Co to jest indie rock

Indie Rock po raz pierwszy ukształtował się na początku lat 80. w Wielkiej Brytanii, USA i Nowej Zelandii. W tym czasie termin odnosił się do muzyki wydanej przez niezależne wytwórnie, ale wkrótce stał się szerszej estetyki - surowej, eksperymentalnej i napędzanej wizją niż w formułach komercyjnych.

Jednym z najwcześniejszych fundamentów gatunku była „Dunedin Sound” z Nowej Zelandii, z zespołami takimi jak dreszcze i czyste. W Stanach Zjednoczonych stacje radiowe studenckie odegrały kluczową rolę w promowaniu artystów takich jak Smiths i Rem, dając czas antenowy muzyce, która odczuwała się poza głównym nurtem. W połowie lat 80. Indie Rock zaczął kształtować się jako własna scena, wzmocniona przez brytyjską kompilację NME C86 i podziemny wzrost zespołów takich jak Sonic Youth and Dinosaur Jr. w Stanach.

Lata 90. przyniosły falę nowych podgatunków:

• Slowcore , z nastrojowymi, wyciągniętymi tempami;
• Midwest Emo , znany z serdecznych tekstów;
• Slacker Rock , naznaczony wyluzowaną dostawą i estetyką lo-fi;
• Shoegaze , zdefiniowany przez ciężkie wykorzystanie efektów gitarowych i wokale introspektywnego.

Gdy Grunge i Britpop nabierały rozpędu, główny nurt zaczął koopować niezależne dźwięki. Główne etykiety pochyliły się w „niezależnym obrazie” jako narzędzia marketingowe, które stworzyło podział: niektóre zespoły pochyliły się w ekspozycję, inne podwoiły się, pozostając z radaru.

W 2000 roku Indie Rock wykonał kolejne skok w centrum uwagi. Dzieje się jak Strokes, Libertines, Arctic Monkeys i The Killers przyniosły post-punkową energię ożywienia, która związała się z nową pokoleniem. Ten boom doprowadził do wybuchu podobno brzmiących zespołów-fali, którą brytyjska prasa później nazywała składowiskową indie.

Mimo to, na wszystkich zmianach, niezależny rock pozostał wierny swoim korzeniom - koncentrował się na twórczej wolności, duchu majsterkowania i instynktowi zakwestionowania normy.

Co sprawia, że ​​piosenka indie: dźwięk, duch i styl

Termin „indie” pojawił się po raz pierwszy pod koniec lat siedemdziesiątych w Manchesterze, kiedy zespół Buzzcocks wydał swoją EP Spiral Scratch bez pomocy głównej wytwórni. Ten moment był początkiem nowego rodzaju niezależności muzycznej.

Indie nie chodzi tylko o to, kto wypuszcza muzykę - chodzi o kreatywną kontrolę. Artyści zarządzają własnym nagraniem, kierunkiem i dźwiękiem bez presji ze strony dużych graczy z branży. Ta wolność prowadzi do muzyki, która odrywa się od formuł i wydaje się bardziej osobista i oryginalna.

Stylistycznie indie ciągnie się z całego świata: punk, grunge, pop, hip-hop, a nawet psychiczne rock. W ten sposób dostajesz zespoły takie jak White Stripes, mieszanie garażu z bluesem lub Young the Giant, który miesza chwytliwe haczyki z warstwowymi teksturami gitarowymi.

Białe paski​

Młody gigant

Nawet przy całej tej odmianie muzyka niezależna wciąż ma rozpoznawalną energię. Jest surowy, szczery i napędzany wizją artysty - nie trendami lub wykresami komercyjnymi.

Definiowanie cech indie rock: dźwięk, widzenie i kontrast

Indie Rock to coś więcej niż gatunek - to sposób myślenia, sposób tworzenia i dzielenia się muzyką. Słowo „indie” pochodzi z „niezależnego” i pierwotnie odnosiło się do artystów i zespołów, które wypuszczają muzykę na małych, niskobudżetowych wytwórniach. Nawet gdy dystrybucja dotyczyła dużych firm, ci artyści starali się zachować kreatywną kontrolę i uniknąć kierowania trendami branżowymi.

Ta niezależność otworzyła drzwi do eksperymentów - z dźwiękiem, tematami i emocjami - często dalekie od tego, co oferuje muzyka głównego nurtu. Indie Rock zawsze czerpał z różnych wpływów:

• punk i post-punk (Buzzcocks, Wire, Television);
• Psychedelia i garaż z lat 60. (Velvet Underground, The Doors);
• Art Rock and Lo-Fi Estetyka;
• Dotyki kraju i ludu.

Według Allmusic, Indie Rock obejmuje artystów, których podejścia muzyczne często kolidują z głównym gustami. Rozciąga się wszystko, od ciężkiego grunge gitarowego po folk punk i awangardowy rock. To, co to wszystko łączy, nie jest stylem - jest to wspólny dysk autonomii i oryginalności.

W swojej książce Brent Luvaas podkreśla, w jaki sposób indie rock jest zakorzeniony w nostalgii - na dźwięk lat 60., dla ducha majsterkowania i dla tekstów, które często niosą głębokość literacką. Wpływ ten można usłyszeć w zespołach takich jak Smiths i Stone Roses, które podkreśliły zarówno atmosferę, jak i opowiadanie historii.

