O que é Rock Indie

O Indie Rock tomou forma pela primeira vez no início dos anos 80 em todo o Reino Unido, EUA e Nova Zelândia. Na época, o termo referido à música lançado por gravadoras independentes, mas logo passou a representar uma estética mais ampla - crua, experimental e impulsionada mais pela visão do que pelas fórmulas comerciais.

Uma das primeiras fundações do gênero foi o "som de Dunedin" da Nova Zelândia, com bandas como The Chills e The Clean. Nos EUA, as estações de rádio da faculdade foram fundamentais para promover artistas como os Smiths e REM, dando tempo de antena à música que parecia fora do mainstream. Em meados dos anos 80, o Indie Rock começou a tomar forma como sua própria cena, impulsionada pela compilação NME C86 do Reino Unido e pela ascensão subterrânea de bandas como Sonic Youth e Dinosaur Jr. nos Estados Unidos.

Os anos 90 trouxeram uma onda de novos subgêneros:

• Slowcore , com seus tempos sombrios e prolongados;
• O Midwest Emo , conhecido por suas letras sinceras;
• Slacker Rock , marcado pela entrega descontraída e estética lo-fi;
• Shoegaze , definido pelo uso pesado de efeitos de guitarra e vocais introspectivos.

Quando o Grunge e Britpop ganharam impulso, o mainstream começou a cooptar sons indie. As principais gravadoras se inclinaram para a "imagem indie" como uma ferramenta de marketing, que criou uma divisão: algumas bandas se inclinaram para a exposição, outros dobraram para ficar fora do radar.

Nos anos 2000, o Indie Rock deu outro salto para os holofotes. Atos como The Strokes, The Libertines, Arctic Monkeys e The Killers trouxeram uma energia de renascimento pós-punk que se conectou a uma nova geração. Esse boom levou a uma explosão de bandas semelhantes-uma onda que a imprensa do Reino Unido mais tarde apelidou de aterro.

Ainda assim, durante todas as mudanças, o Indie Rock permaneceu fiel às suas raízes - centrado na liberdade criativa, um espírito de bricolage e um instinto de desafiar a norma.

O que torna uma música indie: som, espírito e estilo

O termo "indie" surgiu pela primeira vez no final da década de 1970 em Manchester, quando a banda Buzzcocks lançou seu Spiral Scratch sem a ajuda de uma grande gravadora. Esse momento marcou o início de um novo tipo de independência musical.

Indie não é apenas quem libera a música - é sobre controle criativo. Os artistas gerenciam sua própria gravação, direção e som sem pressão de grandes players do setor. Essa liberdade leva à música que se afasta das fórmulas e parece mais pessoal e original.

Estilisticamente, o indie puxa de todo o lado: punk, grunge, pop, hip-hop e até psicologia. É assim que você obtém bandas como The White Stripes, misturando rock de garagem com blues ou jovem o gigante, que misturam ganchos cativantes com texturas de guitarra em camadas.

As listras brancas

Jovem o gigante

Mesmo com toda essa variedade, a música indie ainda carrega uma energia reconhecível. É cru, é honesto e é impulsionado pela visão do artista - não por tendências ou gráficos comerciais.

Definindo traços de rocha indie: som, visão e contraste

O Rock Indie é mais do que apenas um gênero - é uma mentalidade, uma maneira de fazer e compartilhar músicas. A palavra "indie" vem de "independente" e originalmente se referiu a artistas e bandas que lançam música em pequenos rótulos de baixo orçamento. Mesmo quando a distribuição envolveu grandes empresas, esses artistas pretendiam preservar o controle criativo e evitar serem direcionados pelas tendências da indústria.

Essa independência abriu a porta para a experimentação - com som, temas e emoção - muitas vezes distantes do que a música convencional estava oferecendo. O Rock Indie sempre tirou de uma variedade de influências:

• punk e pós-punk (buzzcocks, arame, televisão);
• Os anos 60 Psychedelia e Garage Rock (Velvet Underground, as portas);
• Art Rock e Lo-Fi Estética;
• toques de país e folk.

De acordo com a Allmusic, o Indie Rock inclui artistas cujas abordagens musicais geralmente se chocam com os gostos convencionais. Ele abrange tudo, desde grunge pesado a guitarra a punk folk e rock de vanguarda. O que conecta tudo não é estilo - é uma unidade compartilhada para autonomia e originalidade.

Em seu livro, Brent Luvaas destaca como o Indie Rock está enraizado na nostalgia - pelo som dos anos 60, para um espírito de bricolage e por letras que geralmente carregam profundidade literária. Essa influência pode ser ouvida em bandas como os Smiths e as rosas de pedra, que enfatizaram a atmosfera e a narrativa.

O musicólogo Matthew Bannister descreveu uma vez o gênero como "pequenos grupos de homens brancos com guitarras", desenhando do rock punk e dos anos 60, mas deliberadamente se distanciando das normas comerciais. O antropólogo Wendy Fonarow identificou duas grandes mentalidades indie:

• o "purista" - favorecendo o minimalismo, a crueza e a honestidade emocional;
• O "romântico" - mais expressivo, excêntrico e estilisticamente ousado.

