INDIE ROCK là gì

Indie Rock lần đầu tiên hình thành vào đầu những năm 1980 trên khắp Vương quốc Anh, Mỹ và New Zealand. Vào thời điểm đó, thuật ngữ này được đề cập đến âm nhạc được phát hành bởi các nhãn độc lập, nhưng nó đã sớm đại diện cho một thẩm mỹ rộng hơn - thô, thử nghiệm và được điều khiển bởi tầm nhìn hơn là các công thức thương mại.

Một trong những nền tảng sớm nhất của thể loại này là âm thanh của Dun Dunedin từ New Zealand, với các ban nhạc như The ớn lạnh và Sạch. Ở Mỹ, các đài phát thanh đại học là công cụ quảng bá cho các nghệ sĩ như Smiths và REM, mang đến thời gian phát sóng cho âm nhạc cảm thấy bên ngoài dòng chính. Vào giữa thập niên 80, Indie Rock đã bắt đầu hình thành như cảnh riêng của nó, được thúc đẩy bởi bản tổng hợp NME C86 của Vương quốc Anh và sự gia tăng ngầm của các ban nhạc như Sonic Youth và Dinosaur Jr. ở Hoa Kỳ.

Những năm 90 đã mang đến một làn sóng các thể loại con mới:

• Slowcore , với nhịp độ ủ rũ, rút ​​ra của nó;
• Emo Trung Tây , được biết đến với lời bài hát chân thành;
• Slacker Rock , được đánh dấu bằng việc giao hàng thoải mái và thẩm mỹ lo-fi;
• Shoegaze , được định nghĩa bằng cách sử dụng nặng các hiệu ứng guitar và giọng hát nội tâm.

Khi Grunge và Britpop có được động lực, dòng chính bắt đầu đồng chọn âm thanh độc lập. Các nhãn hiệu lớn dựa vào hình ảnh indie của người Hồi giáo như một công cụ tiếp thị, tạo ra một sự chia rẽ: một số ban nhạc dựa vào sự tiếp xúc, những người khác đã nhân đôi khi tránh khỏi radar.

Vào những năm 2000, Indie Rock đã thực hiện một bước nhảy vọt khác. Các hành động như những nét vẽ, Libertines, khỉ Bắc Cực và những kẻ giết người đã mang đến một năng lượng hồi sinh sau punk kết nối với một thế hệ mới. Sự bùng nổ đó đã dẫn đến một sự bùng nổ của các ban nhạc nghe tương tự-một làn sóng báo chí Vương quốc Anh sau đó được đặt tên là Bãi rác Indie.

Tuy nhiên, thông qua tất cả các ca làm việc, Indie Rock vẫn đúng với nguồn gốc của nó - tập trung vào tự do sáng tạo, một tinh thần DIY và bản năng để thách thức chuẩn mực.

Điều gì tạo nên một bài hát indie: âm thanh, tinh thần và phong cách

Thuật ngữ Indie Indie lần đầu tiên xuất hiện vào cuối những năm 1970 tại Manchester, khi ban nhạc Buzzcocks phát hành vết xước xoắn ốc EP của họ mà không cần sự trợ giúp của một nhãn hiệu lớn. Khoảnh khắc đó đánh dấu sự khởi đầu của một loại độc lập âm nhạc mới.

Indie không chỉ là người phát hành âm nhạc - đó là về kiểm soát sáng tạo. Các nghệ sĩ quản lý ghi âm, định hướng và âm thanh của riêng họ mà không áp lực từ những người chơi lớn trong ngành. Sự tự do này dẫn đến âm nhạc tách ra khỏi các công thức và cảm thấy cá nhân và độc đáo hơn.

Về mặt phong cách, indie kéo từ khắp nơi: punk, grunge, pop, hip-hop, thậm chí là psych rock. Đó là cách bạn có được các ban nhạc như The White Stripes, pha trộn Rock Garage Rock với Blues, hoặc Young The Giant, người pha trộn các móc hấp dẫn với kết cấu guitar nhiều lớp.

Các sọc trắng

Trẻ người khổng lồ

Ngay cả với tất cả sự đa dạng này, âm nhạc độc lập vẫn mang một năng lượng dễ nhận biết. Đó là thô, thật trung thực, và nó được điều khiển bởi tầm nhìn của nghệ sĩ - không phải bởi xu hướng hoặc bảng xếp hạng thương mại.

Xác định các đặc điểm của nhạc rock indie: âm thanh, tầm nhìn và độ tương phản

Indie Rock không chỉ là một thể loại - đó là một suy nghĩ, một cách tạo ra và chia sẻ âm nhạc. Từ ngữ Indie Indie xuất phát từ độc lập và ban đầu được gọi là các nghệ sĩ và ban nhạc phát hành nhạc trên các nhãn hiệu ngân sách nhỏ, thấp. Ngay cả khi phân phối liên quan đến các công ty lớn, các nghệ sĩ này nhằm mục đích bảo tồn kiểm soát sáng tạo và tránh được điều khiển bởi các xu hướng của ngành.

Sự độc lập đó đã mở ra cánh cửa để thử nghiệm - với âm thanh, chủ đề và cảm xúc - thường bị loại bỏ so với những gì âm nhạc chính thống đã cung cấp. Indie Rock luôn được rút ra từ nhiều ảnh hưởng khác nhau:

• Punk và post-punk (buzzcocks, dây, tivi);
• Những năm 60 psychedelia và Rock Garage (Velvet Underground, The Doors);
• Nghệ thuật Rock và Lo-Fi thẩm mỹ;
• chạm vào đất nước và dân gian.

Theo Allmusic, Indie Rock bao gồm các nghệ sĩ có cách tiếp cận âm nhạc thường đụng độ với thị hiếu chính thống. Nó kéo dài tất cả mọi thứ, từ grunge nặng guitar đến punk dân gian và đá tiên phong. Những gì kết nối tất cả không phải là phong cách - đó là một ổ đĩa chung cho tự chủ và độc đáo.

Trong cuốn sách của mình, Brent Luvaas nêu bật cách mà Indie Rock bắt nguồn từ nỗi nhớ - vì âm thanh của thập niên 60, vì một tinh thần DIY, và cho lời bài hát thường mang chiều sâu văn học. Ảnh hưởng đó có thể được nghe thấy trong các ban nhạc như Smiths và The Stone Roses, những người nhấn mạnh cả bầu không khí và cách kể chuyện.