Muzyolog Matthew Bannister opisał kiedyś gatunek jako „małe grupy białych facetów z gitarami”, czerpiąc z punk i rocka z lat 60., ale celowo dystansuje się od norm komercyjnych. Antropolog Wendy Fonarow zidentyfikował dwa główne niezależne myślenie:

• „Purysta” - sprzyjający minimalizmowi, surowości i emocjonalnej uczciwości;
• „Romantyczne” - bardziej ekspresyjne, ekscentryczne i stylistycznie odważne.

Ten podział był szczególnie widoczny w latach 90. Zespoły brytyjskie pochyliły się w kierunku wydajności i estetycznego stylu, podczas gdy wiele amerykańskich aktów przyjęło lo-Fi, nieopolowany dźwięk jako marker autentyczności.

Indie Rock otworzył także więcej miejsca dla kobiet. Ruch Riot Grrrl, prowadzony przez zespoły takie jak Bikini Kill, Bratmobile i Team Dresch, zakwestionował normy nie tylko wchodząc na scenę, ale także kształtując pomysły stojące za muzyką. Mimo to, jak zauważa Courtney Harding, ta sama równość nie rozszerzyła się na przywództwo - kobiety prowadzące niezależne etykiety pozostają mniejszością nawet dzisiaj.

Kill bikini

Indie Rock obejmuje szeroki zakres stylów-od niezależnego popu syntezatora po surowe wpływy post-punkowe, a nawet hip-hopowe-ale większość niezależnych zespołów ma kilka podstawowych wartości w podejściu do muzyki.

• DIY Ethos . Większość niezależnych artystów działa poza finansowym wsparciem głównych etykiet. Płacą za czas na studio poza kieszenią lub nagrywają w domu z dowolnym sprzętem. To praktyczne podejście utrzymuje proces w pełni niezależny-od pierwszego demo do ostatecznego wydania;
• Lo-fi estetyka . Zanim oprogramowanie takie jak Pro Tools i Logic stały się szeroko dostępne, niezależni muzycy często nie mogli sobie pozwolić na profesjonalne studia. To spowodowało rozpoznawalny dźwięk Lo-Fi-szorstkie gitary, hałas w tle i celowo szorstkie wykończenie. Nawet dzisiaj niektórzy artyści celowo trzymają się tej tekstury, wykorzystując niedoskonałości jako część swojej tożsamości artystycznej;
• Wewnętrzne pisanie piosenek . W przeciwieństwie do popu lub głównego nurtu hip-hopu, w którym piosenki są często budowane przez zespoły producentów i pisarzy, muzyka niezależna jest zwykle pisana przez samych artystów. Może to oznaczać solo piosenkarzy i autorów, takich jak Phoebe Bridgers lub pełne zespoły, takie jak Fugazi lub Sleater-Kinney, gdzie pisanie piosenek jest wysiłkiem grupowym-nie zleconym profesjonalistom;
• Autentyczność nad Flashem . Indie Rock nie chodzi o niszczenie solówek lub akrobatyki wokalnej. Pochyla się w uczciwe, ludzkie występy. Wiele niezależnych zespołów może z łatwością odtworzyć nagrany dźwięk na żywo bez konieczności zapasowego zespołu muzyków studyjnych - a ta surowa, niefiltrowana dostawa jest dokładnie tym, z czym łączą się fani. Nie chodzi o doskonałość, a bardziej o prawdziwych emocjach.

Jak zaczęła się indie rockowa scena: od Buzzcocks do Dunedin Sound

Dokumentalna muzyka BBC dla Misfits: The Story of Indie przypisuje pochodzenie terminu „Indie” do wydania Spiral Scratch z 1977 roku, samofinansowanej EPki Manchester Punk Buzzcocks, wydawanej za pośrednictwem własnej wytwórni Nowe Hormony. Ten ruch wywołał falę aktywności DIY - zespoły zaczęły nagrywać, drukować i dystrybuować własną muzykę. Wkrótce pojawiły się grupy takie jak Swell Maps, poziom „o”, osobowości telewizyjne i desperackie rowery.

Buzzcocks

Dystrybucja wzrosła przy pomocy kartelu, sieci małych dystrybutorów, takich jak Red Rhino i Rough Trade Records, które pomogły wprowadzić niezależne wydania do rekordowych sklepów w Wielkiej Brytanii. Ta infrastruktura dała niezależnej muzyce fizyczna obecność w sklepach, umożliwiając jej konkurowanie z wydawnictwem głównych.

Etykiety niezależne również wytwarzały fale poza Wielką Brytanią. W Stanach Zjednoczonych Beserkley Records wydał debiutancki album Modern Lovers, a sztywne płyty wydały New Rose by The Damned, uważane za pierwszy brytyjski punkowy singiel. W Australii Saints wydali (I'm) utknęli w ich własnej wytwórni Fatal Records, a następnie Go-Betweens, który zadebiutował z niezależnym singlem Lee Remick.

Kluczowy rozdział w rozwoju Indie rozwinął się w Dunedin w Nowej Zelandii. Na początku lat 80. powstało Flying Nun Records, stając się domem dla pokolenia artystów, którzy stworzyli coś, co okazało się znane jako Dunedin Sound. Według audiokultury jednym z najwcześniejszych zespołów w tej scenie był wróg, utworzony przez Chrisa Knoxa i Aleka Bathgate. Choć krótkotrwałe, zespół wywarł trwałe wrażenie młodszym muzykom, takim jak Shayne Carter, który stworzył Doublehappys i Straitjacket Fith.

Po splicie wroga Knox stworzył zabawe miłość, a później wysokie krasnoludy, jeden z pierwszych aktów, które przyjęły nagranie w domu i estetykę lo-fi-kluczowe elementy w tym, co stałoby się niezależnym dźwiękiem.

