Cos'è Indie Rock

Indie Rock ha preso forma per la prima volta nei primi anni '80 in tutto il Regno Unito, negli Stati Uniti e in Nuova Zelanda. All'epoca, il termine si riferiva alla musica rilasciata da etichette indipendenti, ma presto arrivò a rappresentare un'estetica più ampia: cruda, sperimentale e guidata più dalla visione che da formule commerciali.

Una delle prime basi del genere era il "Sound Dunedin" della Nuova Zelanda, con bande come The Chills e The Clean. Negli Stati Uniti, le stazioni radio del college sono state determinanti nel promuovere artisti come gli Smiths e REM, dando tempo di trasmissione alla musica che si sentiva al di fuori del mainstream. A metà degli anni '80, Indie Rock aveva iniziato a prendere forma come la sua scena, potenziata dalla compilation NME C86 del Regno Unito e dall'ascesa sotterranea di band come Sonic Youth e Dinosaur Jr. negli Stati Uniti.

Gli anni '90 hanno portato un'ondata di nuovi sottogeneri:

• Slowcore , con i suoi tempi lunatici e disegnati;
• Midwest Emo , noto per i suoi testi sinceri;
• Slacker Rock , contrassegnato dalla consegna rilassata e dall'estetica Lo-Fi;
• Shoegaze , definito da un forte uso di effetti di chitarra e voci introspettive.

Mentre Grunge e Britpop hanno guadagnato slancio, il mainstream ha iniziato a cooptare i suoni indie. Le principali etichette si sono appoggiate all'immagine indie come strumento di marketing, che ha creato una divisione: alcune bande si sono appoggiate all'esposizione, altre hanno raddoppiato per rimanere fuori dal radar.

Negli anni 2000, Indie Rock ha fatto un altro salto sotto i riflettori. Agisce come i colpi, i libertini, le scimmie artiche e gli assassini hanno portato un'energia di risveglio post-punk che si collegava a una nuova generazione. Quel boom ha portato a un'esplosione di bande dal suono simile: un'ondata della stampa britannica in seguito soprannominata indie di discarica.

Tuttavia, attraverso tutti i turni, Indie Rock è rimasto fedele alle sue radici - incentrate sulla libertà creativa, su uno spirito fai -da -te e un istinto per sfidare la norma.

Cosa rende una canzone indie: suono, spirito e stile

Il termine "Indie" emerse per la prima volta alla fine degli anni '70 a Manchester, quando la band Buzzcocks pubblicò il loro graffio a spirale EP senza l'aiuto di una grande etichetta. Quel momento ha segnato l'inizio di un nuovo tipo di indipendenza musicale.

L'indie non riguarda solo chi rilascia la musica - si tratta di controllo creativo. Gli artisti gestiscono la propria registrazione, direzione e suono senza pressione dei grandi attori del settore. Questa libertà porta alla musica che si stacca dalle formule e si sente più personale e originale.

Stilisticamente, indie tira da ogni parte: punk, grunge, pop, hip-hop, persino psych rock. È così che ottieni band come le strisce bianche, un fusione di garage rock con blu o il giovane The Giant, che mescolano ganci accattivanti con trame di chitarra a strati.

Le strisce bianche

Giovane il gigante

Anche con tutta questa varietà, la musica indie porta ancora un'energia riconoscibile. È crudo, è onesto ed è guidato dalla visione dell'artista, non da tendenze o grafici commerciali.

Definizione dei tratti di indie rock: suono, visione e contrasto

Indie Rock è più di un semplice genere: è una mentalità, un modo per creare e condividere musica. La parola "indie" proviene da "indipendente" e originariamente riferita ad artisti e band che rilasciano musica su piccole etichette a basso budget. Anche quando la distribuzione riguardava le principali aziende, questi artisti miravano a preservare il controllo creativo ed evitare di essere guidati dalle tendenze del settore.

Quell'indipendenza ha aperto la porta alla sperimentazione - con suono, temi ed emozione - spesso molto lontana da ciò che la musica mainstream stava offrendo. Indie Rock ha sempre tratto una varietà di influenze:

• punk e post-punk (Buzzcocks, filo, televisione);
• 60S Psychedelia e Garage Rock (Velvet Underground, The Doors);
• ART ROCK E LO-Fi Aesthetics;
• Tocchi di paese e folk.

Secondo Allmusic, Indie Rock include artisti i cui approcci musicali spesso si scontrano con i gusti tradizionali. Si estende da tutto, dal grunge pesante di chitarra al folk punk e al rock d'avanguardia. Ciò che collega tutto non è uno stile: è una guida condivisa per l'autonomia e l'originalità.

Nel suo libro, Brent Luvaas evidenzia come Indie Rock sia radicato nella nostalgia - per il suono degli anni '60, per uno spirito fai -da -te e per testi che spesso portano una profondità letteraria. Quell'influenza può essere ascoltata in band come The Smiths e The Stone Roses, che hanno sottolineato sia l'atmosfera che la narrazione.