Nhà âm nhạc học Matthew Bannister đã từng mô tả thể loại này là những nhóm nhỏ của những người da trắng với guitar, bản vẽ từ nhạc punk và nhạc rock thập niên 60, nhưng cố tình xa cách với các chuẩn mực thương mại. Nhà nhân chủng học Wendy Fonarow đã xác định hai tư duy độc lập chính:

• Người theo chủ nghĩa thuần túy của người Viking - ủng hộ chủ nghĩa tối giản, thô thiển và sự trung thực về tình cảm;
• Những người lãng mạn của người Viking - biểu cảm hơn, lập dị và táo bạo về mặt phong cách.

Sự chia rẽ này đặc biệt có thể nhìn thấy trong những năm 1990. Các ban nhạc Anh nghiêng về hiệu suất và sự tinh tế thẩm mỹ, trong khi nhiều hành động của Mỹ chấp nhận một âm thanh lo-fi, chưa được đánh bóng như một dấu hiệu của tính xác thực.

Indie Rock cũng mở thêm không gian cho phụ nữ. Phong trào Riot Grrrl, được dẫn dắt bởi các ban nhạc như Bikini Kill, Bratmobile và Team Dresch, đã thách thức các chuẩn mực không chỉ bằng cách lên sân khấu, mà bằng cách định hình các ý tưởng đằng sau âm nhạc. Tuy nhiên, như Courtney Harding lưu ý, sự bình đẳng tương tự đã không mở rộng cho lãnh đạo - phụ nữ điều hành nhãn hiệu độc lập vẫn là thiểu số ngay cả ngày nay.

Bikini giết

Indie Rock bao gồm một loạt các phong cách-từ pop indie do synth điều khiển đến các ảnh hưởng sau punk và thậm chí cả hip-hop-nhưng hầu hết các ban nhạc indie đều chia sẻ một vài giá trị cốt lõi trong cách họ tiếp cận âm nhạc.

• DIY ethos . Hầu hết các nghệ sĩ độc lập hoạt động bên ngoài sự hỗ trợ tài chính của các nhãn hiệu lớn. Họ trả tiền cho thời gian phòng thu ra khỏi túi hoặc ghi ở nhà với bất kỳ thiết bị nào họ có. Cách tiếp cận thực hành này giữ cho quá trình độc lập hoàn toàn-từ bản demo đầu tiên đến bản phát hành cuối cùng;
• Lo-fi thẩm mỹ . Trước khi các phần mềm như Pro Tools và Logic trở nên có thể truy cập rộng rãi, các nhạc sĩ Indie thường không thể mua các hãng phim chuyên nghiệp. Điều đó đã tạo ra một âm thanh lo-fi dễ nhận biết-guitar gritty, tiếng ồn nền và kết thúc thô có chủ ý. Thậm chí ngày nay, một số nghệ sĩ bám sát kết cấu đó có chủ đích, sử dụng sự không hoàn hảo như một phần của bản sắc nghệ thuật của họ;
• Bài hát trong nhà . Không giống như nhạc pop hay hip-hop chính thống, nơi các bài hát thường được xây dựng bởi các nhóm nhà sản xuất và nhà văn, nhạc độc lập thường được viết bởi chính các nghệ sĩ. Điều đó có thể có nghĩa là các ca sĩ kiêm nhạc sĩ độc tấu như Phoebe Bridgers, hoặc các ban nhạc đầy đủ như Fugazi hoặc Sleater-Kinney, nơi sáng tác bài hát là một nỗ lực nhóm-không gia công cho các chuyên gia;
• Tính xác thực trên flash . Indie Rock không phải là về việc băm nhỏ solo hay nhào lộn bằng giọng nói. Nó dựa vào những màn trình diễn trung thực, con người. Nhiều ban nhạc độc lập có thể dễ dàng tái tạo âm thanh được ghi âm của họ trực tiếp mà không cần một nhóm nhạc sĩ studio sao lưu - và việc giao hàng thô, không được lọc chính xác là những gì người hâm mộ kết nối. Nó ít hơn về sự hoàn hảo và nhiều hơn về cảm xúc thực sự.

Khung cảnh nhạc rock indie bắt đầu như thế nào: Từ Buzzcocks đến âm thanh Dunedin

Bộ phim tài liệu của BBC Music for Misfits: The Story of Indie ghi nhận nguồn gốc của thuật ngữ Ind Indie, cho đến bản phát hành của Spiral Scratch, một EP tự tài trợ bởi ban nhạc punk Buzzcocks của Manchester, được phát hành thông qua nhãn hiệu hormone mới của riêng họ. Động thái này đã làm dấy lên một làn sóng hoạt động DIY - các ban nhạc bắt đầu ghi âm, in ấn và phân phối âm nhạc của riêng họ. Các nhóm như bản đồ Swell, cấp độ 'O', tính cách truyền hình và xe đạp tuyệt vọng sớm theo sau.

BuzzCocks

Phân phối phát triển với sự giúp đỡ của cartel, một mạng lưới các nhà phân phối nhỏ như Red Rhino và Rough Trade Records, giúp đưa các bản phát hành độc lập vào các cửa hàng băng đĩa trên khắp Vương quốc Anh. Cơ sở hạ tầng này đã mang đến cho âm nhạc độc lập một sự hiện diện vật lý trong các cửa hàng, cho phép nó cạnh tranh với các bản phát hành nhãn chính.

Các nhãn hiệu độc lập cũng đang tạo ra sóng bên ngoài Vương quốc Anh. Tại Mỹ, Beserkley Records đã phát hành album đầu tay của The Modern Lovers, và Stiff Records đã đưa ra Rose mới của The Damned, được coi là đĩa đơn Punk đầu tiên của Anh. Ở Úc, The Saints được phát hành (tôi) bị mắc kẹt thông qua nhãn hiệu Fatal Records của riêng họ, tiếp theo là Go-Betweens, người đã ra mắt với đĩa đơn Lee Remick độc lập.

Một chương quan trọng trong sự phát triển của Indie đã mở ra ở Dunedin, New Zealand. Vào đầu những năm 80, Flying Nun Records được thành lập, trở thành nhà của một thế hệ nghệ sĩ đã tạo ra những gì được gọi là âm thanh Dunedin. Theo Audiocult, một trong những ban nhạc sớm nhất trong cảnh này là kẻ thù, được thành lập bởi Chris Knox và Alek Bathgate. Mặc dù ngắn ngủi, ban nhạc đã để lại ấn tượng lâu dài với các nhạc sĩ trẻ như Shayne Carter, người đã tiếp tục tạo thành Doublehappys và Straitjacket phù hợp.