Dźwięk Dunedin był naznaczony jangly gitars, stonowanym wokalem i melancholijną atmosferą. Zyskało szersze uznanie dzięki single Tally-Ho z 1981 roku! oraz kompilacja Dunedin Doubla z 1982 roku, która zawierała dreszcze, podstępne uczucia, Verlaines i Stones. Styl wkrótce rozprzestrzenił się poza Dunedin do miast takich jak Christchurch i Auckland, pomagając kształtować indie rock jako wyraźny ruch kulturowy.

Tymczasem w USA stacje radiowe stały się kluczowe dla powstającej niezależnej muzyki w latach 80. Nadawali alternatywnego rocka, post-punka, post-hardcore i New Wave-dźwięki rzadko słyszane w komercyjnym radiu. Zespoły te były wspólnie określane jako College Rock, termin wiązał się bardziej z platformą niż z jakimkolwiek pojedynczym gatunkiem.

Artyści tacy jak Rem i Smithowie byli szczególnie wpływowi. Muzyolog Matthew Bannister uważa je za jedne z pierwszych prawdziwych zespołów niezależnych. Ich wpływ można usłyszeć w grupach takich jak Let's Active, Housemartins i LA. Mniej więcej w tym czasie termin „indie rock” zaczął aplikować nie tylko do wytwórni, ale także artystów, którzy wydają muzykę niezależnie.

Dziennikarz Steve Taylor wskazał również na scenę Paisley podziemną jako wczesną część indie. Gatunek stał się ciemniejszy i bardziej atmosferyczny w rękach artystów takich jak Jezus i Mary Chain i Jean-Paul Sartre, oba związane z latającą zakonnicą.

W końcu, po lobbowaniu wysiłków NPR, doprowadziło do zmniejszenia liczby stacji radiowych, termin „College Rock” zaczął zanikać. Zamiast tego, bardziej elastyczna i trwała wytwórnia-niezależna-która zdefiniowałaby pokolenie muzyki, która priorytetowo traktowała kreatywność, niezależność i samokierunek.

Łańcuch Jezusa i Maryi

Ewolucja indie rock: od C86 do Grebo i Shoegaze

W Wielkiej Brytanii kluczowym punktem zwrotnym dla sceny niezależnej było wydanie C86, kaseta kompilacji połączona przez NME w 1986 roku. Zawierała utwory z Primal Scream, Pastels, The Wedding Present i innych, którzy mieszali Jangle Pop, Post-Punk i Phil Spector „Wall of Sail” produkcji. Później krytyk Bob Stanley nazwał to „początkiem muzyki niezależnej”. Termin C86 szybko wyrósł poza samą kasetę, stając się skrótem dla całej fali zespołów z przewiewnymi, lo-fi-często oznaczonymi popem anorakiem lub wstrząsającym indie. Podczas gdy niektóre działania takie jak smoki zupowe, Primal Scream i The Wedding Present odniosły sukces na wykresie, wielu innych zniknęło w zapomnieniu.

W Stanach Zjednoczonych powstanie REM dało alternatywę dla intensywności hardcore, otwierając drzwi dla nowych muzyków-szczególnie tych, którzy kształtowaliby scenę post-hardcore, jak Minutemen. Główne etykiety zwróciły uwagę i krótko podpisały zespoły, takie jak Hüsker Dü i The Replaces, choć ich wydania nie pasowały do ​​komercyjnego wyników REM. Mimo to ich wpływ był trwał. Pod koniec lat 80. występy takie jak Sonic Youth, Dinosaur Jr. i niepokoje wydawały muzykę poprzez niezależne wytwórnie, a pod koniec dekady Sonic Youth and Pixies podpisali kontrakt z samych Major.

Mniej więcej w tym czasie Shoegaze pojawił się jako podgatunek niezależnej skały, rozszerzając się na stylu „Wall of Sound” pionieru łańcucha Jezusa i Maryi. Shoegaze połączył tę konsystencję z elementami Dinosaur Jr. i Cocteau Twins, tworząc ciemną, zamgloną atmosferę, w której instrumenty często zamazały się razem. Moja krwawa Valentine była wczesnymi pionierami z EPS, a ich debiut nie jest niczym, inspirując nową falę zespołów z Londynu i doliny Thames, takich jak rozdział, Moose i Lush. W 1990 r. Steve Sutherland z Melody Maker słynął z tej sceny „sceną, która się celebruje”.

Tymczasem Madchester pojawił się jako hybryda niezależnego rocka w stylu C86, muzyki tanecznej i hedonistycznej kultury imponującej, z dużym użyciem psychedelików. Z siedzibą w Manchesterze i koncentrowanym wokół klubu nocnego Haçienda - wydanego w 1982 r. Przez Factory Records - ruch przyciągnął energię z działań takich jak New Order, Cabaret Voltaire i The Smiths. W 1989 roku Happy Monday „Bummed i debiut Stone Roses” zdefiniował scenę. Wkrótce pojawiły się działania jak Charlatans, stanu 808 i inspirujące dywany.

The Madchester Sound-mieszanka niezależnych i tanecznych beatów na gitarze-stała się znana jako taniec niezależny, a dokładniej workowatym podgatunku. Jednym z definiujących momentów ruchu był koncert Spike Island Stone Roses 27 maja 1990 r. Z 28 000 fanów i 12-godzinnym środowiskiem trwałym, było to pierwsze duże wydarzenie tego rodzaju organizowane przez niezależny zespół.