Il musicologo Matthew Bannister una volta descriveva il genere come "piccoli gruppi di bianchi con chitarre", attingendo da punk e roccia degli anni '60, ma deliberatamente allontanandosi da norme commerciali. L'antropologo Wendy Fonarow ha identificato due importanti mentalità indie:

• il "purista" - favorire il minimalismo, la rawness e l'onestà emotiva;
• Il "romantico" - più espressivo, eccentrico e stilisticamente audace.

Questa divisione era particolarmente visibile negli anni '90. Le band del Regno Unito si sono appoggiate alla performance e al tocco estetico, mentre molti atti americani abbracciavano un suono lo-fi, non lucidato come indicatore di autenticità.

Indie Rock ha anche aperto più spazio per le donne. Il movimento Riot Grrrl, guidato da band come Bikini Kill, Bratmobile e Team Dresch, ha sfidato le norme non solo saltando sul palco, ma modellando le idee dietro la musica. Tuttavia, come osserva Courtney Harding, la stessa uguaglianza non si è estesa alla leadership: le donne che gestiscono etichette indipendenti rimangono una minoranza ancora oggi.

Bikini uccidere

L'indie rock copre una vasta gamma di stili-dal pop indie guidato dal synth a influenze post-punk e persino hip-hop e persino hip-hop-ma la maggior parte delle band indie condividono alcuni valori fondamentali nel modo in cui si avvicinano alla musica.

• Ethos fai -da -te . La maggior parte degli artisti indie opera al di fuori del sostegno finanziario delle principali etichette. Pagano per lo studio di tasca o record a casa con qualsiasi attrezzatura. Questo approccio pratico mantiene il processo pienamente indipendente-dalla prima demo alla versione finale;
• Estetica lo-fi . Prima che software come Pro Tools e Logic diventasse ampiamente accessibile, i musicisti indie spesso non potevano permettersi studi professionali. Ciò ha dato origine a un suono Lo-Fi riconoscibile: chitarre grintose, rumore di fondo e una finitura intenzionalmente ruvida. Ancora oggi, alcuni artisti si attengono a quella trama apposta, usando le imperfezioni come parte della loro identità artistica;
• Songwriting interno . A differenza del pop o dell'hip-hop mainstream, in cui le canzoni sono spesso costruite da team di produttori e scrittori, la musica indie è in genere scritta dagli stessi artisti. Ciò potrebbe significare cantautori da solista come Phoebe Bridgers o band complete come Fugazi o Sleater-Kinney, dove il songwriting è uno sforzo di gruppo, non esternalizzato ai professionisti;
• Autenticità su flash . Indie Rock non riguarda lo shredding di assoli o acrobazie vocali. Si appoggia a spettacoli onesti e umani. Molte band indie possono facilmente replicare il loro suono registrato dal vivo senza aver bisogno di un team di backup di musicisti in studio - e quella consegna grezza e non filtrata è esattamente ciò con cui i fan si connettono. Riguarda meno la perfezione e più la vera emozione.

Come è iniziata la scena indie rock: dai buzzcock al suono di Dunedin

The BBC Documentary Music for Misfits: The Story of Indie crediti l'origine del termine "indie" alla versione del 1977 di Spiral Scratch, un EP autofinanziato di Manchester Punk Band Buzzcocks, emesso attraverso la propria etichetta New Hormones. Questa mossa ha scatenato un'ondata di attività fai -da -te: le band hanno iniziato a registrare, stampare e distribuire la propria musica. Gruppi come Swell Maps, presto seguirono le mappe di "O", le personalità televisive e le biciclette disperate.

Buzzcocks

La distribuzione è cresciuta con l'aiuto del cartello, una rete di piccoli distributori come Red Rhino e Rough Trade Records, che hanno contribuito a ottenere rilasci indie nei negozi record in tutto il Regno Unito. Questa infrastruttura ha dato alla musica indipendente una presenza fisica nei negozi, permettendogli di competere con le versioni di grande etichetta.

Le etichette indie stavano anche facendo ondate al di fuori del Regno Unito. Negli Stati Uniti, Beserkley Records ha pubblicato l'album di debutto da The Modern Lovers e Stiff Records ha pubblicato New Rose da The Damned, considerato il primo singolo punk britannico. In Australia, i Saints hanno rilasciato (sono) bloccato attraverso la loro etichetta Fatale Records, seguita dai Go-Betweens, che ha debuttato con il singolo indie Lee Remick.

Un capitolo chiave dello sviluppo indie si è svolto a Dunedin, in Nuova Zelanda. All'inizio degli anni '80, Flying Nun Records è stata fondata, diventando sede di una generazione di artisti che hanno realizzato quella che è diventata conosciuta come Dunedin Sound. Secondo l'audiocoltura, una delle prime band in questa scena era il nemico, formata da Chris Knox e Alek Bathgate. Sebbene di breve durata, la band ha lasciato un'impressione duratura su musicisti più giovani come Shayne Carter, che ha continuato a formare DoubleHappys e Straitjacket.

Dopo la divisione del nemico, Knox ha continuato a formare Toy Love, e in seguito alti nani, uno dei primi atti ad abbracciare la registrazione domestica e l'estetica lo-fi-elementi chiave in quello che sarebbe diventato il suono indie.

