Knox a continué à former l'amour des jouets, puis de grands nains, l'un des premiers actes à embrasser l'enregistrement à domicile et l'esthétique Lo-Fi - des éléments clés de ce qui allait devenir le son indépendant.

Le son Dunedin était marqué par des guitares jangly, des voix tamisées et une ambiance mélancolique. Il a gagné une reconnaissance plus large dans le single-ho-ho de Clean 1981! et la compilation de 1982 Dunedin Double, qui mettait en vedette les frissons, les sentiments sournois, les Verlaines et les Stones. Le style s'est rapidement propagé au-delà de Dunedin à des villes comme Christchurch et Auckland, aidant à façonner le rock indépendant comme un mouvement culturel distinct.

Pendant ce temps, aux États-Unis, les stations de radio universitaires sont devenues cruciales pour la musique indépendante émergente dans les années 1980. Ils ont diffusé un rock alternatif, un post-punk, un post-hardcore et une nouvelle vague - des sons rarement entendus à la radio commerciale. Ces groupes étaient collectivement appelés College Rock, un terme lié davantage à la plate-forme qu'à n'importe quel genre.

Des artistes comme Rem et les Smiths ont été particulièrement influents. Le musicologue Matthew Bannister les considère comme certains des premiers vrais groupes indépendants. Leur influence peut être entendue dans des groupes comme Let's Active, les Housemartins et les Los Angeles. À cette époque, le terme «rock indie» a commencé à s'appliquer non seulement aux étiquettes, mais aux artistes qui libérent de la musique indépendamment.

Le journaliste Steve Taylor a également souligné la scène underground de Paisley en tant que première partie de l'histoire indépendante. Le genre est devenu plus sombre et plus atmosphérique entre les mains d'artistes comme l'expérience de la chaîne Jesus et Mary et de Jean-Paul Sartre, toutes deux associées à la religieuse volante.

Finalement, après que les efforts de lobbying de NPR ont entraîné une réduction du nombre de stations de radio universitaire, le terme «collégial» a commencé à s'estomper. À sa place, une étiquette plus flexible et durable s'est installée - Indie - qui continuerait à définir une génération de musique qui priorise la créativité, l'indépendance et l'auto-direction.

Chaîne de Jésus et Marie

L'évolution du rock indie: de C86 à Grebo et Shoegaze

Au Royaume-Uni, un tournant clé pour la scène indépendante est venu avec la sortie de C86, une cassette de compilation assemblée par NME en 1986. Il a présenté des morceaux de Primal Scream, les pastels, le présent de mariage et d'autres qui ont mélangé la production de Jangle Pop, Post-Punk et Phil Spector de style spectateur. Plus tard, le critique Bob Stanley l'a appelé «le début de la musique indépendante». Le terme C86 a rapidement augmenté au-delà de la cassette elle-même, devenant une raccourci pour une vague entière de groupes avec des sons venteux, lo-fi - souvent étiquetés Anorak Pop ou Indie émouvant. Alors que certains agissent comme des dragons de soupe, des cris primaires et le présent de mariage ont trouvé le succès du graphique, beaucoup d'autres se sont estompés dans l'obscurité.

Aux États-Unis, la montée de Rem a donné une alternative à l'intensité du hardcore, ouvrant la porte à de nouveaux musiciens - en particulier ceux qui continueraient à façonner la scène post-hardcore, comme Minutemen. Les grands labels ont pris note et ont brièvement signé des groupes comme Hüsker Dü et les remplacements, bien que leurs sorties ne correspondent pas aux performances commerciales de REM. Pourtant, leur influence durait. À la fin des années 80, des actes comme Sonic Youth, Dinosaur Jr. et des troubles libéraient de la musique via des étiquettes indépendantes, et à la fin de la décennie, Sonic Youth and Pixies avait signé des majors eux-mêmes.