Jednocześnie w Stourbridge rosła wyraźna scena, znana jako Grebo. Zespoły mieszane punkowe, elektroniczne, ludowe, a nawet hip-hopowe wpływy, tworzące cięższy, brudniejszy dźwięk. Prowadzony przez popu Will Eat, The Wonder Stuff i Atomic Dustbin Neda, ruch nie był tak gatunkiem, jak zlokalizowany moment kulturowy. Ich single zalały - mądry! Frajer i czy możesz to wykopać? autor: pop będzie samodzielnie wylądował w pierwszej 40 Wielkiej Brytanii - a Stourbridge krótko stał się miejscem pielgrzymek dla fanów niezależnych.

W latach 1989–1993 upadły albumy Cornerstone of the Grebo Scene: Hup i nigdy nie kochali Elvisa z Wonder Stuff; Boża pasza i czy jesteś normalny? z atomowego śmieci Neda; A pop będzie jeść samego dnia… to jest godzina… to jest to! A wygląd czy styl życia?. Zespoły te stały się stałymi bywalcami w Reading, sprzedawały miliony rekordów i zaszczyciły okładki NME i Melody Maker.

To, co wyróżniało Grebo, to nie tylko jego eklektyczne wpływy, ale odrzucenie polerowanej lub melancholijnej atmosfery, która zdefiniowała wiele niezależnych skały. Obejmowało zniekształcenie, swagger i trudniejszą krawędź. Podobne zespoły z pobliskiego Leicester - Party Bomb, Gaye Bajkers na kwasu, szalonym, Hunters Club i Szumowce - wkrótce stały się częścią tego ruchu, wspierając krótkie, ale głośne miejsce Grebo w historii niezależnej.

Główny nurt vs. podziemny podział w indie rock: The 90.

Na początku lat 90. scena grunge w Seattle eksplodowała w głównym nurcie. Zespoły takie jak Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden i Alice in Chains stały się nazwiskami domowymi, a przełomowy sukces Nirvany przyciąga ogromną uwagę na niezależny rock. W rezultacie termin indie rock zaczął ustępować alternatywnej rocku - etykiecie, która z czasem straciła swoje oryginalne znaczenie kontrkulturowe. To, co kiedyś było związane z Independence i Outsider Status, stało się skrótem dla bardziej smacznej komercyjnie wersji rocka na gitarze, która teraz znalazła się na szczycie list przebojów.

Carl Swanson, pisząc do New York Magazine, argumentował, że nawet termin wyprzedaż zaczął tracić znaczenie w tym nowym krajobrazie, ponieważ Grunge udowodnił, że nawet najbardziej niszowe lub radykalne ruchy mogą zostać wchłonięte przez główny nurt. Pojawiła się złamana, indywidualistyczna kultura, która wciąż działała pod wpływem głównych etykiet i mediów.

Media Scholar Roy Shuker, w swojej książce popularnej muzyki: The Key Concepts, zauważył, że Grunge zasadniczo stał się główną wersją niezależnej estetyki niezależnej od Ameryki Północnej z lat 80. Zasugerował, że do tego czasu „niezależne” stało się tak samo narzędziem marketingowym, jak każda rozpoznawalna cecha dźwiękowa. Ta zmiana spowodowała wyraźny podział w niezależnym świecie rockowym: niektóre zespoły oparły się na dostępności alternatywnego radia rockowego, podczas gdy inne podwoiły się eksperymentów i pozostały zdecydowanie pod ziemią. Według Allmusic, w tym okresie indie Rock stał się bardziej wąsko zdefiniowany - odnosząc się w szczególności do aktów podziemnych, podczas gdy ich bardziej udane komercyjnie rówieśnicy zostali przemijani jako alternatywa.

Jedną z najczystszych muzycznych reakcji na tę zmianę był Slowcore, który rozwinął się w Stanach Zjednoczonych jako bezpośredni kontrast z rosnącą dominacją Grunge'a. Podczas gdy granice Slowcore są rozmyte, zazwyczaj zawiera powolne temp, rzadkie oprzyrządowanie i melancholijne teksty. Galaxie 500 - szczególnie ich album z 1989 roku - miał ogromny wpływ na gatunek. Jak pisał Robert Rubsam dla Bandcamp Daily, były „punktem pochodzenia wszystkiego, co nastąpiło”. Pierwsza fala opasek powolnych obejmowała malarzy czerwonych domów, kodeinę, bóle, IDA i niskie. Gatunek nie był związany z jednym miastem lub sceną, a wielu jego artystów rozwinęło się w względnej izolacji od siebie.

Około 1991 roku zaczęło pojawiać się młodsze, bardziej szorstkie odgałęzienie ruchu Grebo. Paski te zostały oznaczone jako Fraggle-nazwa nałożona nieco w okiem na grupy, które mocno czerpały z punk, wybielacza Nirvany i często używane maszyny perkusyjne. Stephen Klain z Gigwise opisał dźwięk jako „brudne gitary, nawet brudniejsze włosy i koszulki tylko mama myła”. Godne uwagi zespoły Fraggle obejmowały bezsensowne rzeczy, Mega City Four i Carter nie do powstrzymania maszyny seksualnej. Nosili niezależny duch, ale z bardziej chaotyczną energią i wizualnym stylem, który był wyzywająco nie wypolerowany.