Il suono Dunedin era segnato da chitarre jangly, voci sommerse e un'atmosfera malinconica. Ha ottenuto un più ampio riconoscimento attraverso il singolo Tall-ho del 1981 di Clean! e la compilation del 1982 Dunedin Double, che presentava i brividi, i sentimenti subdoli, i Verlaines e le pietre. Lo stile presto si diffuse oltre Dunedin in città come Christchurch e Auckland, aiutando a modellare il rock indie come un distinto movimento culturale.

Nel frattempo, negli Stati Uniti, le stazioni radio del college sono diventate cruciali per la musica indipendente emergente negli anni '80. Hanno trasmesso un rock alternativo, post-punk, post-hardcore e New Wave-sembrano raramente ascoltati alla radio commerciale. Queste bande sono state collettivamente indicate come Rock College, un termine legato più alla piattaforma che a qualsiasi singolo genere.

Artisti come Rem e The Smiths sono stati particolarmente influenti. Il musicologo Matthew Bannister li considera alcune delle prime vere band indie. La loro influenza può essere ascoltata in gruppi come Let's Active, The Housemartins e The LA. Intorno a questo periodo, il termine "indie rock" iniziò ad applicare non solo alle etichette ma agli artisti che rilasciavano musica in modo indipendente.

Il giornalista Steve Taylor ha anche indicato la scena sotterranea di Paisley come una prima parte della storia indie. Il genere divenne più scuro e più atmosferico nelle mani di artisti come Gesù e Mary Chain e Jean-Paul Sartre Experience, entrambi associati a Flying Nun.

Alla fine, dopo aver fatto pressioni sugli sforzi di NPR hanno portato a una riduzione del numero di stazioni radio del college, il termine "College Rock" ha iniziato a svanire. Al suo posto, un'etichetta più flessibile e duratura ha preso piede-Indie-che avrebbe continuato a definire una generazione di musica che ha dato la priorità alla creatività, all'indipendenza e all'auto-direzione.

Gesù e Maria catena

The Evolution of Indie Rock: da C86 a Grebo e Shoegaze

Nel Regno Unito, una svolta chiave per la scena indie è arrivata con l'uscita di C86, una cassetta di compilation messa insieme da NME nel 1986. Ha caratterizzato tracce di Primal Scream, Pastels, The Wedding Present e altri che hanno unito Jangle Pop, Post-Punk e Phil Spector "Wall of Sound". Più tardi, il critico Bob Stanley lo ha definito "l'inizio della musica indie". Il termine C86 è cresciuto rapidamente oltre la cassetta stessa, diventando stenografia per un'intera ondata di band con suoni ariosi e lo-fi-spesso etichettati con indie di Anorak o Incadamento. Mentre alcuni agono come la zuppa di zuppa, l'urlo primordiale e il regalo di nozze hanno trovato il successo della classifica, molti altri sono svaniti nell'oscurità.

Negli Stati Uniti, l'ascesa di REM ha dato un'alternativa all'intensità di hardcore, aprendo le porte ai nuovi musicisti, in particolare quelli che avrebbero continuato a modellare la scena post-hardcore, come i minutemen. Le principali etichette hanno notato e hanno firmato brevemente band come Hüsker Dü e le sostituzioni, sebbene le loro uscite non abbiano corrispondono le prestazioni commerciali di REM. Tuttavia, la loro influenza è durata. Alla fine degli anni '80, spettacoli come Sonic Youth, Dinosaur Jr. e disordini stavano liberando musica attraverso etichette indipendenti e alla fine del decennio, Sonic Youth e Pixies avevano firmato con le stesse Majors.

Intorno a questo periodo, Shoegaze emerse come un sottogenere di indie rock, espandendosi sul stile "muro del suono" introdotto dalla catena di Gesù e Maria. Shoegaze ha fuso quella consistenza con elementi di Dinosaur Jr. e Cocteau Twins, creando un'atmosfera scura e nebulosa in cui gli strumenti spesso si sfocavano insieme. My Bloody Valentine erano i primi pionieri con EPS e il loro debutto non è nulla, ispirando una nuova ondata di band di Londra e la valle del Thames come Capitolo, Moose e Lush. Nel 1990, Steve Sutherland di Melody Maker ha soprannominato questa scena "La scena che si celebra".

Nel frattempo, Madchester è emerso come un ibrido di indie rock in stile C86, musica dance e cultura entusiasta edonistica, con un forte uso di psichedelici. Con sede a Manchester e incentrato sul nightclub di Haçienda - lanciato nel 1982 da Factory Records - il movimento ha tratto energia da atti come New Order, Cabaret Voltaire e Smiths. Nel 1989, il debutto di Happy Monday "Bummed and the Stone Roses aveva definito la scena. Atti come i ciarlatani, lo stato 808 e i tappeti ispiratori presto seguirono.

Il suono di Madchester-un mix di indie e ritmi ballabili guidati dalla chitarra-divenne noto come danza indie, o più specificamente, il sottogenere largo. Uno dei momenti distintivi del movimento è stato il concerto di Spike Island di Stone Roses il 27 maggio 1990. Con 28.000 fan e un tempo di esecuzione di 12 ore, è stato il primo grande evento del suo genere organizzato da una band indipendente.