À cette époque, Shoegaze a émergé comme un sous-genre de rock indépendant, développant le style «mur du son» lancé par la chaîne Jésus et Marie. Shoegaze a fusionné cette texture avec des éléments de Dinosaur Jr. et des jumeaux Cocteau, créant une atmosphère sombre et brumeuse où les instruments se broyaient souvent ensemble. Mon sanglant Valentine était les premiers pionniers avec EP et leurs débuts ne sont rien, inspirant une nouvelle vague de groupes de Londres et de la vallée de la Tamise comme Chapterhouse, Moose et Lush. En 1990, Steve Sutherland de Melody Maker a surnommé cette scène «La scène qui se célèbre».

Pendant ce temps, Madchester est devenu un hybride de rock indépendant de style C86, de musique de danse et de culture rave hédoniste, avec une utilisation lourde des psychédéliques. Basé à Manchester et centré autour de la boîte de nuit de Haçienda - lancé en 1982 par des disques d'usine - le mouvement a tiré de l'énergie à partir d'actes comme New Order, Cabaret Voltaire et The Smiths. En 1989, les débuts de Happy Mondays 'Bummed and the Stone Roses avaient défini la scène. Des actes comme les Charlatans, 808 State et Inspiral Carpets ont rapidement suivi.

Le son Madchester - un mélange de rythmes indépendants et dans les guitares - est devenu connu sous le nom de danse indépendante, ou plus spécifiquement, le sous-genre Baggy. L'un des moments déterminants du mouvement a été le concert de Spike Island de Stone Roses le 27 mai 1990. Avec 28 000 fans et un runtime de 12 heures, il a été le premier événement majeur de son genre organisé par un groupe indépendant.

Dans le même temps, une scène distincte grandissait à Stourbridge, connue sous le nom de Grebo. Les bandes mixtes punk, électroniques, folkloriques et même influences hip-hop, créant un son plus lourd et plus sale. Dirigée par POP mangera lui-même, The Wonder Stuff, et la poubelle atomique de Ned, le mouvement n'était pas tant un genre qu'un moment culturel localisé. Leurs célibataires ont été tracés - sage! Sucker et pouvez-vous le creuser? Par POP, il se mangera lui-même a atterri dans le Top 40 du Royaume-Uni - et Stourbridge est brièvement devenu un site de pèlerinage pour les fans indépendants.

Entre 1989 et 1993, les albums de Cornerstone de la scène Grebo ont laissé tomber: Hup et n'ont jamais aimé Elvis de The Wonder Stuff; Dieu du fourrage et êtes-vous normal? de la poubelle atomique de Ned; Et Pop se mangera lui-même c'est le jour… c'est l'heure… c'est ça! Et les looks ou le style de vie?. Ces groupes sont devenus des habitués du festival à Reading, vendu des millions de disques et ont honoré les couvertures de NME et Maker Melody.

Ce qui distingue Grebo n'était pas seulement ses influences éclectiques, mais son rejet de l'ambiance polie ou mélancolique qui définissait une grande partie du rock indépendant. Il a embrassé la distorsion, la fanfaronnade et un avantage plus dur. Des groupes similaires de Leicester à proximité - Bomb Party, Gaye Bykers sur Acid, Crazyhead, Hunters Club et Scums - sont rapidement devenus une partie du mouvement, cimentant la place brève mais bruyante de Grebo dans l'histoire indépendante.

La division traditionnelle vs underground dans le rock indépendant: les années 1990

Au début des années 1990, la scène grunge de Seattle a explosé dans le courant dominant. Des groupes comme Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden et Alice in Chains sont devenus des noms de ménage, avec un succès en petits groupes de Nirvana attirant une attention massive sur le rock indépendant. En conséquence, le terme rock indie a commencé à céder la place à un rocher alternatif - une étiquette qui, au fil du temps, a perdu son sens contre-culturel d'origine. Ce qui était autrefois associé à l'indépendance et au statut d'étranger est devenu un raccourci pour une version plus agréable au goût du rock axée sur la guitare qui a maintenant dépassé les graphiques.