Bezsensowne rzeczy

Pisarz Spin Charles Aaron opisał nawierzchnię i kierowany głosami jako „dwa zespoły, które zdefiniowały niezależne rock w tej erze i, dla wielu, wciąż ucieleśniają to, co oznacza ten termin”. Obie grupy przyjęły style produkcji LO-Fi, które odzwierciedlały i romantyzowały etos DIY. Album Pavement z 1992 roku Slanted and Enchanted stał się kamieniem węgielnym podgatunku Slacker Rock. Rolling Stone nazwał go „Quintesencesent Indie Rock Album” i umieścił go na liście 500 najlepszych albumów wszechczasów.

W trójkącie badawczym w Karolinie Północnej scena niezależna była prowadzona przez zespoły podpisane do scalania płyt, w tym Superchunk, Archers of Loaf i Polvo. Zespoły te ukształtowały ruch regionalny pod wpływem zarówno hardcore punk, jak i post-punka. Mniej więcej w tym czasie sklepy takie jak Entertainment Weekly nazywały Chapel Hill „The Next Seattle”. Single Slack Mietfucker Superchunk został również wyróżniony przez Columbia Magazine jako decydujący hymn niezależnego rocka z lat 90. i symbol stereotypu Slackera.

Tymczasem w Wielkiej Brytanii powstanie Britpop wepchnął wiele wczesnych niezależnych zespołów rockowych w tle. Kierowane przez Blur, Oasis, Pulp i Suede, akty Britpop początkowo ustawiły się jako podziemne alternatywy - odpowiedź na dominację amerykańskiej sceny grunge. Podczas gdy Britpop zawdzięczał wiele swojego stylu indie rock i zaczął w ramach tej linii, wiele zespołów odrzuciło wczesnego ducha gatunku. Zamiast tego mocno wprowadzili niezależne w głównym nurcie, a działania takie jak Blur i Pulp podpisują się do głównych etykiet.

W swoim eseju pracuje? Polityka Wielkiej Brytanii w „Nowej Wielkiej Brytanii”, akademicki i polityk Rupa Huq argumentował, że Britpop „zaczął się jako odgałęzienie niezależnej sceny muzycznej Wielkiej Brytanii, ale mogła ją ostatecznie zabić, gdy niezależne i główny nurt zbiegły się - wymazując element protestacyjny, który kiedyś zdefiniował brytyjską muzykę niezależną”. Dziennikarz muzyczny John Harris prześledził początki Britpop na wiosnę 1992 roku, kiedy czwarty singiel Blur popssene i debiutancki singiel Suede The Horners został wydany prawie jednocześnie. „Jeśli Britpop zaczął się wszędzie”, napisał - „to w fali uznania przywitało wczesne single Suede: Bold, triumfalne i niewątpliwie Brytyjczycy”. Suede był pierwszą z nowej fali zespołów gitarowych przyjętych przez brytyjską prasę muzyczną jako odpowiedź Wielkiej Brytanii na Grunge Seattle. Ich debiutancki album stał się najszybciej sprzedającym się debiutem w historii Wielkiej Brytanii.

Dywersyfikacja niezależnego rocka

Debiutancki album Sunny Day Real Estate (1994) pomógł zapoczątkować nową falę emo, łącząc emocjonalne tematy z niezależną estetyką rocka. Wraz z zespołami takimi jak Piebald, The Promise Ring i Cap'n Jazz, Emo drugiej fali zdystansowały się od swoich hardcore korzenie, ewoluując w bardziej melodyjny i strukturalnie wyrafinowany gatunek.

To nowsze podejście do Emo włamało się do głównego nurtu na początku 2000 roku z albumami sprzedającymi platynę, takimi jak Jimmy Eat World's Bleed American (2001) i The Places You Com Com Con Fear the Most To Fear Fears the Most To Fear Fears. Jedna szczególnie wpływowa kieszeń tego ruchu pojawiła się na Środkowym Zachodzie, gdzie zespoły takie jak amerykańska piłka nożna zmieszała lśniące tony gitarowe i elementy rockowe matematyczne w wyraźny dźwięk. Rosnąca popularność EMO pomogła również zwiększyć widoczność „pomiędzy”, jak Death Cab dla Cutie, skromnej myszy i karate-zespoły, które nie pasowały wprost do emo lub indie, ale kwitły gdzieś w nakładaniu się.

Tymczasem Elephant 6 Collective - z jabłkami w stereo, beulah, systemie krążenia, mocy elfa, Minders, Neutral Milk Hotel i Olivia Tremor Control - przyniosły psychodeliczny zwrot w indie rock. W Gimme Indie Rock autor Andrew Earles przypisał kolektywu - szczególnie neutralnymi hotelu Milk Hotel na Avery Island (1996) - z utrzymaniem niezależnego artystycznie w okresie, w którym inne ruchy podziemne zaczęły blaknąć lub iść do głównego nurtu.

Indietronica (lub indie elektroniczna) pojawiła się jako kolejny punkt fuzji, łącząc niezależne struktury skalne z produkcją elektroniczną - samplery, syntezatory, maszyny perkusyjne i oprogramowanie. Zamiast konkretnego gatunku, Indietronica opisała szerszy ruch na początku lat 90., który narysował Krautrock, Synth-Pop i eksperymentalne tradycje, takie jak warsztaty radiofoniczne BBC. Podstawowe akty obejmowały brytyjskie disco Inferno, stereolab i przestrzeń, z większością artystów związanych z etykietami takimi jak Warp, Mort Muzyka Morr, Sub Pop lub Ghostly International.