Essa divisão foi especialmente visível nos anos 90. As bandas do Reino Unido se inclinaram para a performance e o toque estético, enquanto muitos atos americanos adotaram um som lo-fi e não polido como um marcador de autenticidade.

O Indie Rock também abriu mais espaço para as mulheres. O movimento Riot Grrrl, liderado por bandas como Bikini Kill, Bratmobile e Team Dresch, desafiaram as normas não apenas subindo ao palco, mas moldando as idéias por trás da música. Ainda assim, como Courtney Harding observa, a mesma igualdade não se estendeu à liderança - as mulheres que administram rótulos indie permanecem uma minoria hoje.

Biquíni Kill

O Rock Indie cobre uma ampla gama de estilos-desde o pop indie acionado por sintetizadores até as influências brutas pós-punk e até hip-hop-, mas a maioria das bandas indie compartilha alguns valores essenciais na maneira como abordam a música.

• Ethos DIY . A maioria dos artistas independentes opera fora do apoio financeiro dos principais rótulos. Eles pagam pelo tempo de estúdio ou recorde em casa com qualquer equipamento que tenham. Essa abordagem prática mantém o processo totalmente independente-desde a primeira demonstração até a versão final;
• Estética lo-fi . Antes que software como o Pro Tools e a Logic se tornassem amplamente acessíveis, os músicos independentes geralmente não podiam comprar estúdios profissionais. Isso deu origem a um som lo-fi reconhecível-guitarras corajas, ruído de fundo e um acabamento intencionalmente difícil. Ainda hoje, alguns artistas se mantêm nessa textura de propósito, usando imperfeições como parte de sua identidade artística;
• Composição interna . Ao contrário do hip-hop pop ou mainstream, onde as músicas são frequentemente construídas por equipes de produtores e escritores, a música indie geralmente é escrita pelos próprios artistas. Isso pode significar cantores e compositores solo como Phoebe Bridgers, ou bandas completas como Fugazi ou Sleater-Kinney, onde a composição é um esforço de grupo-não terceirizado para profissionais;
• Autenticidade sobre o flash . O Rock Indie não é sobre trituração solos ou acrobacias vocais. Ele se inclina para performances humanas e honestas. Muitas bandas independentes podem facilmente replicar seu som gravado ao vivo sem precisar de uma equipe de backup de músicos de estúdio - e essa entrega crua e não filtrada é exatamente com o que os fãs se conectam. É menos sobre perfeição e mais sobre emoção real.

Como a cena do rock indie começou: de Buzzcocks ao som de Dunedin

A música documental da BBC para Misfits: A história de Indie credita a origem do termo "indie" ao lançamento de 1977 do Spiral Scratch, um EP autofinanciado da Manchester Punk Band Buzzcocks, emitido por meio de sua própria gravadora New Hormônios. Esse movimento provocou uma onda de atividades de bricolage - as bandas começaram a gravar, imprimir e distribuir sua própria música. Grupos como o Swell Maps, o nível 'O', as personalidades da televisão e as bicicletas desesperadas logo se seguiram.

Buzzcocks

A distribuição cresceu com a ajuda do cartel, uma rede de pequenos distribuidores como Red Rhino e Rough Trade Records, o que ajudou a levar lançamentos independentes em lojas de discos em todo o Reino Unido. Essa infraestrutura deu à música independente uma presença física nas lojas, permitindo que ela competisse com os lançamentos de rótulos principais.

Os rótulos indie também estavam fazendo ondas fora do Reino Unido. Nos EUA, a BESERKLEY Records lançou o álbum de estréia dos Lovers Modern, e os RIFT Records lançaram uma nova rosa pelos malditos, considerados o primeiro single punk britânico. Na Austrália, os santos lançados (I'm) presos através de sua própria gravadora Fatal Records, seguidos pelo Go-Betweens, que estreou com o single Indie Lee Remick.

Um capítulo importante no desenvolvimento do Indie se desenrolou em Dunedin, Nova Zelândia. No início dos anos 80, a Flying Nun Records foi fundada, tornando -se o lar de uma geração de artistas que criaram o que veio a ser conhecido como The Dunedin Sound. Segundo a Audioculture, uma das primeiras bandas desta cena foi o inimigo, formado por Chris Knox e Alek Bathgate. Embora tenha vida curta, a banda deixou uma impressão duradoura em músicos mais jovens como Shayne Carter, que passou a formar Doublehappys e Straitjacket Fits.

Após a divisão do inimigo, Knox passou a formar o amor de brinquedos e, posteriormente, alanos altos, um dos primeiros atos a abraçar a gravação em casa e a estética do lo-fi-elementos-chave no que se tornaria o som indie.