Carl Swanson, écrivant pour le magazine de New York, a fait valoir que même le terme vendu avait commencé à perdre un sens dans ce nouveau paysage, car le grunge prouvait que même les mouvements les plus de niche ou les plus radicaux pouvaient être absorbés par le courant dominant. Ce qui a émergé était une culture individualiste fracturée qui opérait toujours sous l'influence de grands labels et médias.

Le boursier des médias Roy Shuker, dans son livre Popular Music: The Key Concepts, a noté que le grunge est devenu essentiellement la version grand public de l'esthétique du rock indépendant nord-américain des années 80. Il a suggéré que le fait d'être «indépendant» était alors devenu autant un outil de marketing que n'importe quel trait sonore reconnaissable. Ce changement a provoqué une scission claire dans le monde du rock indépendant: certains groupes se sont penchés sur l'accessibilité de la radio rock alternative, tandis que d'autres ont doublé l'expérimentation et sont restés fermement sous terre. Selon AllMusic, c'est au cours de cette période que la roche indépendante est devenue plus étroitement définie - se référant spécifiquement aux actes souterrains, tandis que leurs pairs plus réussis commercialement ont été rebaptisés comme alternative.

L'une des réponses musicales les plus claires à ce changement a été Slowcore, qui s'est développée aux États-Unis comme un contraste direct avec la domination croissante du grunge. Bien que les limites de Slowcore soient floues, elle présente généralement des tempos lents, une instrumentation clairsemée et des paroles mélancoliques. Galaxie 500 - en particulier leur album en feu de 1989 - a eu un impact énorme sur le genre. Comme Robert Rubsam l'a écrit pour Bandcamp Daily, ils étaient «le point d'origine pour tout ce qui est venu après». La première vague de bandes lents comprenait des peintres à la maison rouge, de la codéine, de la tête de lit, de l'Ida et de la basse. Le genre n'était lié à aucune ville ou scène, et beaucoup de ses artistes se sont développés en isolement relatif les uns des autres.

Vers 1991, une ramification plus jeune et plus rugueuse du mouvement Grebo a commencé à émerger. Ces bandes ont été étiquetées fraggle - un nom appliqué quelque peu ironique aux groupes qui se sont fortement tirés du punk, de l'eau de Javel de Nirvana et souvent utilisé. Stephen Klain, de Gigwise, a décrit le son comme «des guitares sales, des cheveux encore plus sales et des t-shirts que seule une maman laverait.» Les bandes de fragles notables comprenaient des choses insensées, Mega City Four et Carter la machine de sexe imparable. Ils portaient l'esprit indépendant, mais avec une énergie plus chaotique et un style visuel qui n'était pas impoli.

Choses insensées

L'écrivain de spin Charles Aaron a décrit le trottoir et guidé par des voix comme «les deux groupes qui ont défini le rock indépendant à cette époque et, pour beaucoup, incarnent encore ce que le terme signifie». Les deux groupes ont embrassé les styles de production de Lo-Fi qui reflétaient et romantisent leur éthique de bricolage. L'album de 1992 de Pavement en 1992 Slanted and Enchanted est devenu la pierre angulaire du sous-genre Rock Slacker. Rolling Stone l'a appelé «l'album indie rock par excellence» et l'a inclus dans leur liste des 500 plus grands albums de tous les temps.

Dans le triangle de recherche de Caroline du Nord, la scène indépendante a été dirigée par des groupes signés pour fusionner des disques, notamment Superchunk, Archers of Loaf et Polvo. Ces bandes ont façonné un mouvement régional influencé à la fois par le punk hardcore et le post-punk. À cette époque, des points de vente comme Entertainment Weekly appelaient Chapel Hill «le prochain Seattle». Le Mother Enfucker Single Slack de Superchunk a également été mis en lumière par le magazine Columbia comme un hymne déterminant du rock indépendant des années 90 et un symbole du stéréotype de Slacker.