Allo stesso tempo, una scena distinta stava crescendo a Stourbridge, noto come Grebo. Bande influenze punk, elettroniche, folk e persino hip-hop, elaborando un suono più pesante e più sporco. Guidato da Pop mangerà se stesso, la Wonder Stuff e il bustino atomico di Ned, il movimento non era tanto un genere come un momento culturale localizzato. I loro singoli sono stati disegnati - saggio! Ventosa e puoi scavare? Di Pop Will Eat stesso è atterrato nella top 40 del Regno Unito - e Stourbridge è diventato brevemente un sito di pellegrinaggio per i fan indie.

Tra il 1989 e il 1993, gli album di Cornerstone della scena di Grebo sono caduti: Hup e non hanno mai amato Elvis da The Wonder Stuff; Dio foraggio e sei normale? dalla pattumiera atomica di Ned; E il pop mangerà se stesso, questo è il giorno ... questa è l'ora ... questo è questo! E l'aspetto o lo stile di vita?. Queste band sono diventate clienti abituali del festival a Reading, hanno venduto milioni di dischi e abbellivano le copertine di NME e Melody Maker.

Ciò che distingue Grebo non furono solo le sue influenze eclettiche, ma il suo rifiuto dell'atmosfera lucida o malinconica che definiva gran parte del rock indie. Ha abbracciato la distorsione, la spavalderia e un vantaggio più duro. Bande simili della vicina Leicester - Bomb Party, Gaye Bykers su Acid, Crazyhead, Hunters Club e SCUM - divenne presto parte del movimento, cementando il breve ma forte posto di Grebo nella storia indipendente.

The Mainstream vs. Underground Spalato in Indie Rock: The anni '90

All'inizio degli anni '90, la scena del grunge di Seattle è esplosa nel mainstream. Bande come Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden e Alice in catene sono diventate nomi familiari, con il successo di Breakout di Nirvana che ha attirato enorme attenzione a Indie Rock. Di conseguenza, il termine indie rock ha iniziato a lasciare il posto a Rock alternativo, un'etichetta che, nel tempo, ha perso il suo significato controculturale originale. Quello che una volta era associato all'indipendenza e allo status di outsider divenne una scorciatoia per una versione più appetibile commercialmente del rock guidato dalla chitarra che ora superava le classifiche.

Carl Swanson, scrivendo per la rivista di New York, ha sostenuto che anche il termine Saleut ha iniziato a perdere significato in questo nuovo paesaggio, poiché Grunge ha dimostrato che persino i movimenti più di nicchia o radicali potevano essere assorbiti dal mainstream. Ciò che è emerso è stata una cultura individualista fratturata che operava ancora sotto l'influenza delle principali etichette e media.

Lo studioso dei media Roy Shuker, nel suo libro Popular Music: The Key Concepts, ha osservato che Grunge è diventato essenzialmente la versione mainstream dell'estetica indie nordamericana degli anni '80. Suggerì che essere "indipendente" era diventato, a quel punto, tanto uno strumento di marketing quanto qualsiasi tratto sonoro riconoscibile. Questo spostamento ha causato una chiara divisione nel mondo indie rock: alcune band si sono appoggiate all'accessibilità della radio rock alternativa, mentre altre sono raddoppiate alla sperimentazione e sono rimasti saldamente sotterranei. Secondo Allmusic, è stato durante questo periodo che Indie Rock è diventato più strettamente definito, riferendosi specificamente agli atti sotterranei, mentre i loro coetanei più commerciali sono stati rinominati come alternativi.

Una delle risposte musicali più chiare a questo spostamento è stata Slowcore, che si è sviluppata negli Stati Uniti come un contrasto diretto con il crescente dominio di Grunge. Mentre i confini di Slowcore sono sfocati, in genere presenta tempi lenti, strumentazione sparsa e testi malinconici. Galaxie 500 - in particolare il loro album in fiamme del 1989 - ha avuto un impatto enorme sul genere. Come ha scritto Robert Rubsam per Bandcamp Daily, erano "il punto di origine per tutto ciò che è venuto dopo". La prima ondata di bande Slowcore includeva pittori della casa rossa, codeina, testa del letto, IDA e Low. Il genere non era legato a nessuna città o scena e molti dei suoi artisti si sono sviluppati in relativo isolamento l'uno dall'altro.

Intorno al 1991, iniziò a emergere un giovane più giovane e più ruvido del movimento Grebo. Queste bande erano etichettate Fraggle: un nome applicato un po 'ironico ai gruppi che si disegnavano pesantemente dal punk, dalla candeggina del Nirvana e spesso usava le batterie. Stephen Klain di Gigwise ha descritto il suono come "chitarre sporche, capelli ancora più sporchi e magliette solo una mamma lavata." Notevoli bande Fraggle includevano cose insensate, Mega City quattro e Carter la macchina sessuale inarrestabile. Portavano lo spirito indipendente, ma con un'energia più caotica e uno stile visivo che era sfacciato.