O som de Dunedin foi marcado por guitarras jangly, vocais moderados e uma vibração melancólica. Ele ganhou um reconhecimento mais amplo através do single-ho de 1981 do Clean de 1981! e a compilação de 1982 Dunedin Double, que apresentava calafrios, sentimentos sorrateiros, verlains e pedras. O estilo logo se espalhou além de Dunedin para cidades como Christchurch e Auckland, ajudando a moldar a rocha indie como um movimento cultural distinto.

Enquanto isso, nos EUA, as estações de rádio da faculdade se tornaram cruciais para música independente emergente nos anos 80. Eles exibiram rock alternativo, pós-punk, pós-hardcore e New Wave-sons raramente ouvidos no rádio comercial. Essas bandas foram referidas coletivamente como College Rock, um termo ligado mais à plataforma do que a um único gênero.

Artistas como REM e Smiths foram especialmente influentes. O musicólogo Matthew Bannister considera algumas das primeiras verdadeiras bandas indie. Sua influência pode ser ouvida em grupos como Let's Active, The Housemartins e LA's. Nessa época, o termo "Rock Indie" começou a se aplicar não apenas às gravadoras, mas aos artistas que liberam música de forma independente.

O jornalista Steve Taylor também apontou para a cena subterrânea de Paisley como uma parte inicial da história indie. O gênero ficou mais sombrio e atmosférico nas mãos de artistas como Jesus e Mary Chain e Jean-Paul Sartre Experience, ambos associados à freira voadora.

Eventualmente, após os esforços de lobby da NPR levaram a uma redução no número de estações de rádio da faculdade, o termo "College Rock" começou a desaparecer. Em seu lugar, um rótulo mais flexível e duradouro tomou conta-indie-que definiria uma geração de música que priorizava a criatividade, a independência e a auto-direção.

Jesus e Maria Chain

A evolução da rocha indie: de C86 a Grebo e Shoegaze

No Reino Unido, um ponto de virada importante para a cena indie veio com o lançamento do C86, um cassete de compilação montado pela NME em 1986. Ele apresentava faixas de Primal Scream, The Pastelis, The Wedding Present e outros que misturaram a produção de Jangle Pop, pós-punk e Phil Spector, estilo de som do som ". Mais tarde, o crítico Bob Stanley chamou de "o começo da música indie". O termo C86 cresceu rapidamente além do próprio cassete, tornando-se uma abreviação de uma onda inteira de faixas com sons arejados e lo-fi-geralmente rotulados como anorak pop ou indie ralado. Enquanto alguns agem como sopa dragões, gritos primal e o presente do casamento, o sucesso encontrou sucesso no gráfico, muitos outros desapareceram na obscuridade.

Nos EUA, a ascensão do REM deu uma alternativa à intensidade do hardcore, abrindo a porta para novos músicos-particularmente aqueles que continuariam moldando a cena pós-hardcore, como Minutemen. As principais gravadoras perceberam e assinaram brevemente bandas como Hüsker Dü e as substituições, embora seus lançamentos não correspondessem ao desempenho comercial do REM. Ainda assim, a influência deles era duradoura. No final dos anos 80, atos como Sonic Youth, Dinosaur Jr. e inquietação estavam lançando música através de gravadoras indie e, no final da década, a Sonic Youth e os Pixies haviam assinado com os próprios majores.

Nessa época, Shoegaze emergiu como um subgênero de rocha indie, expandindo -se no estilo "Muro do som", pioneiro em Chain de Jesus e Maria. Shoegaze fundiu essa textura com elementos de Dinosaur Jr. e Cocteau Twins, criando uma atmosfera escura e nebulosa, onde os instrumentos geralmente embaçavam juntos. Meu sangrento Valentine foi pioneiro com o EPS e sua estréia não é nada, inspirar uma nova onda de bandas de Londres e do vale do Tamisa como Chapterhouse, Moose e Lush. Em 1990, Steve Sutherland, fabricante de Melody, apelidou de cena de "a cena que se celebra".

Enquanto isso, Madchester emergiu como um híbrido de rock indie de C86, dance music e cultura rave hedonista, com uso pesado de psicodélicos. Sediada em Manchester e centralizada em torno da boate Haçienda - lançada em 1982 pela Factory Records - o movimento atraiu energia de atos como New Order, Cabaret Voltaire e The Smiths. Em 1989, o Happy Mondays's chateado e a estréia de Stone Roses haviam definido a cena. Atos como os charlatães, 808 estados e tapetes inspirados logo se seguiram.

O Madchester Sound-uma mistura de batidas indie e dançarina-ficou conhecida como dança indie, ou mais especificamente, o subgênero folgado. Um dos momentos definidores do movimento foi o concerto de Spike Island das rosas de pedra em 27 de maio de 1990. Com 28.000 fãs e um tempo de execução de 12 horas, foi o primeiro grande evento desse tipo organizado por uma banda independente.