Sau khi kẻ thù chia tay, Knox tiếp tục hình thành Toy Love, và sau đó là những người lùn cao, một trong những hành động đầu tiên nắm lấy ghi âm tại nhà và thẩm mỹ lo-fi-các yếu tố chính trong những gì sẽ trở thành âm thanh độc lập.

Âm thanh Dunedin được đánh dấu bằng guitar jangly, giọng hát dịu dàng và một sự rung cảm u uất. Nó đã nhận được sự công nhận rộng hơn thông qua Single Single Single năm 1981 của Clean! và bộ tổng hợp năm 1982 Dunedin Double, trong đó có sự ớn lạnh, cảm giác lén lút, verlaines và đá. Phong cách sớm lan rộng ra ngoài Dunedin đến các thành phố như Christchurch và Auckland, giúp hình thành nhạc rock indie như một phong trào văn hóa khác biệt.

Trong khi đó, ở Mỹ, các đài phát thanh đại học trở nên quan trọng đối với âm nhạc độc lập mới nổi vào những năm 1980. Họ đã phát sóng nhạc rock thay thế, hậu punk, hậu-Hardcore và New Wave-nghe hiếm khi được nghe trên đài phát thanh thương mại. Các ban nhạc này được gọi chung là College Rock, một thuật ngữ gắn liền với nền tảng hơn bất kỳ thể loại nào.

Các nghệ sĩ như REM và Smiths đặc biệt có ảnh hưởng. Nhà âm nhạc học Matthew Bannister coi họ là một trong những ban nhạc độc lập thực sự đầu tiên. Ảnh hưởng của họ có thể được nghe thấy trong các nhóm như Let Active, Housemartins và LA. Trong khoảng thời gian này, thuật ngữ nhạc rock indie rock bắt đầu áp dụng không chỉ cho các nhãn hiệu mà còn cho các nghệ sĩ phát hành âm nhạc một cách độc lập.

Nhà báo Steve Taylor cũng chỉ ra cảnh ngầm Paisley như một phần đầu của câu chuyện độc lập. Thể loại này phát triển tối hơn và khí quyển hơn trong tay các nghệ sĩ như The Jesus và Mary Chain và Jean-Paul Sartre, cả hai đều gắn liền với nữ tu bay.

Cuối cùng, sau khi các nỗ lực vận động hành lang của NPR đã dẫn đến việc giảm số lượng các đài phát thanh đại học, thuật ngữ College College Rock Rock bắt đầu mờ dần. Ở vị trí của nó, một nhãn hiệu linh hoạt và lâu dài hơn đã nắm giữ-Indie-sẽ tiếp tục xác định một thế hệ âm nhạc ưu tiên sáng tạo, độc lập và tự định hướng.

Chuỗi Chúa Giêsu và Mary

Sự phát triển của Indie Rock: Từ C86 đến Grebo và Shoegaze

Ở Anh, một bước ngoặt quan trọng cho cảnh độc lập đi kèm với việc phát hành C86, một băng cassette tổng hợp được NME kết hợp vào năm 1986. Sau đó, nhà phê bình Bob Stanley gọi nó là sự khởi đầu của âm nhạc độc lập. Thuật ngữ C86 nhanh chóng phát triển vượt ra ngoài chính băng cassette, trở thành tốc ký cho toàn bộ làn sóng các ban nhạc với âm thanh đầy gió, lo-fi-thường được dán nhãn pop anorak hoặc indie giả. Trong khi một số hành vi như súp rồng, Primal Scream và The Wedding hiện tại đã tìm thấy biểu đồ thành công, nhiều người khác đã mờ dần.

Ở Mỹ, sự trỗi dậy của REM đã đưa ra một giải pháp thay thế cho cường độ của Hardcore, mở ra cánh cửa cho các nhạc sĩ mới-đặc biệt là những người sẽ tiếp tục định hình cảnh hậu hardcore, như Minutemen. Các nhãn hiệu lớn đã chú ý và các ban nhạc được ký kết ngắn gọn như Hüsker Dü và các thay thế, mặc dù các bản phát hành của họ không phù hợp với hiệu suất thương mại của REM. Tuy nhiên, ảnh hưởng của họ là lâu dài. Vào cuối những năm 80, các hành động như Sonic Youth, Dinosaur Jr., và tình trạng bất ổn đã phát hành âm nhạc thông qua các nhãn hiệu độc lập, và đến cuối thập kỷ, thanh niên Sonic và Pixies đã ký hợp đồng với chính các chuyên ngành.

Trong khoảng thời gian này, Shoegaze nổi lên như một tiểu thể của Indie Rock, mở rộng trên bức tường của âm thanh phong cách âm thanh được tiên phong bởi chuỗi Jesus và Mary. Shoegaze hợp nhất kết cấu đó với các yếu tố từ Dinosaur Jr. và Cocteau Twins, tạo ra một bầu không khí tối tăm, mơ hồ nơi các nhạc cụ thường bị mờ cùng nhau. Valentine đẫm máu của tôi là những người tiên phong đầu tiên với EPS và lần đầu tiên của họ không phải là bất cứ điều gì, truyền cảm hứng cho một làn sóng ban nhạc mới từ London và Thung lũng Thames như Chương, Moose và Lush. Năm 1990, Steve Sutherland của Melody Maker nổi tiếng được gọi là cảnh này là cảnh tượng tôn vinh chính nó.

Trong khi đó, Madchester nổi lên như một sự kết hợp của nhạc rock indie theo phong cách C86, nhạc khiêu vũ và văn hóa cuồng nhiệt, với việc sử dụng rất nhiều ảo giác. Có trụ sở tại Manchester và tập trung vào hộp đêm Haçienda - được ra mắt vào năm 1982 bởi Factory Records - phong trào đã thu hút năng lượng từ các hành vi như New Order, Cabaret Voltaire và Smiths. Đến năm 1989, sự ra mắt của Happy Mondays và The Stone Roses đã xác định cảnh này. Các hành động như các charlatans, 808 State và Inspiral Thảm sớm theo sau.