Cose insensate

Lo scrittore di spin Charles Aaron ha descritto il marciapiede e guidato dalle voci come "le due band che hanno definito il rock indie in questa era e, per molti, incarnano ancora cosa significhi il termine". Entrambi i gruppi hanno abbracciato stili di produzione di Lo-Fi che riflettevano e romanticizzavano il loro ethos fai-da-te. L'album di Pavement del 1992 Sloted and Enchanted divenne una pietra miliare del sottogenere Slacker Rock. Rolling Stone lo ha definito "The Quintessential Indie Rock Album" e lo ha incluso nella loro lista dei 500 più grandi album di tutti i tempi.

Nel triangolo di ricerca della Carolina del Nord, la scena indie è stata guidata da band firmate per unire i record, tra cui Superchunk, Archers of Loaf e Polvo. Queste bande hanno modellato un movimento regionale influenzato sia dal punk hardcore che dal post-punk. In quel periodo, punti vendita come Entertainment Weekly chiamavano Chapel Hill "The Next Seattle". Il singolo figlio di puttana di Superchunk è stato anche messo in luce dalla rivista Columbia come inno distintivo della roccia indie degli anni '90 e un simbolo dello stereotipo più lento.

Nel frattempo, nel Regno Unito, l'ascesa di Britpop ha spinto molte prime band indie rock sullo sfondo. Guidati da Blur, Oasis, Pulp e Suede, Britpop Acts inizialmente si posizionava come alternative sotterranee - una risposta al dominio della scena del grunge americano. Mentre Britpop doveva gran parte del suo stile a Indie Rock e iniziò come parte di quel lignaggio, molte band respinsero il primo spirito antiestablishment del genere. Invece, hanno portato indie saldamente nel mainstream, con atti come Blur e Pulp che firmano le principali etichette.

Nel suo saggio che lavora il punto? La politica della Gran Bretagna in "Nuova Gran Bretagna", il accademico e politico Rupa Huq ha sostenuto che Britpop "è iniziato come un ramo della scena musicale indipendente della Gran Bretagna, ma potrebbe alla fine averlo ucciso, come indie e il mainstream convergevano - cancellando l'elemento di protesta che una volta aveva definito la musica indie britannica". Il giornalista musicale John Harris ha rintracciato le origini di Britpop fino alla primavera del 1992, quando il quarto singolo singolo di Blur e il singolo di debutto in pelle scamosciata gli anowners sono stati rilasciati quasi contemporaneamente. "Se Britpop ha iniziato ovunque", ha scritto, "è stato nell'ondata di consensi che ha salutato i primi singoli di Suede: audace, trionfante e inconfondibilmente britannico". Suede è stata la prima di una nuova ondata di band guidate dalla chitarra abbracciata dalla Regno Unito Music Press come risposta della Gran Bretagna al Grunge di Seattle. Il loro album di debutto omonimo è diventato il debutto più venduto nella storia del Regno Unito all'epoca.

Diversificazione indie rock

L'album di debutto di Sunny Day Real Estate Diary (1994) ha aiutato a inaugurare una nuova ondata di emo fondendo temi emotivi con estetica indie rock. Accanto a band come Piebald, The Promise Ring e Cap'n Jazz, l'emo di seconda ondata si è allontanata dalle sue radici hardcore, evolvendosi in un genere più melodico e strutturalmente raffinato.

Questa nuova interpretazione di Emo è entrata nel mainstream nei primi anni 2000 con album di vendita di platino come Jimmy Eat World's Bleed American (2001) e The Dashboard Confessional I luoghi che hai imparato a temere di più (2001). Una tasca particolarmente influente di questo movimento è emersa nel Midwest, in cui band come American Football hanno mescolato toni di chitarra luccicanti e elementi rock matematici in un suono distinto. La crescente popolarità di Emo ha anche contribuito a aumentare la visibilità per gli spettacoli di "intermedio" come Death Cab per cutie, mouse modesto e karate-bande che non si adattavano esattamente all'emo o all'indie, ma hanno prosperato da qualche parte nella sovrapposizione.

Nel frattempo, il collettivo Elephant 6 - con mele in stereo, Beulah, Circulatory System, Elf Power, The Minders, Neutral Milk Hotel e Olivia Tremor Control - ha portato un tocco psichedelico a Indie Rock. In Gimme Indie Rock, l'autore Andrew Earles ha accreditato il collettivo - in particolare il neutro Milk Hotel su Avery Island (1996) - di mantenere indie artisticamente rilevante durante un periodo in cui altri movimenti sotterranei stavano iniziando a svanire o diventare mainstream.

L'indietronica (o elettronico indipendente) è emerso come un altro punto di fusione, fondendo strutture rocciose indie con produzione elettronica: campionatori, sintetizzatori, batteria e software. Piuttosto che un genere specifico, Indietronica ha descritto un movimento più ampio nei primi anni '90 che ha attirato Krautrock, Synth-Pop e tradizioni sperimentali come il BBC Radiophonic Workshop. Gli atti fondamentali includevano la discoteca del Regno Unito, Stereolab e Space, con la maggior parte degli artisti legati a etichette come Warp, Morr Music, Sub Pop o Ghostly International.