Ao mesmo tempo, uma cena distinta estava crescendo em Stourbridge, conhecida como Grebo. Bandas mixadas influências punk, eletrônicas, folclóricas e até hip-hop, criando um som mais pesado e sujo. Liderado por Pop, o próprio Wonder Stuff, e o atômico de Ned, o movimento não era tanto um gênero quanto um momento cultural localizado. Seus singles mapearam - Wise Up! Otário e você pode cavar? Por Pop, eles se comerão no Top 40 do Reino Unido - e Stourbridge se tornou brevemente um local de peregrinação para os fãs independentes.

Entre 1989 e 1993, os álbuns da Cornerstone da cena de Grebo caíram: Hup e nunca adoraram Elvis do The Wonder Stuff; Deus forragem e você é normal? do lixo atômico de Ned; E o pop vai comer, este é o dia ... esta é a hora ... é isso! E a aparência ou o estilo de vida? Essas bandas se tornaram regulares do Festival em Reading, venderam milhões de discos e enfeitaram as capas da NME e da Melody Maker.

O que diferenciou Grebo não foi apenas suas influências ecléticas, mas a rejeição da vibração polida ou melancólica que definiu grande parte do rock indie. Abraçou a distorção, a arrogância e uma vantagem mais difícil. Bandas semelhantes da vizinha Leicester - Bomb Party, Gaye Bykers em Acid, Crazyhead, Hunters Club e Scum Pups - logo se tornaram parte do movimento, cimentando o breve mas alto lugar de Grebo na história indie.

The Mainstream vs. Underground Split em Indie Rock: nos anos 90

No início dos anos 90, a cena grunge de Seattle explodiu no mainstream. Bandas como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden e Alice em cadeias se tornaram nomes domésticos, com o sucesso do Nirvana chamando grande atenção para o Rock Indie. Como resultado, o termo rocha indie começou a dar lugar ao rock alternativo - um rótulo que, com o tempo, perdeu seu significado contracultural original. O que já foi associado à independência e ao status de fora se tornou uma taquigrafia para uma versão mais comercialmente palatável da rocha orientada a guitarra que agora liderou as paradas.

Carl Swanson, escrevendo para a revista de Nova York, argumentou que mesmo o termo esgotamento começou a perder significado nessa nova paisagem, pois o grunge provou que mesmo os movimentos mais nicho ou radical poderiam ser absorvidos pelo mainstream. O que surgiu foi uma cultura individualista fraturada que ainda operava sob a influência dos principais rótulos e da mídia.

O estudioso da mídia Roy Shuker, em seu livro Música Popular: os principais conceitos, observou que o grunge se tornou essencialmente a versão convencional da estética indie rock norte -americana dos anos 80. Ele sugeriu que ser "independente" havia se tornado tão uma ferramenta de marketing quanto qualquer característica sonora reconhecível. Essa mudança causou uma divisão clara no mundo do rock indie: algumas bandas se inclinaram para a acessibilidade do rádio rock alternativo, enquanto outros dobraram a experimentação e permaneceram firmemente no subsolo. De acordo com a Allmusic, foi durante esse período que a rocha indie se tornou mais estreitamente definida - referindo -se especificamente aos atos subterrâneos, enquanto seus colegas de sucesso comercial foram renomeados como alternativos.

Uma das respostas musicais mais claras a essa mudança foi Slowcore, que se desenvolveu nos EUA como um contraste direto com o crescente domínio do Grunge. Enquanto os limites do Slowcore estão embaçados, normalmente apresenta tempos lentos, instrumentação esparsa e letras melancólicas. O Galaxie 500 - particularmente o álbum de 1989 em fogo - teve um enorme impacto no gênero. Como Robert Rubsam escreveu para o Bandcamp Daily, eles eram "o ponto de origem para tudo o que veio depois". A primeira onda de bandas Slowcore incluía pintores de casas vermelhas, codeína, cabeça de cama, IDA e baixa. O gênero não estava ligado a nenhuma cidade ou cena, e muitos de seus artistas se desenvolveram em relativo isolamento um do outro.

Por volta de 1991, começou a surgir uma ramificação mais jovem e áspera do movimento Grebo. Essas bandas foram rotuladas de Fraggle-um nome aplicado um pouco explícito a grupos que extraíam fortemente do punk, o alvejante do Nirvana, e frequentemente usavam máquinas de bateria. Stephen Klain, de Gigwise, descreveu o som como "guitarras sujas, até cabelos mais sujos, e camisetas que apenas uma mãe lavava". Bandas de fraggle notáveis ​​incluíram coisas sem sentido, Mega City Four e Carter, a Máquina de Sexo Imparável. Eles carregavam o espírito indie, mas com uma energia mais caótica e um estilo visual que era desafiadoramente polido.