Âm thanh Madchester-một sự pha trộn của indie và những nhịp điệu có thể nhảy được guitar-được biết đến với cái tên Indie Dance, hay cụ thể hơn là phụ đề rộng thùng thình. Một trong những khoảnh khắc xác định của phong trào là buổi hòa nhạc Spike Island của Stone Roses vào ngày 27 tháng 5 năm 1990. Với 28.000 người hâm mộ và thời gian chạy 12 giờ, đây là sự kiện lớn đầu tiên được tổ chức bởi một ban nhạc độc lập.

Đồng thời, một cảnh riêng biệt đang phát triển ở Stourbridge, được gọi là Grebo. Các ban nhạc pha trộn các ảnh hưởng punk, điện tử, dân gian và thậm chí cả hip-hop, tạo ra một âm thanh nặng hơn, bẩn hơn. Được dẫn dắt bởi Pop sẽ tự ăn, những thứ tuyệt vời và thùng rác nguyên tử của Ned, phong trào không phải là một thể loại như một khoảnh khắc văn hóa địa phương. Đĩa đơn của họ được xếp hạng - khôn ngoan! Sucker và bạn có thể đào nó không? Bởi Pop sẽ tự ăn cả hai trong top 40 của Vương quốc Anh - và Stourbridge nhanh chóng trở thành một địa điểm hành hương cho người hâm mộ độc lập.

Từ năm 1989 đến 1993, các album Cornerstone của The Grebo Scene đã giảm: Hup và Never Love Elvis từ The Wonder Stuff; Thần thức ăn gia súc và bạn có bình thường không? từ thùng rác nguyên tử của Ned; Và Pop sẽ tự ăn, đây là ngày, đây là giờ đây là đây! và vẻ ngoài hay lối sống ?. Các ban nhạc này đã trở thành các nhà điều hành lễ hội tại Reading, đã bán được hàng triệu bản thu âm và tạo ra các bản cover của NME và Melody Maker.

Điều khiến Grebo khác biệt không chỉ là những ảnh hưởng chiết trung của nó mà còn từ chối sự rung cảm được đánh bóng hoặc u sầu đã định nghĩa phần lớn nhạc rock indie. Nó chấp nhận sự biến dạng, vênh vang, và một cạnh khó khăn hơn. Các ban nhạc tương tự từ Leicester gần đó - Bomb Party, Gaye Bykers trên Acid, Crazyhead, Hunters Club và Scum Pups - đã sớm trở thành một phần của phong trào, củng cố vị trí ngắn ngủi nhưng ồn ào của Grebo trong lịch sử độc lập.

Sự phân chia chính thống so với dưới lòng đất trong INDIE ROCK: Những năm 1990

Đầu những năm 1990, cảnh grunge của Seattle đã bùng nổ vào dòng chính. Các ban nhạc như Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden và Alice in Chains trở thành tên hộ gia đình, với thành công đột phá của Nirvana thu hút sự chú ý lớn đến Indie Rock. Kết quả là, thuật ngữ nhạc rock indie bắt đầu nhường chỗ cho đá thay thế - một nhãn hiệu, theo thời gian, đã mất đi ý nghĩa phản văn hóa ban đầu của nó. Những gì đã từng được liên kết với độc lập và tình trạng bên ngoài đã trở thành tốc ký cho một phiên bản nhạc rock được điều khiển bằng guitar có thể thương mại hơn về mặt thương mại, hiện đang đứng đầu các bảng xếp hạng.

Carl Swanson, viết cho tạp chí New York, lập luận rằng ngay cả thuật ngữ bán hàng cũng bắt đầu mất ý nghĩa trong bối cảnh mới này, vì Grunge đã chứng minh rằng ngay cả những phong trào thích hợp hoặc triệt để nhất cũng có thể bị hấp thụ bởi dòng chính. Những gì nổi lên là một nền văn hóa cá nhân bị rạn nứt, vẫn hoạt động dưới ảnh hưởng của các nhãn hiệu và phương tiện truyền thông lớn.

Học giả truyền thông Roy Shuker, trong cuốn sách Music nổi tiếng của mình: Các khái niệm chính, lưu ý rằng về cơ bản, Grunge đã trở thành phiên bản chính của thẩm mỹ nhạc rock độc lập Bắc Mỹ của thập niên 80. Ông cho rằng, việc trở thành độc lập của người Viking, đã trở thành một công cụ tiếp thị giống như bất kỳ đặc điểm âm thanh nào có thể nhận ra. Sự thay đổi này đã gây ra một sự phân chia rõ ràng trong thế giới nhạc rock độc lập: một số ban nhạc dựa vào khả năng tiếp cận của đài phát thanh đá thay thế, trong khi những người khác tăng gấp đôi khi thử nghiệm và vẫn vững chắc dưới lòng đất. Theo Allmusic, chính trong giai đoạn này, Indie Rock trở nên được xác định hẹp hơn - đề cập cụ thể đến các hành vi ngầm, trong khi các đồng nghiệp thành công hơn về mặt thương mại của họ được đổi tên thay thế.

Một trong những phản ứng âm nhạc rõ ràng nhất đối với sự thay đổi này là Slowcore, phát triển ở Mỹ như một sự tương phản trực tiếp với sự thống trị đang trỗi dậy của Grunge. Mặc dù ranh giới của Slowcore bị mờ, nó thường có nhịp độ chậm, nhạc cụ thưa thớt và lời bài hát u sầu. Galaxie 500 - đặc biệt là album năm 1989 của họ trên Fire - đã có tác động rất lớn đến thể loại này. Như Robert Rubsam đã viết cho Bandcamp Daily, họ là điểm xuất phát cho tất cả mọi thứ sau đó. Làn sóng đầu tiên của các ban nhạc Slowcore bao gồm các họa sĩ nhà màu đỏ, codein, đầu giường, IDA và thấp. Thể loại này không gắn liền với bất kỳ một thành phố hay cảnh nào, và nhiều nghệ sĩ của nó đã phát triển trong sự cô lập tương đối với nhau.

Khoảng năm 1991, một nhánh nhỏ hơn, khó khăn hơn của phong trào Grebo bắt đầu xuất hiện. Các ban nhạc này được dán nhãn Fraggle-một cái tên được áp dụng phần nào lưỡi cho các nhóm thu hút rất nhiều từ punk, thuốc tẩy của Nirvana và thường sử dụng máy trống. Stephen Klain của Gigwise mô tả âm thanh là những cây guitar bẩn thỉu, thậm chí là mái tóc bẩn hơn và áo phông chỉ có một người mẹ sẽ rửa sạch. Các ban nhạc Fraggle đáng chú ý bao gồm những điều vô nghĩa, Mega City Four và Carter là cỗ máy tình dục không thể ngăn cản. Họ mang theo tinh thần độc lập, nhưng với một năng lượng hỗn loạn hơn và một phong cách thị giác không được đánh bóng.