Space Rock, un altro ramo di Indie, si è ispirato alla roccia psichedelica, alle trame ambientali e agli stili cosmici di Pink Floyd e Hawkwind. A partire dagli astronavi 3 negli anni '80, lo stile si è espanso attraverso band come l'attacco spiritualizzato e volante, Godspeed You! Black Emperor e Quickspace, combinando droni, atmosfera e struttura indipendente.
Mentre Britpop svaniva alla fine degli anni '90, Post-Britpop scolpì il proprio spazio all'interno del Rock Indie del Regno Unito. Intorno al 1997, la disillusione con Cool Britannia cresceva e le band iniziarono a distanziarsi dall'etichetta Britpop, anche se mantennero connessioni stilistiche. Con Britpop in declino, le nuove band hanno ottenuto un riconoscimento critico e pubblico più ampio. The Verve's Urban Hymns (1997) è stato un successo globale e ha segnato il loro picco commerciale prima di separarsi nel 1999. Radiohead, nel frattempo, ha avuto un modesto successo con i Bends (1995) ma ha rotto con OK Computer (1997), seguito dal bambino che sfidava il genere A (2000) e Amnesiac (2001), guadagnando la diffusa Acclaim.

Stereofonics miscelata post-grunge e influenze hardcore su album come Word Get Around (1997) e Performance and Cocktails (1999), prima di spostarsi verso un songwriting più melodico su un'istruzione appena sufficiente per esibirsi (2001) e uscite successive.

L'alimentatore, originariamente radicato nell'American Post-Grunge, ha trovato un suono più pesante e radiofonico sul loro singolo Breakout Buck Rogers e sull'album Echo Park (2001). Dopo la morte del batterista Jon Lee, la band si è mossa in una direzione più introspettiva con Comfort in Sound (2002), che è diventata la loro uscita indie rock di maggior successo commerciale, ha generato una serie di singoli di successo.

The most commercially dominant indie rock band of the new millennium was Coldplay, whose first two albums — Parachutes (2000) and A Rush of Blood to the Head (2002) — went multi-platinum, cementing their place as global superstars by the time X&Y dropped in 2005. Meanwhile, Snow Patrol's Chasing Cars (from their 2006 album Eyes Open) became the most-played song on UK radio in the 21st century.

The Mainstream Rise of Indie Rock: The 2000s

Il revival post-punk e garage rock

L'ondata di Indie Rock sotto i riflettori negli anni 2000 è iniziata con gli Strokes e il loro album di debutto nel 2001 è questo. Incanalando lo spirito delle band degli anni '60 e '70 come Velvet Underground e The Ramones, la band mirava a suonare, con le loro stesse parole, come "un gruppo del passato che viaggiava verso il futuro per fare un disco." Mentre l'album ha raggiunto il picco al n. 33 negli Stati Uniti, è rimasto in classifica per due anni e ha debuttato al n. 2 nel Regno Unito. All'epoca, la roccia mainstream era dominata da post-grunge, Nu-Metal e Rap-Rock, facendo sembrare un revival di roccia grezzo e garage dei colpi come un netto contrasto-e una boccata d'aria fresca.

Il successo della band ha aiutato a far luce su altri retti di New York con influenze vintage, tra cui Yeah Yeah Yeahs, Interpol e TV alla radio. Questa onda di ispirazione garage includeva anche le strisce bianche, le viti e gli alveari, che furono rapidamente soprannominati "le" bande dai media. Rolling Stone ha catturato il momento con la sua copertina di settembre 2002 che dichiarava: "Rock Is Torny!"

Lo slancio dei colpi ha anche suscitato un risveglio nella sbiadimento del Britpop nel Regno Unito. Ispirata al loro suono, un'ondata di band britanniche ha iniziato a rielaborare il loro approccio. I primi decori includevano Franz Ferdinand, Kasabian, Maximo Park, Cribs, Bloc Party, Kaiser Chiefs e gli altri. Ma i Libertines, formati nel 1997, furono visti come la risposta diretta del Regno Unito ai colpi. Allmusic li ha descritti come "una delle band britanniche più influenti del 21 ° secolo", mentre l'Independent ha osservato, "i Libertini hanno deciso di essere un'importante band indie rock, ma non avrebbero potuto prevedere quanto avrebbero modellato la scena".

Influenze di fusione di The Clash, The Kinks, The Smiths e The Jam, The Libertines ha elaborato un suono di tinny, chitarre incredibili e testi sulla vita britannica, cantati in accenti inconfondibilmente inglesi. Il loro stile si diffuse rapidamente a band come i Fratellis, i Kooks e il punto di vista, tutti i quali trovarono un grande successo commerciale. Ma nessun gruppo ha avuto un impatto maggiore delle scimmie artiche di Sheffield, una delle prime band per sfruttare il potere dei social media a costruire una base di fan. Il loro debutto nel 2006 qualunque cosa la gente dica che lo sono, è quello che non sono diventato l'album di debutto in più rapida vendita nella storia delle classifiche del Regno Unito, seguendo due singoli n. 1.

Questa ondata di popolarità ha aiutato a inaugurare tradizionalmente atti sotterranei nel mainstream. La buona notizia di Modest Mouse per le persone che Love Bad News (2004) è entrato nella top 40 degli Stati Uniti e ha guadagnato una nomination ai Grammy. Bright Eyes ha ottenuto due singoli n. 1 nella tabella delle vendite singole Billboard Hot 100 nel 2004. Death Cab for Cutie's Plans (2005) ha debuttato al n. 4 negli Stati Uniti, è rimasto nella classifica di Billboard per quasi un anno, è andato in platino e ha anche guadagnato un cenno al Grammy. Con "Indie" improvvisamente ovunque - dalla musica alla moda e al film - alcuni critici hanno iniziato a sostenere che il termine aveva perso del tutto il suo significato.