Coisas sem sentido

O escritor de Spin Charles Aaron descreveu o pavimento e guiado por vozes como "as duas bandas que definiram o Rock Indie durante esta época e, para muitos, ainda incorporam o que o termo significa". Ambos os grupos adotaram estilos de produção de lo-fi que refletiam e romantizavam seu ethos de bricolage. O álbum de Pavimento de 1992, inclinado e encantado, tornou -se uma pedra angular do subgênero do Slacker Rock. A Rolling Stone chamou de “o álbum de rock indie por excelência” e o incluiu na lista dos 500 melhores álbuns de todos os tempos.

No triângulo de pesquisa da Carolina do Norte, a cena independente foi liderada por bandas contratadas para mesclar recordes, incluindo SuperChunk, Archers of Loaf e Polvo. Essas bandas moldaram um movimento regional influenciado pelo punk hardcore e no pós-punk. Naquela época, pontos de venda como a Entertainment Weekly estavam chamando Chapel Hill de “o próximo Seattle”. O filho da puta do SUPERCHUNK também foi destacado pela revista Columbia como um hino definidor da rocha indie dos anos 90 e um símbolo do estereótipo mais preguiçoso.

Enquanto isso, no Reino Unido, a ascensão do Britpop empurrou muitas bandas de rock indie para o fundo. Liderados por Blur, Oasis, Pulp e Suede, Britpop atua inicialmente se posicionou como alternativas subterrâneas - uma resposta ao domínio da cena do grunge americano. Enquanto Britpop devia grande parte de seu estilo ao indie rock e começou como parte dessa linhagem, muitas bandas rejeitaram o espírito anti-establishment do gênero. Em vez disso, eles trouxeram o indie firmemente para o mainstream, com atos como assinatura de Blur e Pulp para grandes rótulos.

Em seu ensaio trabalhando o ponto? A política da Grã -Bretanha em "Nova Grã -Bretanha", Rupa Huq, acadêmica e política, argumentou que Britpop "começou como uma ramificação do cenário musical independente da Grã -Bretanha, mas pode ter acabado de matá -lo, como o indie e o mainstream convergiram - apagando o elemento de protesto que já havia definido a música indie britânica." O jornalista de música John Harris rastreou as origens do Britpop até a primavera de 1992, quando o quarto single Popscene de Blur e o single de Suede, The Drowners, foram lançados quase simultaneamente. "Se Britpop começou em qualquer lugar", ele escreveu, "foi na onda de aclamação que cumprimentou os primeiros singles de Suede: ousado, triunfante e inconfundivelmente britânico". Suede foi a primeira de uma nova onda de bandas orientadas por guitarra adotadas pela imprensa musical do Reino Unido como a resposta da Grã-Bretanha ao grunge de Seattle. Seu álbum de estréia auto-intitulado se tornou a estréia mais rápida da história do Reino Unido na época.

Diversificando o rock indie

O álbum de estréia do Sunny Day Real Estate Diry (1994) ajudou a inaugurar uma nova onda de emo, fundindo os temas emocionais com a estética indie rock. Juntamente com bandas como Piebald, The Promise Ring e Cap'n Jazz, a segunda onda emo se distanciou de suas raízes hardcore, evoluindo para um gênero mais melódico e estruturalmente refinado.

Essa visão mais recente do EMO invadiu o mainstream no início dos anos 2000 com álbuns que vendem platina como Jimmy Eat World's Bleed American (2001) e The Lugares, de The Dashboard Confessional, que você mais teme (2001). Um bolso particularmente influente desse movimento emergiu no Centro -Oeste, onde bandas como o futebol americano misturaram tons de guitarra e os elementos de rock matemático em um som distinto. A crescente popularidade de Emo também ajudou a aumentar a visibilidade de atos "intermediários" como Death Cab para Cutie, Modest Mouse e Karate-bandas que não se encaixavam diretamente em Emo ou Indie, mas prosperaram em algum lugar da sobreposição.

Enquanto isso, o Elephant 6 Collective - com maçãs em estéreo, Beulah, Sistema Circulatório, ELF Power, The Minders, Neutral Milk Hotel e o Olivia Tremor Control - trouxeram um toque psicodélico ao Rock Indie. Em Gimme Indie Rock, o autor Andrew Earles creditou o coletivo - particularmente o Hotel de Milk Neutral, na Ilha de Avery (1996) - com a manutenção de indie artisticamente relevante durante um período em que outros movimentos subterrâneos estavam começando a desaparecer ou se tornarem mainstream.

A indietronica (ou eletrônica indie) emergiu como outro ponto de fusão, misturando estruturas de rocha indie com produção eletrônica - amostradores, sintetizadores, máquinas de bateria e software. Em vez de um gênero específico, a Indietronica descreveu um movimento mais amplo no início dos anos 90 que se baseou em Krautrock, Synth-Pop e tradições experimentais como a oficina radiofônica da BBC. Os atos fundamentais incluíram o Disco Inferno do Reino Unido, o Stereolab e o Space, com a maioria dos artistas ligados a rótulos como Warp, Morr Music, Sub Pop ou Ghostly International.