Những điều vô nghĩa

Nhà văn spin Charles Aaron đã mô tả vỉa hè và được hướng dẫn bởi giọng nói là hai ban nhạc định nghĩa Indie Rock trong thời đại này và, đối với nhiều người, vẫn thể hiện ý nghĩa của thuật ngữ. Cả hai nhóm chấp nhận các phong cách sản xuất lo-fi phản ánh và lãng mạn hóa các đặc điểm DIY của họ. Album năm 1992 của Pavement Slanted và Enchanted đã trở thành nền tảng của Slacker Rock Subgenre. Rolling Stone gọi nó là album nhạc rock độc lập tinh túy và đưa nó vào danh sách 500 album vĩ đại nhất mọi thời đại của họ.

Trong tam giác nghiên cứu của Bắc Carolina, cảnh độc lập được dẫn dắt bởi các ban nhạc được ký hợp đồng để hợp nhất các bản thu âm, bao gồm Superchunk, Archers of Loaf và Polvo. Các ban nhạc này đã định hình một phong trào khu vực chịu ảnh hưởng của cả nhạc punk và hậu punk Hardcore. Trong khoảng thời gian đó, các cửa hàng như Entertainment Weekly đã gọi Chapel Hill là The Seattle tiếp theo. Motherfucker Slack Slack của Superchunk cũng được tạp chí Columbia chú ý như là một bài quốc ca định nghĩa của những năm 90 indie Rock và là biểu tượng của khuôn mẫu Slacker.

Trong khi đó, ở Anh, sự trỗi dậy của Britpop đã đẩy nhiều ban nhạc rock indie đầu tiên vào nền. Được dẫn dắt bởi Blur, Oasis, Pulp và Suede, Britpop ban đầu tự định vị là các lựa chọn thay thế ngầm - một phản ứng đối với sự thống trị của bối cảnh grunge của Mỹ. Trong khi Britpop nợ phần lớn phong cách của mình với Indie Rock và bắt đầu như một phần của dòng dõi đó, nhiều ban nhạc đã từ chối tinh thần chống thành lập sớm của thể loại này. Thay vào đó, họ đã đưa Indie vững chắc vào dòng chính, với các hành động như Blur và Pulp ký kết cho các nhãn hiệu lớn.

Trong bài luận của cô ấy lao động điểm? Chính trị của Anh ở New New England, học thuật và chính trị gia Rupa Huq đã lập luận rằng Britpop Hồi bắt đầu như một nhánh của nền âm nhạc độc lập của Anh nhưng cuối cùng có thể đã giết nó Nhà báo âm nhạc John Harris đã truy tìm nguồn gốc của Britpop vào mùa xuân năm 1992, khi đĩa đơn đầu tay thứ tư của Blur và Suede ra mắt The Drowners được phát hành gần như đồng thời. Nếu Britpop bắt đầu ở bất cứ đâu, anh ấy đã viết, đó là làn sóng hoan nghênh đã chào đón những người độc thân ban đầu của Suede: Bold, chiến thắng và người Anh không thể nhầm lẫn. Suede là người đầu tiên trong một làn sóng mới của các ban nhạc điều khiển guitar được báo chí âm nhạc Anh chấp nhận là câu trả lời của Anh cho grunge của Seattle. Album đầu tay có tựa đề của họ đã trở thành tác phẩm đầu tay bán chạy nhất trong lịch sử Vương quốc Anh vào thời điểm đó.

Đa dạng hóa đá độc lập

Album đầu tay của Sunny Day Album đầu tay Diary (1994) đã giúp mở ra một làn sóng emo mới bằng cách hợp nhất các chủ đề tình cảm với thẩm mỹ nhạc rock độc lập. Bên cạnh các ban nhạc như Piebald, The Promise Ring và Cap'n Jazz, Emo sóng thứ hai đã tự xa cách với nguồn gốc khó khăn của nó, phát triển thành một thể loại du dương và tinh tế hơn về mặt cấu trúc.

Điều mới hơn này đã tham gia vào dòng chính vào đầu những năm 2000 với các album bán bạch kim như Jimmy Eat World Bleed American (2001) và Dashboard Confession là những nơi bạn đã sợ hãi nhất (2001). Một túi đặc biệt có ảnh hưởng của phong trào này xuất hiện ở Trung Tây, nơi các ban nhạc như bóng đá Mỹ pha trộn các giai điệu guitar lung linh và các yếu tố rock toán học thành một âm thanh riêng biệt. Sự nổi tiếng ngày càng tăng của Emo cũng giúp tăng khả năng hiển thị đối với các hành động ở giữa các hành động như Death Cab cho Cutie, Modest Chuột và Karate-các ban nhạc không phù hợp với Emo hoặc Indie, nhưng đã phát triển mạnh ở đâu đó trong sự chồng chéo.

Trong khi đó, tập thể Voi 6 - có táo trong âm thanh nổi, Beulah, hệ thống tuần hoàn, sức mạnh yêu tinh, người tư duy, khách sạn sữa trung tính và kiểm soát run rẩy Olivia - đã mang đến một sự thay đổi ảo giác cho indie Rock. Trong Gimme Indie Rock, tác giả Andrew Earles đã ghi nhận tập thể - đặc biệt là khách sạn sữa trung tính trên đảo Avery (1996) - với việc giữ cho indie có liên quan đến nghệ thuật trong một thời gian khi các phong trào ngầm khác bắt đầu mờ dần hoặc đi vào xu hướng.

Indietronica (hoặc Indie Electronic) nổi lên như một điểm hợp nhất khác, pha trộn các cấu trúc đá độc lập với sản xuất điện tử - bộ lấy mẫu, synths, máy trống và phần mềm. Thay vì một thể loại cụ thể, Indietronica đã mô tả một phong trào rộng lớn hơn vào đầu những năm 90 đã thu hút Krautrock, Synth-pop và các truyền thống thử nghiệm như Hội thảo X quang BBC. Các hành vi nền tảng bao gồm Disco Inferno, Stereolab và không gian của Vương quốc Anh, với hầu hết các nghệ sĩ gắn liền với các nhãn hiệu như Warp, Morr Music, Sub Pop hoặc Ghostly International.