Nel frattempo, gli Stati Uniti hanno visto una seconda ondata di band indie che hanno raggiunto il riconoscimento globale. Gruppi come The Black Keys, Kings of Leon, The Shins, The Bravery, Spoon, Hold Standing e The National hanno riscontrato un successo sia critico che commerciale. Il più grande breakout del gruppo è stato gli assassini, formati a Las Vegas nel 2001. Dopo aver ascoltato questo, hanno demolito gran parte del loro materiale precoce e lo hanno riscritto con in mente l'influenza degli ictus.

Il loro singolo di debutto Mr. Brightide è diventato un fenomeno. Ad aprile 2021, la traccia aveva trascorso 260 settimane (cinque anni) nella classifica dei singoli del Regno Unito, più a lungo di qualsiasi altra canzone. Entro il 2017, era apparso nella classifica 11 dei 13 anni precedenti, tra cui una corsa di 35 settimane che ha raggiunto il picco al n. 49 nel 2016-2017. Fino alla fine del 2018, è stata la canzone indie rock più stremata nella storia del Regno Unito ed è stata ancora scaricata centinaia di volte a settimana fino al 2017. Nel marzo 2018, Mr. Brighside ha colpito un'altra pietra miliare: 200 settimane cumulative nella top 100 del Regno Unito.

La diffusione di indie rock e l'ascesa di discarica indie

Il successo di band come The Strokes, The Libertines e Bloc Party hanno suscitato un'ondata di interesse dalle principali etichette nella scena indie rock - una tendenza che si è intensificata solo a seguito di breakout delle scimmie artiche. Negli anni successivi all'uscita di qualunque cosa la gente dice che lo sono, è quello che non sono, è emersa un'ondata di nuove band, tra cui i fucili, i detective di piccione e Milburn. Molti di questi atti hanno offerto una visione più formula e annacquata del suono dei loro predecessori.

Alla fine del decennio, i critici hanno iniziato a riferirsi a questa ondata come "indie di discarica" ​​- un termine coniato da Andrew Harrison della rivista Word per descrivere il eccesso di band di chitarra indistinguibili che inondano il mainstream. In un articolo del 2020, il frontman di Razorlight Johnny Borrell è stato soprannominato "L'unico uomo che ha definito, incarnato e vissuto le discariche indie". Nonostante si sfiorasse contro l'energia grezza e il mitico caos odio-odio dei liberini, Razorlight era visto come emblematico di una band che incarnava la superficie, ma non l'anima, del movimento-"impressionante in media", come diceva il pezzo.
In una colonna di Guardian del 2009, il giornalista Peter Robinson ha dichiarato ufficialmente l'era indie di discarica. Ha scelto i vombi, scouting per ragazze, e Joe Lean e Jing Jang Jong come le unghie finali nella bara. "Se la discarica indie fosse un gioco di Buckaroo", ha scritto, "questi tre avrebbero inviato l'intero associato di monotonia radiofonica che volava sul cielo."

La discarica indie alla fine divenne un simbolo di come Indie Rock, un tempo ribelle alternativa al mainstream, fosse diventata satura, mercificata e spogliata del suo bordo.

Il continuo successo di Indie Rock: 2010 ad oggi

Il successo commerciale di Indie Rock ha portato bene nel 2010 con importanti versioni come The Suburbs (2010) di Arcade Fire (2010), The Black Keys 'Turn Blue (2014), Kings of Leon's Walls (2016) e The Killers' Wonderful Wonderful (2017), che ha superato sia il Billboard 200 negli Stati Uniti che il grafico degli album ufficiali nel Regno Unito. I sobborghi hanno persino portato a casa il Grammy per Album of the Year nel 2011. Altri artisti indie - Florence and the Machine, The Decembalists e LCD Soundsystem - hanno ottenuto singoli n. 1 negli Stati Uniti durante il decennio, mentre band come Vampire Weekend, Bon Iver, Cabina Death per Cutie, il servizio postale e i monkeys artic hanno raggiunto le vendite di platino.

Il terzo album del Vampire Weekend Modern Vampires of the City (2013) ha vinto il Grammy per il miglior album musicale alternativo nel 2014 e nel 2019, lo scrittore di conseguenze Tyler Clark lo ha descritto come ancora "trasportando il banner indie rock nel mondo della musica più ampia". Arctic Monkeys 'Am (2013) è diventato uno dei più grandi album indie rock del decennio-debuttando al numero 1 nel Regno Unito, vendendo 157.329 copie nella sua prima settimana e diventando il secondo album più venduto dell'anno. Con AM, la band è diventata il primo atto su un'etichetta indipendente a debuttare al numero 1 nel Regno Unito con i loro primi cinque album. A partire da giugno 2019, AM aveva trascorso 300 settimane nella classifica degli album del Regno Unito Top 100. L'album ha anche colpito il numero 1 in Australia, Belgio (Fiandre), Croazia, Slovenia, Danimarca, Irlanda, Paesi Bassi, Nuova Zelanda e Portogallo ed è entrato nei primi 10 in diversi altri paesi.