Pendant ce temps, au Royaume-Uni, la montée de Britpop a poussé de nombreux premiers groupes de rock indépendants en arrière-plan. Dirigés par Blur, Oasis, Pulp et Suede, les actes de Britpop se sont initialement positionnés comme des alternatives souterraines - une réponse à la domination de la scène du Grunge américain. Alors que Britpop devait une grande partie de son style au rock indépendant et a commencé dans le cadre de cette lignée, de nombreux groupes ont rejeté l'esprit anti-établissement du genre. Au lieu de cela, ils ont amené Indie fermement dans le courant dominant, avec des actes comme un flou et une pâte à signaler aux grands labels.

Dans son essai qui travaille le point? La politique de la Grande-Bretagne en «Nouvelle-Bretagne», universitaire et politicienne Rupa Huq, a fait valoir que Britpop «a commencé comme une ramification de la scène musicale indépendante de la Grande-Bretagne mais l'a peut-être tué, comme indépendant et le courant dominant - effaçant l'élément de protestation qui avait autrefois défini la musique indie britannique.» Le journaliste de musique John Harris a tracé les origines de Britpop au printemps 1992, lorsque le quatrième single de Blur PopScene et le premier single de Suede, The Drowners, a été publié presque simultanément. "Si Britpop commençait n'importe où", a-t-il écrit, "c'est dans la vague d'acclamation qui a salué les premiers singles de Suede: audacieux, triomphant et incontestablement britannique." Le daim a été le premier d'une nouvelle vague de groupes axés sur la guitare embrassés par la Music Press britannique en tant que réponse britannique au Grunge de Seattle. Leur premier album éponyme est devenu les débuts les plus vendus de l'histoire britannique à l'époque.

Diversifier le rock indie

Le premier album de Sunny Day Real Estate Diary (1994) a aidé à inaugurer une nouvelle vague d'Emo en fusionnant des thèmes émotionnels avec l'esthétique du rock indépendant. Aux côtés des groupes comme Piebald, The Promise Ring et Cap'n Jazz, Emo de deuxième onde s'est éloigné de ses racines hardcore, évoluant en un genre plus mélodique et structurellement raffiné.

Cette nouvelle approche d'Emo a fait irruption dans le courant dominant au début des années 2000 avec des albums de platine comme Jimmy Eat's Bleed American (2001) et The Places You Have To Creat de Dashboard de Dashboard. Une poche particulièrement influente de ce mouvement a émergé dans le Midwest, où des groupes comme le football américain ont mélangé des tons de guitare chatoyants et des éléments de rock mathématique dans un son distinct. La popularité croissante d'Emo a également contribué à stimuler la visibilité pour les actes «entre les deux» comme Death Cab for Cutie, Modest Mouse et Karate - des groupes qui ne correspondaient pas carrément à Emo ou à Indie, mais qui ont prospéré quelque part dans le chevauchement.

Pendant ce temps, le Collective Elephant 6 - avec des pommes en stéréo, Beulah, Système circulatoire, Elf Power, The Minders, Neutral Milk Hotel et The Olivia Tremor Control - a apporté une touche psychédélique au rock indépendant. Dans Gimme Indie Rock, l'auteur Andrew Earles a crédité le collectif - en particulier le Neutral Milk Hotel's on Avery Island (1996) - avec le maintien de l'indie artistiquement pertinent pendant une période où d'autres mouvements souterrains commençaient à s'estomper ou à se prolonger.

L'Indietronica (ou électronique indie) est devenu un autre point de fusion, mélangeant des structures de roches indépendantes avec la production électronique - échantillonneurs, synthés, machines à rodage et logiciels. Plutôt qu'un genre spécifique, Indietronica a décrit un mouvement plus large au début des années 90 qui s'est appuyé sur les traditions Krautrock, Synth-Pop et expérimentales comme l'atelier radiophonique de la BBC. Les actes fondamentaux comprenaient la disco Inferno, le stéréolab et l'espace du Royaume-Uni, avec la plupart des artistes liés à des étiquettes comme Warp, Morr Music, Sub Pop ou Ghostly International.