Space Rock, một nhánh khác của Indie, đã lấy cảm hứng từ nhạc rock ảo giác, kết cấu xung quanh và phong cách vũ trụ của Pink Floyd và Hawkwind. Bắt đầu với Spacemen 3 trong thập niên 80, phong cách đã mở rộng thông qua các ban nhạc như tấn công đĩa thần kinh, bay, Godspeed You! Hoàng đế đen, và Quickspace, kết hợp máy bay không người lái, bầu không khí và cấu trúc độc lập.
Khi Britpop mờ dần vào cuối những năm 90, hậu Britpop đã tạo ra không gian riêng của mình trong INDIE Rock của Vương quốc Anh. Khoảng năm 1997, sự vỡ mộng với Cool Britannia đã phát triển và các ban nhạc bắt đầu cách xa nhãn hiệu Britpop - ngay cả khi họ giữ lại các kết nối phong cách. Với sự suy giảm của Britpop, các ban nhạc mới đã đạt được sự công khai và phê phán rộng rãi hơn. Các bài thánh ca đô thị của Verve (1997) là một cú hích toàn cầu và đánh dấu đỉnh cao thương mại của họ trước khi chia tách vào năm 1999. Radiohead, trong khi đó, đã thành công khiêm tốn với Bends (1995) nhưng đã vượt qua với OK Computer (1997), tiếp theo là đứa trẻ không nhận được thể loại A (2000).

Stereophonics hỗn hợp ảnh hưởng sau grunge và khó tính trong các album như Word Gets khoảng (1997) và biểu diễn và cocktail (1999), trước khi chuyển sang cách sáng tác nhạc du dương hơn trong giáo dục vừa đủ để biểu diễn (2001) và sau đó phát hành.

Foother, ban đầu bắt nguồn từ hậu Grunge của Mỹ, đã tìm thấy một âm thanh nặng hơn, thân thiện với đài phát thanh hơn trên Buck Rogers đơn đột phá của họ và album Echo Park (2001). Sau cái chết của tay trống Jon Lee, ban nhạc đã di chuyển theo một hướng nội tâm hơn với sự thoải mái trong Sound (2002), đã trở thành bản phát hành nhạc rock độc lập thành công nhất về mặt thương mại của họ, sinh ra một chuỗi các đĩa đơn đình đám.

Ban nhạc rock độc lập thống trị nhất về mặt thương mại của thiên niên kỷ mới là Coldplay, có hai album đầu tiên-Parachutes (2000) và Rush of Blood to the Head (2002)-đã đi đa cộng đồng, củng cố vị trí của họ khi các siêu sao toàn cầu của họ trở thành những người khác.

Sự gia tăng chính của Indie Rock: Những năm 2000

Sự hồi sinh của Post-Punk và Garage Rock

Indie Rock bung ra sự chú ý vào những năm 2000 bắt đầu với The Strokes và album đầu tay năm 2001 của họ là This It. Truy xuất tinh thần của các ban nhạc thập niên 60 và 70 như Velvet Underground và Ramones, ban nhạc nhằm mục đích âm thanh, theo cách nói của họ, như một nhóm từ quá khứ đi đến tương lai để lập kỷ lục. Trong khi album đạt vị trí thứ 33 tại Mỹ, nó vẫn ở trên bảng xếp hạng trong hai năm và ra mắt ở vị trí thứ 2 ở Anh. Vào thời điểm đó, Rock chính thống bị chi phối bởi hậu Grunge, Nu-metal và rap-rock, làm cho sự hồi sinh nhạc rock, nhà để xe thô của Strokes cảm thấy như một sự tương phản sắc nét-và một luồng không khí trong lành.

Thành công của ban nhạc đã giúp chiếu sáng những hành động khác ở New York với những ảnh hưởng cổ điển, bao gồm cả Yeah Yeah Yeahs, Interpol và TV trên đài phát thanh. Làn sóng lấy cảm hứng từ nhà để xe này cũng bao gồm các sọc trắng, dây leo và tổ ong, những người nhanh chóng được truyền thông đặt tên là các ban nhạc. Rolling Stone đã ghi lại khoảnh khắc với trang bìa tháng 9 năm 2002 tuyên bố, Rock Rock đã trở lại!

Động lực từ các nét cũng làm dấy lên sự hồi sinh trong trận đấu dưới lòng đất mờ dần của Vương quốc Anh. Lấy cảm hứng từ âm thanh của họ, một làn sóng các ban nhạc Anh bắt đầu làm lại cách tiếp cận của họ. Nổi bật ban đầu bao gồm Franz Ferdinand, Kasabian, Maximo Park, The Cribs, Bloc Party, Kaiser Chiefs, và những người khác. Nhưng Libertines, được hình thành vào năm 1997, được coi là câu trả lời trực tiếp của Vương quốc Anh cho các nét. Allmusic mô tả họ là một trong những ban nhạc có ảnh hưởng nhất của Anh trong thế kỷ 21, trong khi The Independent lưu ý, thì The Libertines đã trở thành một ban nhạc rock độc lập quan trọng, nhưng không thể dự đoán được họ định hình cảnh đó đến mức nào.

Pha trộn ảnh hưởng từ cuộc đụng độ, kinks, Smiths và Jam, The Libertines đã tạo ra một âm thanh của những cây đàn nhỏ, guitar và lời bài hát về cuộc sống của Anh, được hát bằng giọng Anh không thể nhầm lẫn. Phong cách của họ nhanh chóng lan sang các ban nhạc như Fratellis, Kooks và The View, tất cả đều tìm thấy thành công thương mại lớn. Nhưng không có nhóm nào tạo ra một tác động lớn hơn những con khỉ Bắc Cực từ Sheffield - một trong những ban nhạc đầu tiên khai thác sức mạnh của phương tiện truyền thông xã hội để xây dựng một nhóm người hâm mộ. Tác phẩm ra mắt năm 2006 của họ bất kể mọi người nói tôi là gì, đó là những gì tôi không trở thành album đầu tay bán chạy nhất trong lịch sử biểu đồ Vương quốc Anh, sau hai đĩa đơn số 1.