O Space Rock, outro ramo de indie, inspirou -se em rocha psicodélica, texturas ambientais e os estilos cósmicos de Pink Floyd e Hawkwind. Começando com os espaciais 3 nos anos 80, o estilo se expandiu através de bandas como ataque de pires espiritualizados e voadores, Godspeed You! Imperador Negro e Quickspace, combinando drones, atmosfera e estrutura indie.
Enquanto Britpop desapareceu no final dos anos 90, o pós-brittop esculpiu seu próprio espaço no rock indie do Reino Unido. Por volta de 1997, a desilusão com a Cool Britannia cresceu e as bandas começaram a se distanciar do rótulo Britpop - mesmo quando mantinham conexões estilísticas. Com o Britpop em declínio, novas bandas ganharam reconhecimento mais amplo e crítico. Os hinos urbanos da verve (1997) foram um sucesso global e marcaram seu pico comercial antes de se dividir em 1999. Enquanto isso, o Radiohead teve um sucesso modesto com as curvas (1995), mas rompeu com Ok Computer (1997), seguido pelo Kid Affiing A (2000) e Amnesiac (2001), vencedor do aclamado.

A estereofônica misturou influências pós-grunge e hardcore em álbuns como o Word Getsing (1997) e Performance and Cocktails (1999), antes de mudar para mais composições melódicas em educação suficiente para executar (2001) e lançamentos posteriores.

O alimentador, originalmente enraizado no pós-grunge americano, encontrou um som mais pesado e mais amigável ao rádio em seu solteiro Buck Rogers e o álbum Echo Park (2001). Após a morte do baterista Jon Lee, a banda se moveu em uma direção mais introspectiva com conforto em Sound (2002), que se tornou o lançamento de rock indie de maior sucesso comercial, gerando uma série de singles de sucesso.

A banda de rock indie mais dominante comercial do novo milênio foi o Coldplay, cujos dois primeiros álbuns-Parachutes (2000) e uma corrida de sangue para a cabeça (2002)-foram multi-platina, consolidando seu lugar como os superestars globais, desde o mais de 2005, o mais de 2005, o que se tornou o mais de 2005, o que se tornou o mais de 2005.

A ascensão convencional da rocha indie: os anos 2000

O renascimento do rock pós-punk e garagem

O aumento de Indie Rock nos holofotes nos anos 2000 começou com os golpes e seu álbum de estréia de 2001 é este. Canalizando o espírito das bandas dos anos 60 e 70, como o Velvet Underground e os Ramones, a banda pretendia soar, em suas próprias palavras, como "um grupo do passado que viajou para o futuro para fazer um disco". Enquanto o álbum chegou ao número 33 nos EUA, ele ficou nas paradas por dois anos e estreou em segundo lugar no Reino Unido. Na época, a rocha convencional era dominada por pós-grunge, nu-metal e rap-rock, fazendo com que o reavivamento cru e de rocha de garagem dos golpes pareça um contraste agudo-e uma lufada de ar fresco.

O sucesso da banda ajudou a destacar outros atos de Nova York com influências antigas, incluindo Yeah Yeah Yeahs, Interpol e TV no rádio. Essa onda inspirada na garagem também incluía as listras brancas, as videiras e as colméias, que foram rapidamente apelidadas de "as" as bandas pela mídia. Rolling Stone capturou o momento com sua capa de setembro de 2002 declarando: "Rock está de volta!"

O momento dos golpes também provocou um renascimento no desbotamento do subsolo do Reino Unido. Inspirado pelo som, uma onda de bandas britânicas começou a refazer sua abordagem. Os primeiros destaques incluíram Franz Ferdinand, Kasabian, Maximo Park, The Cribs, Bloc Party, Kaiser Chiefs e os outros. Mas os Libertines, formados em 1997, foram vistos como a resposta direta do Reino Unido aos golpes. Allmusic os descreveu como "uma das bandas britânicas mais influentes do século XXI", enquanto o independente observou: "Os Libertines se propuseram a ser uma importante banda de rock indie, mas não poderia ter previsto o quanto eles moldariam a cena".

As influências de mistura do Clash, The Kinks, The Smiths e The Jam, os Libertines criaram um som de guitarras e letra de letra sobre a vida britânica, cantada com sotaques ingleses inconfundivelmente. Seu estilo se espalhou rapidamente para bandas como The Fratellis, The Kooks e The View, que encontraram grande sucesso comercial. Mas nenhum grupo teve um impacto maior do que os macacos árticos de Sheffield - uma das primeiras bandas a aproveitar o poder das mídias sociais para construir uma base de fãs. Sua estréia em 2006, o que as pessoas dizem, eu sou, é isso que eu não me tornei o álbum de estréia que mais se vende na história das paradas do Reino Unido, seguindo dois singles número 1.