Negli Stati Uniti, AM ha venduto 42.000 copie nella sua prima settimana e ha debuttato al n. 6 sul Billboard 200, diventando il rilascio più ampio di Arctic Monkeys negli Stati Uniti. Nell'agosto 2017, l'album è stato certificato Platinum dalla RIAA, con oltre 1 milione di unità equivalenti vendute negli Stati Uniti dal 14 aprile 2023, ogni traccia dell'album era stata certificata argento o superiore dal BPI, con "Mad Sounds" che è stato l'ultimo a raggiungere quella pietra miliare.

Arcade Fire

All'inizio del 2010, il 1975 iniziò a fondere il rock indie con sensibilità pop, una mossa che inizialmente polarizzava i critici. Sono stati nominati "peggior band" agli NME Awards 2014, ma nel 2017 avevano portato a casa il premio per "Best Live Band". Yasmine Summan di Alternative Press ha scritto che se il 2013 e il 2014 potessero essere riassunti in un singolo album per i fan di Indie e Alt Music, sarebbe il debutto omonimo del 1975. In The Guardian, il giornalista Mark Beaumont ha attribuito la band con "Ushering Indie Rock nel mainstream", confrontando l'influenza del frontman Matty Healy con quella di Pete Doherty dei Libertines. Pitchfork ha anche elencato il 1975 come uno degli atti più influenti della musica dal 1995.

Il successo della band ha contribuito a scatenare un'ondata di Acts indie Pop in stile simile, un movimento che alcuni critici hanno soprannominato "Healywave". Nomi notevoli includevano onde pallide, assi, Joan, amici volubili e nessuna Roma. Tra questi, le onde pallide si sono distinte commercialmente. Il loro debutto nella mia mente fa rumori tramati al n. 8 nel Regno Unito, chi sono io? (2021) ha colpito il n. 3 e indesiderato (2022) ha raggiunto il n. 4.

Nello stesso periodo, Wolf Alice è emerso come una forza importante nella scena. Il loro secondo album Visions of a Life (2017) ha vinto il prestigioso Mercury Prize nel 2018 e il loro terzo weekend blu (2021) è stato nominato. Scrivendo per Dork nel 2021, Martin Young notò: "È impossibile sopravvalutare quanto sia importante il lupo Alice. Sono stati il ​​catalizzatore dietro quasi ogni brillante band di cui hai letto in Dork negli ultimi cinque anni".

Iconici album e canzoni indie rock

Quando Buzzcocks pubblicò Spiral Scratch nel 1977, divenne il primo album indie in senso moderno. Inizialmente premuto in una modesta serie di sole 1.000 copie, la banda e l'industria sono rimaste scioccate quando la domanda li ha costretti a stampare altri 15.000. Il successo dell'EP ha segnato l'inizio di una crescente comunità di artisti impegnati nell'indipendenza dal principale sistema di etichette.

Un altro album indie di riferimento era Pearl Jam's Ten. Sebbene più comunemente associato a Grunge, dieci hanno avuto un ruolo importante nel definire il suono della scena degli anni '90 e ha contribuito a mettere in uso il termine "grunge". Come molte versioni indie e alternative dell'epoca, l'album era inizialmente lento a guadagnare trazione, impiegando circa un anno per entrare nelle classifiche di Billboard.

Liricamente, Indie Rock si è sempre appoggiato alla narrazione, spesso profondamente personale ed emotivamente risonante.
Gli odori di Nirvana come lo spirito adolescenziale hanno catturato l'angoscia e la confusione della giovinezza sotto pressione.

Weezer dice che non è così raccontato la storia di una famiglia fratturata dall'alcol, ispirata dall'infanzia del frontman Rivers di Cuomo.
Il signor Brightside degli assassini ha dipinto una vivida immagine di gelosia e crepacuore - un uomo perseguitato dal pensiero di perdere quello che ama con qualcun altro.

Queste canzoni, con la loro emozione grezza e la sperimentazione sonora, hanno contribuito a modellare il nucleo di Indie Rock e continuano a ispirare nuove generazioni di musicisti.

Il futuro di Indie Rock

Man mano che la musica indie diventa più accessibile e mainstream, molti credono che il futuro dell'industria musicale possa sdraiarsi nelle mani di artisti indipendenti. Con meno gatekeeper, i musicisti indie sono liberi di spingere i confini, esplorare nuovi suoni e sviluppare le proprie identità alle loro condizioni.

La nuova ondata di artisti di oggi è spesso descritta come il genere-fluido-offuscando le linee tra roccia, pop, hip-hop e altro ancora. Artisti come Dominic Fike e Declan McKenna rappresentano questo turno, creando musica che sfida una facile classificazione. Man mano che l'industria musicale e i suoi ascoltatori diventano più diversi e aperti, indie rock-in tutte le sue forme in evoluzione-è pronto a continuare a crescere, modellare e ridefinire ciò che può essere la musica moderna.