Làn sóng nổi tiếng này đã giúp mở ra những hành động dưới lòng đất truyền thống vào dòng chính. Tin tốt của chuột khiêm tốn cho những người yêu thích Bad News (2004) đã đột nhập vào top 40 của Hoa Kỳ và nhận được một đề cử Grammy. Bright Eyes đã hạ cánh hai người độc thân số 1 trên bảng xếp hạng bán hàng của Billboard Hot 100 vào năm 2004. Death Cab cho Cutie's Plan (2005) ra mắt ở vị trí thứ 4 tại Mỹ, ở trên bảng xếp hạng Billboard trong gần một năm, đi bằng bạch kim và cũng nhận được một cái gật đầu. Với Ind Indie, đột nhiên ở khắp mọi nơi - từ âm nhạc đến thời trang và phim ảnh - một số nhà phê bình bắt đầu tranh luận về thuật ngữ này đã mất hoàn toàn ý nghĩa của nó.

Trong khi đó, Mỹ đã thấy một làn sóng thứ hai của các ban nhạc độc lập đạt được sự công nhận toàn cầu. Các nhóm như Black Keys, Kings of Leon, The Shins, The Bravery, Spoon, The Hold Steady và The National đã tìm thấy cả thành công quan trọng và thương mại. Sự đột phá lớn nhất của bó là những kẻ giết người, được hình thành ở Las Vegas vào năm 2001. Sau khi nghe thấy điều này, họ đã loại bỏ nhiều tài liệu ban đầu của họ và viết lại với ảnh hưởng của những nét.

Đĩa đơn đầu tay của họ, ông Brightside đã trở thành một hiện tượng. Kể từ tháng 4 năm 2021, ca khúc đã dành 260 tuần (năm năm) trên bảng xếp hạng đơn của Vương quốc Anh - lâu hơn bất kỳ bài hát nào khác. Vào năm 2017, nó đã xuất hiện trên bảng xếp hạng 11 trong số 13 năm trước, bao gồm cả lần chạy 35 tuần đạt vị trí thứ 49 trong năm 2016 2015. Cho đến cuối năm 2018, đây là bài hát nhạc rock độc lập được phát trực tiếp nhất trong lịch sử Vương quốc Anh và vẫn được tải xuống hàng trăm lần mỗi tuần vào cuối năm 2017. Vào tháng 3 năm 2018, ông Brightside đã đạt được một cột mốc khác: 200 tuần tích lũy trong Top 100 của Vương quốc Anh.

Sự lây lan của đá độc lập và sự trỗi dậy của bãi rác độc lập

Thành công của các ban nhạc như The Strokes, The Libertines và Bloc Party đã gây ra một làn sóng quan tâm từ các nhãn hiệu lớn trong bối cảnh nhạc rock độc lập - một xu hướng chỉ tăng cường sau đột phá của khỉ Bắc Cực. Trong những năm sau khi phát hành bất cứ điều gì mọi người nói, đó là những gì tôi không phải, một loạt các ban nhạc mới xuất hiện, bao gồm súng trường, thám tử chim bồ câu và Milburn. Nhiều trong số các hành vi này đã đưa ra một công thức hơn, được đưa xuống âm thanh của những người tiền nhiệm của họ.

Đến cuối thập kỷ, các nhà phê bình bắt đầu đề cập đến làn sóng này là bãi rác Indie Indie - một thuật ngữ được đặt ra bởi Andrew Harrison của tạp chí Word để mô tả sự vô địch của các ban nhạc guitar không thể phân biệt tràn ngập dòng chính. Trong một bài viết của phó chủ tịch năm 2020, thủ lĩnh của Razorlight, Johnny Borrell, được mệnh danh là người đàn ông đã định nghĩa, thể hiện và sống trong bãi rác indie. Mặc dù chống lại năng lượng thô và sự hỗn loạn tình yêu huyền thoại của Libertines, Razorlight được coi là biểu tượng của một ban nhạc thể hiện bề mặt, nhưng không phải là linh hồn, của phong trào-trung bình ấn tượng, như là tác phẩm.
Trong một chuyên mục người giám hộ năm 2009, nhà báo Peter Robinson tuyên bố thời kỳ đầu tiên chính thức đã chết. Anh ta đã chỉ ra các wombats, trinh sát cho các cô gái, và Joe Lean & The Jing Jang Jong là những chiếc đinh cuối cùng trong quan tài. Nếu ông bãi rác độc lập là một trò chơi của Buckaroo, thì ông đã viết, ba người này sẽ gửi toàn bộ sự hỗ trợ của sự đơn điệu thân thiện với đài phát thanh cao.

Bãi rác Indie cuối cùng đã trở thành một biểu tượng cho việc Indie Rock, một khi là một sự thay thế nổi loạn cho dòng chính, đã trở nên bão hòa, hàng hóa và tước đi lợi thế của nó.

Thành công đang diễn ra của Indie Rock: Năm 2010 cho đến ngày nay

Thành công thương mại của Indie Rock đã tiến vào những năm 2010 với các bản phát hành lớn như The Arcade Fire's The Suburbs (2010), Black Keys 'Turn Blue (2014), Kings of Leon's Walls (2016), và The Killers' Wonderful Wonderful (2017), đứng đầu cả bảng xếp hạng 200 ở Mỹ. Các vùng ngoại ô thậm chí đã mang về giải Grammy cho album của năm vào năm 2011. Các nghệ sĩ độc lập khác - Florence and the Machine, The Jacists và LCD Soundsystem - đã hạ cánh đơn số 1 ở Mỹ trong thập kỷ, trong khi các ban nhạc như Vampire Cuối tuần, Bon Iver, Death Cab cho Cutie, Dịch vụ bưu chính.

Album thứ ba của Vampire cuối tuần Modern Vampires of the City (2013) đã giành được album nhạc thay thế tốt nhất vào năm 2014, và năm 2019, nhà văn Tyler Clark đã mô tả nó vẫn còn mang biểu ngữ nhạc rock indie trong thế giới âm nhạc rộng lớn hơn. AM AM (2013) của Arctic Monkeys (2013) đã trở thành một trong những album nhạc rock độc lập lớn nhất của thập kỷ-ra mắt ở vị trí số 1 ở Anh, bán 157.329 bản trong tuần đầu tiên và trở thành album bán chạy thứ hai của năm. Với AM, ban nhạc đã trở thành hành động đầu tiên trên một nhãn hiệu độc lập để ra mắt ở vị trí số 1 ở Anh với năm album đầu tiên của họ. Tính đến tháng 6 năm 2019, AM đã dành 300 tuần trên bảng xếp hạng album Top 100 của Vương quốc Anh. Album này cũng đạt vị trí số 1 tại Úc, Bỉ (Flanders), Croatia, Slovenia, Đan Mạch, Ireland, Hà Lan, New Zealand và Bồ Đào Nha và lọt vào top 10 ở một số quốc gia khác.