Essa onda de popularidade ajudou a inaugurar os atos tradicionalmente subterrâneos no mainstream. As boas notícias do Modest Mouse para pessoas que amam más notícias (2004) invadiram o Top 40 dos EUA e obtiveram uma indicação ao Grammy. O Bright Eyes pousou dois singles número 1 na parada de vendas da Billboard Hot 100 em 2004. Death Cab for Cutie's Planos (2005) estreou em 4º lugar nos EUA, ficou na parada da Billboard por quase um ano, ficou platina e também ganhou um aceno de Grammy. Com "Indie" de repente em todos os lugares - da música à moda e cinema - alguns críticos começaram a argumentar que o termo havia perdido seu significado completamente.

Enquanto isso, os EUA viram uma segunda onda de bandas indie alcançando o reconhecimento global. Grupos como The Black Keys, Kings of Leon, The Shins, The Bravery, Spoon, Hold Standy e The National encontraram sucesso crítico e comercial. A maior fuga do grupo foi os assassinos, formados em Las Vegas em 2001. Depois de ouvir isso, eles descartaram grande parte do seu material inicial e o reescreveram com a influência dos traços em mente.

Seu single de estréia, Sr. Brighside, tornou -se um fenômeno. Em abril de 2021, a faixa passou 260 semanas (cinco anos) na parada de singles do Reino Unido - mais do que qualquer outra música. Em 2017, apareceu no Gráfico 11 dos 13 anos anteriores, incluindo uma corrida de 35 semanas que atingiu o número 49 durante 2016-2017. Até o final de 2018, era a música de rock indie mais transmitida na história do Reino Unido e ainda estava sendo baixada centenas de vezes por semana até 2017. Em março de 2018, o Sr. Brightside atingiu outro marco: 200 semanas cumulativas nos 100 melhores do Reino Unido.

A disseminação da rocha indie e a ascensão do aterro indie

O sucesso de bandas como The Strokes, The Libertines e Bloc Party provocou uma onda de interesse dos principais rótulos do cenário do rock indie - uma tendência que apenas se intensificou a seguir os Monkeys do Ártico. Nos anos após o lançamento de tudo o que as pessoas dizem, é isso que não sou, uma enxurrada de novas bandas surgiu, incluindo os rifles, os detetives de pombo e Milburn. Muitos desses atos ofereceram uma abordagem mais fórmula e diluída do som de seus antecessores.

No final da década, os críticos começaram a se referir a essa onda como "Indie do aterro" - um termo cunhado por Andrew Harrison, da Word Magazine, para descrever o excesso de bandas de guitarra indistinguíveis que inundam o mainstream. Em um artigo de Vice de 2020, o vocalista da Razorlight, Johnny Borrell, foi apelidado de "o único homem que definiu, incorporou e vivia o aterro de aterros sanitários". Apesar de escovar a energia bruta e o caos mítico de amor de ódio dos Libertines, a Razorlight foi vista como emblemática de uma banda que incorporava a superfície, mas não a alma, do movimento-"impressionantemente médio", como a peça disse.
Em uma coluna Guardian de 2009, o jornalista Peter Robinson declarou oficialmente a era indie do aterro de aterros mortos. Ele destacou os Wombats, olhando para meninas, e Joe Lean e o Jing Jang Jong como as unhas finais no caixão. "Se o aterro de aterros fosse um jogo de buckaroo", escreveu ele, "esses três teriam enviado toda a bunda de monotonia amigável ao rádio voando no céu".

A indie de aterro se tornou um símbolo de como a rocha indie, uma vez uma alternativa rebelde ao mainstream, havia se saturado, comodificado e despojado de sua borda.

Sucesso contínuo do Indie Rock: 2010 até os dias atuais

O sucesso comercial do Indie Rock levou até os anos 2010, com grandes lançamentos como os subúrbios de Arcade Fire (2010), The Black Keys 'Turn Blue (2014), Kings of Leon's Walls (2016) e The Killers' Wonderful (2017), que liderou o Billboard 200 nos EUA e o gráfico oficial do álbum no Reino Unido. Os subúrbios levaram para casa o Grammy para o álbum do ano em 2011. Outros artistas independentes - Florence e The Machine, The Decemberists e LCD SoundSystem - conseguiram singles número 1 nos EUA durante a década, enquanto bandas como Vampire Weekend, Bon Iver, Death Cab para Cutie, The Postal Service e Arctic Monkyys alcançaram o placar.

O terceiro álbum do Vampire Weekend Modern Vampires of the City (2013) venceu o Grammy de Melhor Álbum de Música Alternativa em 2014 e, em 2019, o escritor de conseqüência Tyler Clark o descreveu como ainda "carregando a faixa de rock indie no mundo da música mais ampla". O Arctic Monkeys 'AM (2013) se tornou um dos maiores álbuns de rock indie da década-estreando em primeiro lugar no Reino Unido, vendendo 157.329 cópias em sua primeira semana e se tornando o segundo álbum mais rápido do ano. Com a AM, a banda se tornou o primeiro ato de uma gravadora independente a estrear no número 1 no Reino Unido com seus cinco primeiros álbuns. Em junho de 2019, a AM passou 300 semanas na parada de álbuns do Reino Unido, o Top 100. O álbum também chegou ao primeiro lugar na Austrália, Bélgica (Flanders), Croácia, Eslovênia, Dinamarca, Irlanda, Holanda, Nova Zelândia e Portugal, e entrou no top 10 em vários outros países.