Space Rock, une autre branche de l'Indie, s'est inspiré du rock psychédélique, des textures ambiantes et des styles cosmiques de Pink Floyd et Hawkwind. En commençant par Spacemen 3 dans les années 80, le style s'est étendu à travers des groupes comme l'attaque de soucoupe spiritualisée et volante, Godpeed vous! Empereur noir et Quickspace, combinant le drone, l'atmosphère et la structure indépendante.
Alors que Britpop s'estompait à la fin des années 90, Post-Britpop a creusé son propre espace au sein du Rock indie britannique. Vers 1997, la désillusion avec Cool Britannia a grandi et les groupes ont commencé à se distancier du label Britpop - même s'ils conservaient des connexions stylistiques. Avec Britpop en déclin, les nouveaux groupes ont acquis une reconnaissance critique et publique plus large. Les hymnes urbains de Verve (1997) ont été un succès mondial et ont marqué leur pic commercial avant de se séparer en 1999. Radiohead, quant à lui, a eu un succès modeste avec The Bends (1995) mais a éclaté avec OK Computer (1997), suivi de l'adhésion du genre A (2000) et Amcesiac (2001), méritant une grande acclamation.

Les influences stéréophoniques post-grunge et hardcore mixtes sur des albums comme Word Get Around (1997) et Performance et Cocktails (1999), avant de se déplacer vers une composition de chansons plus mélodique sur juste assez d'éducation pour jouer (2001) et des sorties ultérieures.

Feeder, initialement enraciné dans le post-grunge américain, a trouvé un son plus lourd et plus radio-amical sur leur single Buck Rogers et l'album Echo Park (2001). Après la mort du batteur Jon Lee, le groupe s'est déplacé dans une direction plus introspective avec Refort in Sound (2002), qui est devenu leur sortie de rock indépendante la plus réussie, engetant une chaîne de singles à succès.

Le groupe de rock indépendant le plus dominant du nouveau millénaire était Coldplay, dont les deux premiers albums - Parachutes (2000) et A Rush of Blood To the Head (2002) - sont allés multi-platine, cimentant leur place en tant que superstars mondiales de The Time X&T ont chuté en 2005. Pendant ce temps, Snow Patol's Chasing Cars (de leur album d'album 2006) est devenu le plus grand jeu de la chanson de la radio au Royaume-Uni.

La montée grand public du rock indépendant: les années 2000

Le renouveau post-punk et garage rock

La poussée d'Indie Rock vers les projecteurs dans les années 2000 a commencé avec les coups et leur premier album de 2001 est This It. Canaliser l'esprit des groupes des années 60 et 70 comme The Velvet Underground et The Ramones, le groupe visait à sonner, selon leurs propres mots, comme «un groupe du passé qui s'est rendu dans le futur pour faire un disque». Alors que l'album a culminé au n ° 33 aux États-Unis, il est resté dans les charts pendant deux ans et a fait ses débuts au n ° 2 au Royaume-Uni. À l'époque, le rock grand public était dominé par la post-grunge, le nu-metal et le rap-rock, faisant que le renouveau brut et le garage du garage se sentent comme un contraste vif - et une bouffée d'air frais.

Le succès du groupe a contribué à me procurer d'autres actes de New York avec des influences vintage, notamment Yeah Yeah Yeahs, Interpol et TV à la radio. Cette vague inspirée du garage comprenait également les bandes blanches, les vignes et les ruches, qui ont été rapidement surnommées «les» bandes par les médias. Rolling Stone a capturé le moment avec sa couverture de septembre 2002 déclarant: «Rock est de retour!»

L'élan des coups a également déclenché un renouveau dans le métro post-Britpop du Royaume-Uni. Inspirée par leur son, une vague de groupes britanniques a commencé à retravailler leur approche. Les premiers stands comprenaient Franz Ferdinand, Kasabian, Maximo Park, The Cribs, Bloc Party, Kaiser Chiefs et les autres. Mais les libertins, formés en 1997, étaient considérés comme la réponse directe du Royaume-Uni aux coups. AllMusic les a décrits comme «l'un des groupes britanniques les plus influents du 21e siècle», tandis que les indépendants ont noté: «Les Libertines se sont dirigés être un important groupe de rock indépendant, mais n'auraient pas pu prédire à quel point ils façonneraient la scène.»