Tại Mỹ, AM đã bán được 42.000 bản trong tuần đầu tiên và ra mắt ở vị trí thứ 6 trên Billboard 200, trở thành bản phát hành biểu đồ cao nhất của khỉ Bắc Cực ở Hoa Kỳ. Đến tháng 8 năm 2017, album đã được RIAA chứng nhận Platinum, với hơn 1 triệu đơn vị tương đương được bán ở Mỹ vào ngày 14 tháng 4 năm 2023, mọi ca khúc trong album đều được BPI chứng nhận hoặc cao hơn, với âm thanh Mad Mad là lần cuối cùng đạt được cột mốc đó.

Lửa arcade

Đầu những năm 2010, năm 1975 bắt đầu sáp nhập Indie Rock với sự nhạy cảm của Pop - một động thái ban đầu các nhà phê bình phân cực. Họ được đặt tên là ban nhạc tồi tệ nhất tại ban nhạc NME 2014, nhưng vào năm 2017, họ đã mang về nhà giải thưởng cho ban nhạc trực tiếp tốt nhất. Yasmine Summan của Internative Press đã viết rằng nếu năm 2013 và 2014 có thể được tóm tắt trong một album duy nhất dành cho người hâm mộ của Indie và Alt Music, thì đó sẽ là lần ra mắt tự có tựa đề năm 1975. Trong The Guardian, nhà báo Mark Beaumont đã ghi nhận ban nhạc với việc mở ra Indie Rock vào dòng chính, so sánh ảnh hưởng của thủ lĩnh Matty Healy với Pete Doherty of the Libertines. Pitchfork cũng liệt kê năm 1975 là một trong những hành động có ảnh hưởng nhất trong âm nhạc kể từ năm 1995.

Thành công của ban nhạc đã giúp châm ngòi cho một làn sóng của những hành động nhạc pop độc lập theo phong cách tương tự, một phong trào mà một số nhà phê bình được mệnh danh là Hồi Healywave. Những cái tên đáng chú ý bao gồm sóng nhạt, Aces, Joan, những người bạn hay thay đổi và không có Rome. Trong số đó, sóng nhạt nổi bật về mặt thương mại. Mind Mind của họ làm cho Tiếng ồn được xếp hạng ở vị trí thứ 8 ở Anh, tôi là ai? (2021) đánh số 3 và không mong muốn (2022) đạt số 4.

Cũng trong khoảng thời gian đó, Wolf Alice nổi lên như một lực lượng lớn trong cảnh. Album thứ hai của họ Visions of a Life (2017) đã giành giải thưởng Mercury danh tiếng vào năm 2018, và Blue cuối tuần thứ ba (2021) của họ, đã được đề cử. Viết cho Dork vào năm 2021, Martin Young lưu ý, không thể nói quá về việc Wolf Alice quan trọng như thế nào. Họ đã trở thành chất xúc tác đằng sau hầu hết mọi ban nhạc xuất sắc mà bạn đã đọc trong Dork trong năm năm qua.

Album và bài hát indie Rock mang tính biểu tượng

Khi Buzzcocks phát hành Spiral Scratch vào năm 1977, nó đã trở thành album độc lập đầu tiên theo nghĩa hiện đại. Ban đầu bị ép trong một hoạt động khiêm tốn chỉ 1.000 bản, ban nhạc và ngành công nghiệp đã bị sốc khi nhu cầu buộc họ phải in thêm 15.000. Thành công của EP đánh dấu sự khởi đầu của một cộng đồng nghệ sĩ đang phát triển cam kết độc lập khỏi hệ thống nhãn chính.

Một album độc lập khác là mười. Mặc dù phổ biến hơn liên quan đến grunge, mười người đóng vai trò chính trong việc xác định âm thanh của cảnh Seattle năm 1990 và giúp đưa thuật ngữ sử dụng grunge. Giống như nhiều bản phát hành indie và thay thế thời đó, album ban đầu chậm để đạt được lực kéo, mất khoảng một năm để đột nhập vào bảng xếp hạng Billboard.

Lyrically, Indie Rock luôn dựa vào cách kể chuyện - thường là cá nhân và cộng hưởng cảm xúc sâu sắc.
Mùi của Nirvana giống như tinh thần tuổi teen đã chiếm được sự giận dữ và bối rối của tuổi trẻ dưới áp lực.

Weezer nói rằng không phải vì vậy đã kể câu chuyện về một gia đình bị gãy bởi rượu, lấy cảm hứng từ thời thơ ấu của thủ lĩnh Cuomo.
Ông Brightside của Kẻ giết người đã vẽ một bức tranh sống động về sự ghen tuông và đau lòng - một người đàn ông bị ám ảnh bởi ý nghĩ mất người anh ta yêu người khác.

Những bài hát này, với cảm xúc thô và thử nghiệm âm thanh, đã giúp định hình cốt lõi của Indie Rock và tiếp tục truyền cảm hứng cho các thế hệ nhạc sĩ mới.

Tương lai của Indie Rock

Khi âm nhạc độc lập trở nên dễ tiếp cận và chính thống hơn, nhiều người tin rằng tương lai của ngành công nghiệp âm nhạc có thể nằm trong tay các nghệ sĩ độc lập. Với ít người gác cổng hơn, các nhạc sĩ độc lập có thể tự do đẩy ranh giới, khám phá những âm thanh mới và phát triển bản sắc riêng của họ theo cách riêng của họ.

Làn sóng nghệ sĩ mới ngày nay thường được mô tả là thể loại chất lỏng-làm mờ các ranh giới giữa rock, pop, hip-hop, v.v. Các nghệ sĩ như Dominic Fike và Declan McKenna đại diện cho sự thay đổi này, tạo ra âm nhạc bất chấp phân loại dễ dàng. Khi ngành công nghiệp âm nhạc và người nghe của nó trở nên đa dạng và cởi mở hơn, Indie Rock-trong tất cả các hình thức đang phát triển của nó-đã sẵn sàng để tiếp tục phát triển, định hình và định nghĩa lại những gì âm nhạc hiện đại có thể là gì.