Nos EUA, a AM vendeu 42.000 cópias em sua primeira semana e estreou em 6º lugar na Billboard 200, tornando-se o lançamento mais alto dos Monkeys do Ártico nos Estados Unidos. Em agosto de 2017, o álbum foi certificado Platinum pela RIAA, com mais de 1 milhão de unidades equivalentes vendidas nos EUA em 14 de abril de 2023, todas as faixas do álbum foram certificadas em prata ou superior pelo BPI, com "Mad Sounds" sendo o último a alcançar esse marco.

Arcade Fire

No início de 2010, o 1975 começou a fundir o rock indie com sensibilidades pop - um movimento que inicialmente polarizou os críticos. Eles foram nomeados "Pior Band" no NME Awards de 2014, mas em 2017, eles levaram para casa o prêmio de "Melhor Banda ao Live". Yasmine Summan, da Alternative Press, escreveu que, se 2013 e 2014 pudessem ser resumidos em um único álbum para fãs de música indie e alt, seria a estréia auto-intitulada de 1975. No The Guardian, o jornalista Mark Beaumont creditou a banda com "Ushering Indie Rock Into the Mainstream", comparando a influência do vocalista Matty Healy com a de Pete Doherty, dos Libertines. A Pitchfork também listou o 1975 como um dos atos mais influentes da música desde 1995.

O sucesso da banda ajudou a despertar uma onda de Atos Indie Pop de estilo semelhante, um movimento que alguns críticos chamaram de "Healywave". Os nomes notáveis ​​incluíam ondas pálidas, os ases, Joan, amigos inconstantes e nenhum Roma. Entre eles, as ondas pálidas se destacaram comercialmente. A estréia deles, minha mente faz com que ruídos traçados no 8º lugar no Reino Unido, quem sou eu? (2021) Hit nº 3 e indesejados (2022) atingiram o número 4.

Na mesma época, Wolf Alice emergiu como uma força importante na cena. O segundo álbum Visions of a Life (2017) ganhou o prestigioso Prêmio Mercury em 2018, e seu terceiro fim de semana azul (2021), foi indicado. Escrevendo para Dork em 2021, Martin Young observou: "É impossível exagerar a importância de Wolf Alice. Eles foram o catalisador atrás de quase todas as bandas brilhantes que você leu em Dork nos últimos cinco anos".

Icônicos álbuns e músicas do rock indie

Quando o Buzzcocks lançou Spiral Scratch em 1977, tornou -se o primeiro álbum indie no sentido moderno. Inicialmente pressionado em uma corrida modesta de apenas 1.000 cópias, a banda e a indústria ficaram chocadas quando a demanda os forçou a imprimir mais 15.000. O sucesso do EP marcou o início de uma comunidade crescente de artistas comprometidos com a independência do sistema de rótulos principais.

Outro álbum indie marcado foi o Pearl Jam's Ten. Embora mais comumente associado ao grunge, Ten desempenhou um papel importante na definição do som da cena de Seattle dos anos 90 e ajudou a trazer o termo "grunge" para uso popular. Como muitos lançamentos indie e alternativos da época, o álbum foi inicialmente lento para ganhar tração, levando cerca de um ano para invadir as paradas da Billboard.

Liricamente, o Indie Rock sempre se inclinou para contar histórias - muitas vezes profundamente pessoal e emocionalmente ressonante.
O Nirvana's cheira como o espírito adolescente capturou a angústia e a confusão da juventude sob pressão.

O Weezer diz que não é tão contado a história de uma família fraturada por álcool, inspirada na infância do vocalista Rivers Cuomo.
O Sr. Brightside dos assassinos pintou uma imagem vívida de ciúme e desgosto - um homem assombrado pelo pensamento de perder o que ele ama para outra pessoa.

Essas músicas, com sua emoção crua e experimentação sonora, ajudaram a moldar o núcleo do Rock Indie e continuar a inspirar novas gerações de músicos.

O futuro da rocha indie

À medida que a música independente se torna mais acessível e mainstream, muitos acreditam que o futuro da indústria da música pode estar nas mãos de artistas independentes. Com menos porteiros, os músicos independentes são livres para ultrapassar os limites, explorar novos sons e desenvolver suas próprias identidades em seus próprios termos.

A nova onda de artistas de hoje é frequentemente descrita como fluida de gênero-desfocando as linhas entre rocha, pop, hip-hop e muito mais. Artistas como Dominic Fike e Declan McKenna representam essa mudança, criando música que desafia a classificação fácil. À medida que a indústria da música e seus ouvintes se tornam mais diversos e de mente aberta, o rock indie-em todas as suas formas em evolução-está pronto para continuar crescendo, moldando e redefinindo o que a música moderna pode ser.