Le mélange des influences de The Clash, The Kinks, The Smiths et The Jam, The Libertins a conçu un son de guitares et de paroles de Tinny et Trely Fory sur la vie britannique, chantée en accents indubitablement anglais. Leur style s'est rapidement répandu dans des groupes comme les Fratellis, les Kooks et la vue, qui ont tous connu un succès commercial majeur. Mais aucun groupe n'a eu un impact plus important que les singes arctiques de Sheffield - l'un des premiers groupes à exploiter le pouvoir des médias sociaux pour construire une base de fans. Leurs débuts en 2006, tout ce que les gens disent que je suis, c'est ce que je ne suis pas devenu le premier album le plus vendu dans l'histoire du graphique britannique, après deux singles n ° 1.

Cette vague de popularité a aidé à utiliser des actes underground traditionnellement dans le courant dominant. La bonne nouvelle de Modest Mouse pour les personnes qui aiment les mauvaises nouvelles (2004) ont fait irruption dans le top 40 américain et ont obtenu une nomination aux Grammy. Bright Eyes a décroché deux simples n ° 1 sur le tableau de vente unique Billboard Hot 100 en 2004. Death Cab for Cutie's Plans (2005) a fait ses débuts au n ° 4 aux États-Unis, est resté sur le palmarès Billboard pendant près d'un an, est devenu Platinum et a également gagné un signe de tête à Grammy. Avec «Indie» soudainement partout - de la musique à la mode et au cinéma - certains critiques ont commencé à affirmer que le terme avait complètement perdu son sens.

Pendant ce temps, les États-Unis ont vu une deuxième vague de groupes indépendants atteindre la reconnaissance mondiale. Des groupes comme The Black Keys, Kings of Leon, The Shins, The Bravery, Spoon, The Hold Stable et The National ont trouvé le succès critique et commercial. La plus grande évasion du groupe a été les tueurs, formés à Las Vegas en 2001. Après avoir entendu, ils l'ont supprimé, ils ont abandonné une grande partie de leur matériau précoce et l'ont réécrit en pensant à l'influence des coups.

Leur premier single M. Brightside est devenu un phénomène. En avril 2021, le morceau avait passé 260 semaines (cinq ans) dans le tableau des célibataires britanniques - plus longtemps que toute autre chanson. En 2017, il était apparu sur le graphique 11 des 13 années précédentes, y compris une course de 35 semaines qui a culminé au n ° 49 en 2016-2017. Jusqu'à la fin de 2018, c'était la chanson rock indépendante la plus diffusée de l'histoire du Royaume-Uni et était toujours téléchargée des centaines de fois par semaine jusqu'à 2017. En mars 2018, M. Brightside a franchi une autre étape: 200 semaines cumulatives dans le Top 100 du Royaume-Uni.

La propagation du rock indie et la montée de l'Indie de la décharge

Le succès de groupes comme The Strohes, The Libertines et Bloc Party a suscité une vague d'intérêt des principaux labels de la scène rock indépendante - une tendance qui n'a fait que s'intensifier à la suite de la rupture des singes de l'Arctique. Dans les années qui ont suivi la libération de tout ce que les gens disent que je suis, c'est ce que je ne suis pas, un flot de nouveaux groupes a émergé, y compris les fusils, les détectives de pigeon et Milburn. Beaucoup de ces actes ont offert une prise plus formule et arrosée du son de leurs prédécesseurs.