Space Rock, kolejna gałąź indie, wzięła inspirację z psychodelicznej skały, ambientowych tekstur i kosmicznych stylów Pink Floyd i Hawkwind. Począwszy od Spacemen 3 w latach 80., styl rozszerzył się poprzez zespoły takie jak duchowy, latający atak spodek, Godspeed You! Czarny cesarz i QuickSpace, łącząc dron, atmosferę i strukturę niezależną.
Gdy Britpop zniknął pod koniec lat 90., Post-Britpop wyrzeźbił własną przestrzeń w brytyjskim niezależnym rocku. Około 1997 r. Rozczarowało się Cool Britannia, a zespoły zaczęły dystansować od wytwórni BritPop - nawet gdy zachowały stylistyczne połączenia. Wraz z upadkiem BritPop nowe zespoły zyskały szersze krytyczne i publiczne uznanie. Urban Hymns Verve (1997) był hitem globalnym i oznaczył ich komercyjny szczyt przed rozstaniem w 1999 r. Radiohead odniósł skromny sukces z zakrętami (1995), ale przełamał się z OK Computer (1997), a następnie z powodu dzieci A (2000) i amnezyjnej (2001).

Stereophonics mieszane wpływy post-grunge i hardcore na albumy takie jak Word Gets Around Around (1997) oraz Performance and Cocktails (1999), po czym przesuną się w kierunku bardziej melodycznego pisania piosenek o wystarczającej liczbie edukacji, aby wykonać (2001) i później.

Feeder, pierwotnie zakorzeniony w amerykańskim po Grunge, znalazł cięższy, bardziej przyjazny radio dźwięk na swoim przełomowym singlu Buck Rogers i Album Echo Park (2001). Po śmierci perkusisty Jona Lee zespół poruszył się w bardziej introspektywnym kierunku z Comfort in Sound (2002), który stał się ich najbardziej udanym komercyjnie niezależnym wydaniem rocka, rozpowszechniając szereg hitów.

Najbardziej dominującym niezależnym zespołem rockowym Nowego Millennia była Coldplay, której pierwsze dwa albumy-Parachutes (2000) i Rush of Blood to the Head (2002)-poszło wielo-platynowe, stacjonujące swoje miejsce jako globalne supergwiazdy, w których X&Y spadły w 2005 roku. Tymczasem w 2005 roku. Tymczasem w 2005 roku.

Główny nurt indie rock: The 2000s

Odrodzenie post-punkowe i garażowe

Wysokość Indie Rock w centrum uwagi w latach 2000. rozpoczęła się od Strokes, a ich debiutancki album z 2001 r. Is This This. Kierując ducha zespołów z lat 60. i 70., takich jak The Velvet Underground i The Ramones, zespół dążył do brzmienia własnymi słowami, jak „grupa z przeszłości, która przeszła do przyszłości, aby zrobić płytę”. Podczas gdy album osiągnął szczyt 33 w USA, pozostał na listach przebojów przez dwa lata i zadebiutował na drugim miejscu w Wielkiej Brytanii. W tym czasie skałę głównego nurtu była zdominowana przez Grunge, Nu-Metal i Rap-Rock, sprawiając, że surowe, odrodzenie skały garażu wydają się ostre kontrast-i powiew świeżego powietrza.

Sukces zespołu pomógł rzucić światło na inne działania w Nowym Jorku z wpływami vintage, w tym Yeah Yeah Yeah, Interpol i TV w radiu. Ta inspirowana garażem fala obejmowała również białe paski, winorośl i uli, które szybko nazywały „The” zespołów przez media. Rolling Stone uchwycił ten moment z okładką z września 2002 r. Oświadczającą „Rock Is Back!”

Pęd z pociągnięć wywołał także odrodzenie w brytyjskim wybuchu pod ziemią. Zainspirowany ich dźwiękiem fala brytyjskich zespołów zaczęła przerabiać swoje podejście. Wczesne wyróżnienia obejmowały Franza Ferdinand, Kasabian, Maximo Park, Cribs, Bloc Party, Kaiser Chiefs i pozostałych. Ale Libertines, utworzone w 1997 r., Byli postrzegani jako bezpośrednia odpowiedź Wielkiej Brytanii na uderzenia. Allmusic opisał je jako „jeden z najbardziej wpływowych brytyjskich zespołów XXI wieku”, podczas gdy The Independent zauważył: „Libertines postanowili być ważnym niezależnym zespołem rockowym, ale nie mogli przewidzieć, jak bardzo ukształtowali scenę”.

Mieszanie wpływów z starcia, załamań, kowagi i dżemu, Libertines stworzyli dźwięk tuszących, trawinowych gitar i tekstów o życiu brytyjskim, śpiewanym w niewątpliwie angielskich akcentach. Ich styl szybko rozprzestrzenił się na zespoły takie jak Fratellis, Kooks i The View, z których wszyscy odniosły duży sukces komercyjny. Ale żadna grupa nie wywarła większy wpływ niż małpy Arktyczne z Sheffield - jeden z pierwszych zespołów, które wykorzystują moc mediów społecznościowych do zbudowania bazy fanów. Ich debiut w 2006 r. Cokolwiek mówią, że jestem, tym nie stał się najszybciej sprzedającym się debiutanckim albumem w historii brytyjskiej, po dwóch singlach nr 1.

Ta fala popularności pomogła wprowadzić tradycyjnie podziemne działania w głównym nurcie. Dobra wiadomość Modest Mouse dla ludzi, którzy kochają złe wieści (2004), włamali się do amerykańskich najlepszych 40 i zdobyła nominację do Grammy. Bright Eyes wylądowało dwa single na liście sprzedaży Billboard Hot 100 w 2004 roku. Death Cab za plany Cutie (2005) zadebiutowało na czwartym miejscu w USA, pozostał na liście Billboardu przez prawie rok, poszedł platynowy, a także zdobył skinienie Grammy. Z „Indie” nagle wszędzie - od muzyki po modę i film - niektórzy krytycy zaczęli kłócić się, że termin całkowicie stracił swoje znaczenie.

Tymczasem USA odnotowały drugą falę niezależnych zespołów osiągających globalne uznanie. Grupy takie jak Black Keys, Kings of Leon, The Shins, The Bravery, Spoon, The Hold Staily, a obywatel odniosły zarówno krytyczny, jak i komercyjny sukces. Największym przełomem tej grupy byli zabójcy, utworzone w Las Vegas w 2001 roku. Po usłyszeniu tego jest to, złomowali większość swojego wczesnego materiału i przepisali go z myślą o wpływie uderzeń.

Ich debiutancki singiel Brightside stał się zjawiskiem. Od kwietnia 2021 r. Utwór spędził 260 tygodni (pięć lat) na brytyjskiej liście singli - dłużej niż jakakolwiek inna piosenka. Do 2017 r. Pojawił się na liście 11 z poprzednich 13 lat, w tym 35-tygodniowy bieg, który osiągnął szczyt nr 49 w latach 2016–2017. Do końca 2018 r. Była to najczęściej przesyłana niezależna piosenka rockowa w historii Wielkiej Brytanii i wciąż była pobierana setki razy tygodniowo w 2017 roku. W marcu 2018 r. Pan Brightside osiągnął kolejny kamień milowy: 200 skumulowanych tygodni w Wielkiej Brytanii.

Rozprzestrzenianie się indie rocka i powstanie niezależnego składowiska

Sukces zespołów takich jak The Strokes, Libertines i Bloc Party wywołał falę zainteresowania głównych etykiet w scenie niezależnej rockowej - trend, który zintensyfikowany tylko po przełomie Arctic Monkeys. W latach po wydaniu tego, co mówią, że jestem, tym nie jestem, pojawiła się powódź nowych zespołów, w tym karabinów, detektywów gołębi i Milburn. Wiele z tych czynów stanowiło bardziej formalne, rozwodnione podejście do ich poprzedników.

Pod koniec dekady krytycy zaczęli nazywać tę falę „indie składowiskową” - termin wymyślony przez Andrew Harrison z magazynu Word, aby opisać nadwyżkę nie do odróżnienia zespołów gitarowych zalewających główny nurt. W artykule Vice w 2020 r. Frontman Razorlight, Johnny Borrell, został nazwany „jedynym człowiekiem, który zdefiniował, wcielił się i żył indie składowiskowym”. Mimo, że szczotkował z surową energią i mitycznym chaosem miłosnym nienawiści do Libertines, Razorlight był postrzegany jako symboliczny dla zespołu, który ucieleśniał powierzchnię, ale nie duszę ruchu-„imponująco przeciętnego”, jak to ujął utwór.
W kolumnie Guardian w 2009 r. Dziennikarz Peter Robinson ogłosił, że epoka niezależnej składowiska oficjalnie martwa. Wyróżnił Wombaty, poszukując dziewcząt, a Joe Lean & The Jing Jang Jong jako ostatnie paznokcie w trumnie. „Gdyby niezależne składowanie składowiska były grą Buckaroo”, napisał-„ci trójka wysłałaby całe obciążenie przyjaznego radia monotonnego latającego nieba”.

Wysyłanie indie ostatecznie stało się symbolem tego, jak niezależna rock, niegdyś zbuntowana alternatywa dla głównego nurtu, stała się nasycona, utowarowana i pozbawiona krawędzi.

Ciągłe sukces Indie Rock: 2010s do dnia dzisiejszego

Sukces komercyjny Indie Rock znacznie przeniósł się do 2010 roku z głównymi wydaniami, takimi jak Arcade Fire's The Suburbs (2010), The Black Keys „Turn Blue (2014), Kings of Leon's Walls (2016) i The Killers 'Wonderful Wonderful (2017), które osiągnęły zarówno Billboard 200 w USA, jak i oficjalne albumy w Wielkiej Brytanii. W 2011 roku przedmieścia zabrały do ​​domu Grammy na album roku. Inni niezależni artyści - Florence and the Machine, The Detedists i LCD SoundSystem - wylądowały w Stanach Zjednoczonych w USA, podczas gdy zespoły takie jak Wampire Weekend, Bon Iver, Death Cab, Cutie, usługa pocztowa i arktyka Monkeys osiągnęły sprzedaż Platinum.

Trzeci album Wampirów Modern Vampires of the City (2013) wygrał Grammy za najlepszy album muzyczny alternatywny w 2014 roku, aw 2019 r. Pisarz konsekwencji Tyler Clark opisał go jako „Nosząc indie rockowy sztandar w szerszym świecie muzyki”. Arctic Monkeys 'AM (2013) stał się jednym z największych indie rockowych albumów dekady-debiutując na pierwszym miejscu w Wielkiej Brytanii, sprzedając 157 329 egzemplarzy w pierwszym tygodniu i stając się drugim najszybszym albumem roku. Z AM zespół stał się pierwszym aktem w niezależnej wytwórni, która zadebiutowała na pierwszym miejscu w Wielkiej Brytanii z ich pierwszymi pięcioma albumami. Od czerwca 2019 r. AM spędził 300 tygodni na liście albumów w Wielkiej Brytanii Top 100. Album trafił również na 1 w Australii, Belgii (Flandria), Chorwacja, Słowenia, Dania, Irlandia, Holandia, Nowa Zelandia i Portugalia i wszedł do pierwszej dziesiątki w kilku innych krajach.