À la fin de la décennie, les critiques ont commencé à qualifier cette vague de «décharge indie» - un terme inventé par Andrew Harrison du magazine Word pour décrire la surabondance des groupes de guitare indiscernables inondant le courant dominant. Dans un article de Vice en 2020, le leader de Razorlight, Johnny Borrell, a été surnommé «le seul homme qui a défini, incarné et a vécu l'Indie de la décharge». Malgré le brossage contre l'énergie brute et le chaos d'amour mythique de la haine des Libertins, Razorlight était considéré comme emblématique d'un groupe qui incarnait la surface, mais pas l'âme, du mouvement - «moyenne impressionnante», comme l'a dit la pièce.
Dans une chronique de Guardian 2009, le journaliste Peter Robinson a déclaré l'ère indépendante de l'Indie officiellement mort. Il a distingué les wombats, recherché pour les filles, et Joe Lean et le Jing Jang Jong comme les derniers ongles du cercueil. "Si l'Indie de la décharge était un jeu de Buckaroo", a-t-il écrit, "ces trois auraient envoyé toute l'assocation de la monotonie radio-amicale volant à la hauteur du ciel."

La décharge indie est finalement devenue un symbole de la façon dont le rock indie, autrefois une alternative rebelle au courant dominant, était devenu saturé, marchandifié et dépouillé de son bord.

Succès en cours d'Indie Rock: 2010

Le succès commercial de l'Indie Rock a bien participé aux années 2010 avec des sorties majeures comme The Suburbs d'Arcade Fire (2010), The Black Keys 'Turn Blue (2014), Kings of Leon's Walls (2016) et The Killers' Wonderful Wonderful (2017), qui a dépassé le panneau d'affichage 200 aux États-Unis et au tableau officiel des albums au Royaume-Uni. Les banlieues ont même remporté le Grammy pour l'album de l'année en 2011. D'autres artistes indépendants - Florence and the Machine, les décembreistes et LCD Soundsystem - ont atterri les singles n ° 1 aux États-Unis au cours de la décennie, tandis que des groupes comme Vampire Weekend, Bon Iver, Death Cab for Cutie, The Postal Service et Arctic Monkeys ont atteint les ventes de platine.

Le troisième album du Vampire Weekend Modern Vampires of the City (2013) a remporté le Grammy for Best Alternative Music Album en 2014, et en 2019, l'écrivain de conséquence Tyler Clark l'a décrit comme «portant toujours la bannière de rock indépendante dans le monde de la musique plus large». L'AM d'Arctic Monkeys (2013) est devenue l'un des plus grands albums de rock indépendant de la décennie - ses débuts au n ° 1 au Royaume-Uni, vendant 157 329 exemplaires au cours de sa première semaine, et devenant le deuxième album de l'année le plus rapide. Avec AM, le groupe est devenu le premier acte sur un label indépendant à faire ses débuts au n ° 1 au Royaume-Uni avec leurs cinq premiers albums. En juin 2019, AM avait passé 300 semaines dans le tableau des albums britanniques Top 100. L'album a également atteint le n ° 1 en Australie, en Belgique (Flandre), en Croatie, en Slovénie, au Danemark, en Irlande, aux Pays-Bas, en Nouvelle-Zélande et au Portugal, et est entré dans le top 10 dans plusieurs autres pays.

Aux États-Unis, AM s'est vendu à 42 000 exemplaires au cours de sa première semaine et a fait ses débuts au n ° 6 sur le Billboard 200, devenant la sortie la plus élevée de l'Arctic Monkeys aux États-Unis. En août 2017, l'album a été certifié Platinum par la RIAA, avec plus d'un million d'unités équivalentes vendues aux États-Unis au 14 avril 2023, chaque morceau de l'album avait été certifié en argent ou plus par le BPI, avec «Mad Sounds» étant le dernier à atteindre cette étape.

Feu d'arcade

Au début des années 2010, le 1975 a commencé à fusionner le rock indépendant avec des sensibilités pop - une décision qui a initialement polarisé les critiques. Ils ont été nommés «Pire Band» aux NME Awards 2014, mais en 2017, ils avaient remporté le prix du «meilleur groupe live». Yasmine Summan d'Alternative Press a écrit que si 2013 et 2014 pouvaient se résumer dans un seul album pour les fans de musique indie et alt, ce serait les débuts éponymes des années 1975. Dans The Guardian, le journaliste Mark Beaumont a attribué au groupe de «l'usage du rock indie dans le courant dominant», comparant l'influence du chanteur Matty Healy à celle de Pete Doherty des Libertines. Pitchfork a également répertorié le 1975 comme l'un des actes les plus influents de la musique depuis 1995.