W Stanach Zjednoczonych sprzedano 42 000 egzemplarzy w pierwszym tygodniu i zadebiutował na 6. miejscu na Billboard 200, stając się najwyższym wydaniem Arktycznym Monkeys w Stanach. Do sierpnia 2017 r. Album został certyfikowany przez RIAA Platinum, a ponad 1 milion równoważnych jednostek sprzedanych w USA od 14 kwietnia 2023 r. Każdy utwór na albumie został certyfikowany srebrny lub wyższy przez BPI, a „Mad Sounds” jest ostatnim, który osiągnął ten kamień milowy.

Arcade Fire

Na początku 2010 roku w 1975 r. Zaczęło łączyć indie rock z wrażliwością pop - ruch, który początkowo spolaryzował krytykę. Zostali nazwani „Worst Band” podczas nagród NME Awards 2014, ale do 2017 roku odebrali nagrodę dla „Best Live Band”. Yasmine Summan z Alternative Press napisała, że ​​gdyby 2013 i 2014 można było podsumować w jednym albumie dla fanów muzyki indie i alt, byłby to debiut z 1975 roku. W The Guardian dziennikarz Mark Beaumont przypisał zespołowi „wprowadzenie niezależnego rocka w głównym nurcie”, porównując wpływ frontmana Matty'ego Healy z wpływem Pete Doherty z Libertines. Pitchfork wymienił także 1975 jako jeden z najbardziej wpływowych aktów muzycznych od 1995 roku.

Sukces zespołu pomógł wywołać falę niezależnego popu, ruchu, ruchu, który niektórzy krytycy nazywani „Healewave”. Godne uwagi nazwiska obejmowały blade fale, asy, Joan, zmienni przyjaciele i brak Rzymu. Wśród nich jasne fale wyróżniały się komercyjnie. Ich debiut mój umysł sprawia, że ​​dźwięki są wykresem na 8 miejscu w Wielkiej Brytanii, kim jestem? (2021) trafił nr 3, a niechciany (2022) osiągnął nr 4.

Mniej więcej w tym samym czasie Wolf Alice pojawiła się jako główna siła na scenie. Ich drugi album Visions of A Life (2017) zdobył prestiżową nagrodę Mercury w 2018 roku, a ich trzeci, Blue Weekend (2021) został nominowany. Pisząc dla Dork w 2021 r., Martin Young zauważył: „Nie można przecenić, jak ważna jest Wolf Alice. Byli katalizatorem prawie każdego genialnego zespołu, o którym czytałeś w Dork w ciągu ostatnich pięciu lat”.

Kultowe albumy i piosenki niezależne

Kiedy Buzzcocks wydał Spiral Scratch w 1977 roku, stał się pierwszym albumem niezależnym w nowoczesnym znaczeniu. Początkowo naciskane w skromnym serii zaledwie 1000 egzemplarzy, zespół i przemysł były zszokowane, gdy popyt zmusił ich do wydrukowania 15 000 więcej. Sukces EP był początkiem rosnącej społeczności artystów zaangażowanej w niezależność od głównego systemu wytwórni.

Kolejnym przełomowym albumem niezależnym był Pearl Jam's Ten. Choć częściej związany z Grunge, Ten odegrał ważną rolę w definiowaniu dźwięku sceny Seattle z lat 90. i pomogło wprowadzić termin „grunge” w popularne użycie. Podobnie jak wiele indie i alternatywnych wydawnictw czasów, album początkowo był powolny, zdobywając przyczepność, zajmując około roku, aby włamać się na listy przebojów.

Lirycznie niezależne rock zawsze opierał się na opowiadaniu historii - często głęboko osobistym i emocjonalnym rezonansowym.
Nirvany pachnie jak nastolatek, który zachwycił niepokój i zamieszanie młodzieży.

Weezer mówi, że nie jest tak opowiedziane w historii rodziny złamanej alkoholem, zainspirowanym przez dzieciństwo rzek frontmana Cuomo.
Mr. Brightside zabójcy namalował żywy obraz zazdrości i złamanego serca - człowiek nawiedzony myślą o utraty tej, którą kocha komuś innemu.

Te piosenki, z ich surowymi emocjami i eksperymentami dźwiękowymi, pomogły ukształtować rdzeń indie rock i nadal inspirować nowe pokolenia muzyków.

Przyszłość indie rock

Ponieważ muzyka niezależna staje się bardziej dostępna i głównego nurtu, wielu uważa, że ​​przyszłość branży muzycznej może leżeć w rękach niezależnych artystów. Przy mniejszej liczbie strażników, niezależni muzycy mogą swobodnie przekraczać granice, odkrywać nowe dźwięki i rozwijać własne tożsamości na własnych warunkach.

Dzisiejsza nowa fala artystów jest często opisywana jako gatunek-rozmycie linii między rock, popem, hip-hopem i nie tylko. Artyści tacy jak Dominic Fike i Declan McKenna reprezentują tę zmianę, tworząc muzykę, która jest sprzeczna z łatwą klasyfikacją. Gdy przemysł muzyczny i jego słuchacze stają się bardziej zróżnicowane i otwarte, niezależne rock-we wszystkich jego ewoluujących formach-jest gotowy rozwijać, kształtować i redefiniować, czym może być współczesna muzyka.