Le succès du groupe a contribué à déclencher une vague d'actes pop indies de style similaire, un mouvement que certains critiques ont surnommé «Healywave». Les noms notables comprenaient des vagues pâles, les As, Joan, des amis capricieux et pas de Rome. Parmi eux, les vagues pâles se sont démarquées commercialement. Leurs débuts, mon esprit fait des bruits carrés au n ° 8 au Royaume-Uni, qui suis-je? (2021) Hit No. 3, et indésirable (2022) a atteint le n ° 4.

Vers la même époque, Wolf Alice est devenue une force majeure dans la scène. Leur deuxième album Visions of a Life (2017) a remporté le prestigieux prix Mercury en 2018, et leur troisième week-end bleu (2021), a été nominé. Écrivant pour Dork en 2021, Martin Young a noté: «Il est impossible de surestimer l'importance de Wolf Alice. Ils ont été le catalyseur derrière presque tous les groupes brillants que vous avez lus à Dork au cours des cinq dernières années.»

Albums et chansons emblématiques du rock indie

Lorsque Buzzcocks a sorti Spiral Scratch en 1977, il est devenu le premier album indépendant du sens moderne. Initialement pressé dans une série modeste de seulement 1 000 exemplaires, le groupe et l'industrie ont été choqués lorsque la demande les a forcés à imprimer 15 000 autres. Le succès de l'EP a marqué le début d'une communauté en pleine croissance d'artistes engagés dans l'indépendance du système d'étiquettes majeur.

Un autre album indépendant incontournable était Ten de Pearl Jam. Bien que plus communément associé au Grunge, Ten a joué un rôle majeur dans la définition du son de la scène de Seattle des années 1990 et a contribué à mettre le terme «grunge» à usage populaire. Comme de nombreuses versions indies et alternatives de l'époque, l'album a été initialement lent à gagner du terrain, prenant environ un an pour pénétrer dans les palmarès Billboard.

Lyriquement, Indie Rock s'est toujours appuyé sur la narration - souvent profondément personnelle et émotionnellement résonnant.
Les odeurs de Nirvana comme l'esprit adolescent ont capturé l'angoisse et la confusion des jeunes sous pression.

Say Weezer dit que ce n'est pas ainsi raconté l'histoire d'une famille fracturée par l'alcool, inspirée par l'enfance du chanteur Rivers Cuomo.
M. Brightside des Killers a peint une image vivante de la jalousie et du chagrin - un homme hanté par l'idée de perdre celui qu'il aime à quelqu'un d'autre.

Ces chansons, avec leur émotion brute et leur expérimentation sonore, ont aidé à façonner le cœur du rock indépendant et à continuer d'inspirer de nouvelles générations de musiciens.

L'avenir du rock indépendant

Alors que la musique indépendante devient plus accessible et plus grand public, beaucoup pensent que l'avenir de l'industrie musicale peut être entre les mains d'artistes indépendants. Avec moins de gardiens, les musiciens indépendants sont libres de repousser les limites, d'explorer de nouveaux sons et de développer leur propre identité selon leurs propres termes.

La nouvelle vague d'artistes d'aujourd'hui est souvent décrite comme un fluide de genre - brouillant les lignes entre le rock, la pop, le hip-hop, etc. Des artistes comme Dominic Fike et Declan McKenna représentent ce changement, fabriquant une musique qui défie une classification facile. Alors que l'industrie musicale et ses auditeurs deviennent plus diversifiés et ouverts d'esprit, le rock indépendant - dans toutes ses formes en évolution - est sur le point de continuer à grandir, à façonner et à redéfinir ce que la musique moderne peut être.